Now Hear This es una serie mensual para cazatalentos en la que les presentamos nuevas y emocionantes tendencias musicales descubiertas a través de nuestra innovadora plataforma de descubrimiento musical, Groover.
Cada mes, encontrarás una selección diversa de canciones de una amplia gama de artistas de todo el mundo, sin importar el género o la procedencia geográfica.
Más de Spin:
-
Weezer anunció su vigésimo álbum con un tema en el que participa Wednesday.
-
Michael Stipe estrenó el tema principal de su serie "Rooster" en el programa Kimmel Live.
-
Sara Bareilles ha vuelto a "casa" con un nuevo álbum.
En junio, SPIN seleccionó 16 artistas que merecen tu atención, incluyendo el oscuro country gótico de Orange Animal, el indie pop ultra pegadizo de Queen Anne, la evocadora música de piano de Sherif Dahroug, el blues acústico moderno de Paul Louis Villani, el pop psicodélico neón de South of France, el rock alternativo arrollador de JRNXLST, el punk New Jack Swing de Gabagool, el hip-hop consciente e inspirado en el yoga de Flowanda, el country al estilo Dylan de Carson Bull, el indie blues-punk brumoso de The Hedgehogs, el descarado post-punk de Chorley de Hauspoints, el pop industrial gótico de Crucifera, el soul indie cosmopolita de Chavar Dontae, la música synth lo-fi de Moondrive, el pop metálico oscuro de Pryti y el enérgico country alternativo de Thirsty. Maldición.
Quién sabe, quizás tu próxima pieza favorita esté a solo unos pasos.
Foto cortesía de Orange Animal.
Animal naranja
Suena como: Una balada country oscura y gótica al estilo de Nick Cave and the Bad Seeds. La era del álbum Boatman's Call .
Entrevista:
Describe tu enfoque musical y cómo explicarías a los demás cómo suena tu trabajo.
La música empieza con un sonido, una sensación o simplemente una frase que no puedo dejar de repetir en mi cabeza. Por ejemplo, nuestra canción "Hold On", que se publicará el 26 de junio junto con el EP completo, empezó con el sonido de una guitarra en particular (una Orangewood con puente de goma), y la canción simplemente surgió.
En general, describiría nuestro sonido como una mezcla de rock y folk de motel. Tiene elementos de blues y rock con un toque crudo y nocturno.
¿Cómo se te ocurrió el título para tu actuación?
Quería un nombre que no revelara nada sobre lo que se podía esperar. Quería libertad musical y creativa. Así que elegí mi color favorito, el naranja, y bueno, añadir la palabra "animal" le dio un toque más animado.
¿Qué artistas y álbumes han tenido la mayor influencia en tu dirección creativa?
Leonard Cohen, Miles Davis y Led Zeppelin han influido enormemente en mi percepción y forma de pensar sobre la música. En cuanto a nuestro próximo EP y su primer sencillo, "Place for Me", diría que Bonnie "Prince" Billy y Feist también contribuyeron.
¿Qué es lo más interesante que está sucediendo ahora mismo en la industria musical?
La música en vivo lo abarca todo. Clubes, bares, bandas de gira, grupos locales… lo que sea. Son lugares donde la música simplemente tiene cabida. Donde puedes vivirla en primera persona.
No me malinterpreten, la música grabada y el proceso de grabación tienen muchos elementos increíbles y de un poder inagotable.
Pero es la música en vivo la que da vida a este arte humano, enérgico y desenfrenado.
¿Cómo prevé que evolucione el mundo de la música en los próximos cinco años?
Al principio, había una preferencia por la música generada por IA. Luego llegó un rechazo total y rebelde a la misma.
¿Cómo te ayuda la música durante estos tiempos difíciles?
Me permite ser yo misma. Me obliga a ser honesta conmigo misma. Y me da el privilegio de crear junto a personas verdaderamente increíbles.
Mis compañeros de banda, Bill Derivan y Adam Thurman, son músicos increíblemente talentosos. Han estado conmigo durante la última década. Son como de mi familia.
Y en nuestro último sencillo, "Place for Me", tuve la suerte de trabajar con la increíblemente talentosa cantante Autumn Traub, quien le dio vida a la canción. Y el pianista Rob Kovacs capturó a la perfección la profundidad de sonido que buscaba.
La música se ha convertido verdaderamente en mi salvación.
Fotografía cortesía de la Administración de la Reina Ana.
Reina Ana
Suena como: Indie-pop pegadizo y enérgico que suena como The Waitresses y brilla como Olivia Rodrigo.
Entrevista: (Respuestas de Katie y Sandy)
Describe tu enfoque musical y cómo explicarías a los demás cómo suena tu trabajo.
Cuando se trata de canciones, tengo la mentalidad de que "esta reunión podría ser un correo electrónico". Por ejemplo, si una canción pudiera ser un cuento, escribo un cuento. Si pudiera ser una entrada de diario, escribo un diario. Pero algunas canciones están hechas para ser canciones, y trato de escribir ese tipo de canciones. Y espero que eso se refleje en nuestro sonido: si solo lees la letra o solo escuchas la parte instrumental, podrías equivocarte sobre de qué trata la canción, porque una canción trata sobre la interacción entre esos dos elementos. Una de las razones por las que una canción debe ser una canción es que puede tener muchas capas: en su composición, en su sonido, en el significado de las palabras. Y a diferencia de un poema, donde puedes detenerte con un verso, analizarlo y luego pasar al siguiente, una canción te obliga a elegir un hilo conductor y seguirlo. Por eso, para nuestro sonido es importante que tengamos varias historias entrelazadas: en la percusión, en la línea de bajo, en la(s) guitarra(s), normalmente con la adición de un sintetizador, y, por supuesto, en la melodía y la letra; y cada una de ellas es importante para la narrativa a su manera.
¿Cómo se te ocurrió el título para tu actuación?
Se barajaron tanto «Queen Anne's Lacemaker» como «Queen Anne's Revenge». Ponerle nombre a una banda basado en plantas es difícil, y ponerle el nombre de un barco lo es aún más. Por eso, «Queen Anne's Lacemaker» parecía la combinación más adecuada de estas ideas.
¿Qué artistas y álbumes han tenido la mayor influencia en tu dirección creativa?
Sin ningún orden en particular: Leonard Cohen, Joni Mitchell, The Velvet Underground y Nico , Bob Dylan, O bien/o , Nick Drake, Tom Petty, Joy Division, Depeche Mode.
¿Qué es lo más interesante que está sucediendo ahora mismo en la industria musical?
Me entusiasma mucho la democratización y la globalización de la música. No creo que la música deba ser una empresa comercial; es una forma para que la gente, sentada alrededor de una fogata, se olvide de que podría haber un oso cerca. Y me parece increíble que ahora todos podamos participar y escuchar lo que otros crean, y que lanzar una canción al mundo no requiera el permiso de nadie. También me encanta que cualquiera, en cualquier parte del mundo, pueda escuchar lo que quiera. Por ejemplo, una vez me sumergí en el mundo de la música alternativa malasia de los 90 en TikTok, y fue asombroso.
¿Cómo prevé que evolucione el mundo de la música en los próximos cinco años?
Existe mucha preocupación en torno a la IA, pero soy muy escéptico sobre su capacidad para reemplazar a los músicos. No creo que la gente quiera escuchar una canción "promedio" que cumpla con todas las expectativas; independientemente del género, lo que hace grande a una canción es la autenticidad, la inspiración y la sensación de que hay alguien comunicándose al otro lado del micrófono, y la IA no puede lograr eso. Por eso, espero que la música se vuelva más humana, más creativa y más experimental, porque si uno se limita a pensar: "¿Cómo puedo escribir una canción que suene como un éxito de verano?", la IA puede hacerlo mejor.
¿Cómo te ayuda la música durante estos tiempos difíciles?
A veces me invade una mentalidad fatalista, como si solo hubiera un camino a seguir y, a pesar de las numerosas señales de advertencia, la humanidad no tuviera más remedio que avanzar. Escuchar música, y sobre todo descubrir nuevas piezas, me ayuda a reconocer las múltiples posibilidades creativas de las que somos capaces los seres humanos. Somos seres creativos por naturaleza, y creo que el impulso de crear y apreciar la belleza es parte de lo que nos motivará a corregir las muchas injusticias que existen en el mundo actualmente.
Fotografía cortesía de Sherif Dahrug.
Sheriff Dahrug
Suena como: Música expresiva para piano inspirada en flores y aromas, que brilla con politonalidad modal, lo que le valió al Sr. Dahroug la Medalla de Platino de la prestigiosa Sociedad Académica de Artes, Ciencias y Letras de París (Société Académique Arts-Sciences-Lettres).
Entrevista:
Describe tu enfoque musical y cómo explicarías a los demás cómo suena tu trabajo.
Los años que pasé viviendo y estudiando en París tuvieron un profundo impacto en mi lenguaje musical. Inmerso en la tradición clásica europea, desde la polifonía renacentista hasta la estética post-Schönbergiana, asimilé gradualmente estos mundos hasta que se volvieron inseparables de mi propia percepción y composición. El resultado fue una interacción fluida que formó una constelación de estructuras vivas, que se movían libremente unas alrededor de otras.
Con el tiempo, sentí la necesidad de expresar todo lo que había absorbido artística y culturalmente. Mi obra evolucionó de forma natural a partir de este camino, moldeada tanto por las tradiciones que heredé en París como por mis propios orígenes y mi mundo interior. Más que una fusión, la concibo como una expansión orgánica de la experiencia musical francesa a través del prisma de mis orígenes y de mi propia contribución como músico.
La mayoría de mis proyectos parten de una intuición filosófica o simbólica antes de pasar a la estructura musical. Me esfuerzo por permitir que estas ideas se desarrollen a través de una sutil paleta poética, una claridad estructural lógica, la exploración armónica y la tensión entre la fragmentación y la intensidad melódica. Para mí, la música existe en un diálogo constante entre la intuición y la disciplina compositiva.
Cada álbum representa un paso más hacia la creación de una arquitectura y una sintaxis donde estos elementos convergen en un espacio emocional unificado. En el centro de mi trabajo reside el deseo de ofrecer algo luminoso y místico: música capaz de transitar de la ansiedad a la calma, manteniendo al mismo tiempo una profunda sensación humana de anhelo y presencia en el alma del oyente.
¿Cómo se te ocurrió la idea para este proyecto?
El proyecto surgió de un profundo deseo de dedicar una obra a la difícil situación del artista contemporáneo. Reflexioné sobre aquellos que siguen creando en soledad, a distancia, en el exilio —ya sea en la tierra o en sus corazones— y que permanecen fieles a la belleza a pesar del ruido y la velocidad del mundo. Hay una dignidad silenciosa en la devoción artística que me conmueve profundamente, la resiliencia de la creatividad incluso ante la incertidumbre, la pérdida o la invisibilidad.
De estas reflexiones surgió la imagen del artista como creador solitario, embarcándose en un oscuro viaje interior, casi como una figura ancestral que vaga en la oscuridad en busca de sentido y autoconocimiento. En este estado de confusión y fragmentación, emerge una presencia femenina, una figura simbólica de belleza, color, música y despertar, a través de la cual la creatividad vuelve a ser posible.
El sueño se convirtió gradualmente en el eje central de la obra, un estado nocturno lúcido donde la memoria, la sensación, el color y el aroma comienzan a entrelazarse. Así surgió "Nuit du Songe" (Noche de Ensueño), "En los Colores y Fragancias de las Flores": nueve composiciones instrumentales contemporáneas tejidas en una sola obra laberíntica que explora la percepción, la memoria y la transformación interior a través del lenguaje del sonido.
¿Qué artistas y álbumes han tenido la mayor influencia en tu dirección creativa?
Mi trayectoria creativa se ha visto influenciada por diversas tradiciones musicales y artísticas que, con el tiempo, han convergido gradualmente. La tradición francesa sigue siendo fundamental para mí: Debussy, Ravel, Messiaen y Dutilleux me abrieron nuevas perspectivas sobre el color, la resonancia, el espacio armónico y el tiempo musical.
También comparto una fuerte afinidad con la tradición y el pensamiento fenomenológico de Sergiu Celibidache en la música, la idea de que el sonido se percibe como una presencia viva en el tiempo y la conciencia, en lugar de como una estructura puramente formal. Este enfoque de la escucha ha influido profundamente en mi comprensión del espacio musical, la armonía y la percepción temporal.
Como intérprete, también me impresionaron profundamente artistas como Ivo Pogorelich, András Schiff y Daniel Barenboim. Su profundidad intelectual, su libertad de pensamiento y su enfoque profundamente humano de la música moldearon mi percepción de la interpretación como algo existencial.
Además de la música en sí, siempre me han atraído los mundos artísticos que pueden crear un estado interior.
La pintura también influyó en mi visión del mundo, especialmente el surrealismo. En arquitectura, figuras como Le Corbusier, Louis Kahn, Frank Lloyd Wright y el estudio japonés SANAA influyeron en mi percepción del espacio, la luz, el silencio y la proporción.
Al mismo tiempo, mi trabajo ha estado influenciado por la filosofía, la arquitectura sagrada, la astronomía, el simbolismo y la filosofía del antiguo Egipto. Creo que me guiaron más los universos artísticos y las obras capaces de transmitir misterio, profundidad, sensualidad y una perdurable sensación de presencia humana a través del sonido que los álbumes individuales.
¿Qué es lo más interesante que está sucediendo ahora mismo en la industria musical?
Hoy me inspira enormemente la creciente oportunidad que tienen los artistas de crear mundos profundamente personales que trascienden las rígidas categorías estilísticas y las expectativas de la industria. Percibo que muchos músicos buscan nuevamente la sinceridad, la profundidad, la atmósfera y una identidad artística significativa, en lugar del mero consumo inmediato.
También me fascina cómo la música se abre cada vez más a otras formas de pensamiento y percepción, la arquitectura, la filosofía, las artes visuales, el simbolismo y la experiencia espacial. Algunas de las obras más interesantes de la actualidad representan mundos interiores completos con su propia integridad emocional y simbólica.
Al mismo tiempo, creo que los oyentes se están volviendo más sensibles a la intimidad y la autenticidad. En una era saturada de ruido y aceleración, existe una necesidad renovada de música que pueda crear una sensación de presencia humana.
¿Cómo prevé que evolucione el mundo de la música en los próximos cinco años?
Creo que la música seguirá evolucionando hacia formas cada vez más inmersivas e interdisciplinarias, así como hacia nuevos modos de percepción. La idea del álbum como un universo artístico autónomo probablemente adquirirá aún más importancia, especialmente para los artistas que buscan una mayor integridad y originalidad.
Al mismo tiempo, creo que estamos entrando en un periodo de saturación, un entorno de producción constante, aceleración y fragmentación. Por lo tanto, creo que habrá una creciente demanda de obras que recuperen la sensación de presencia y profundidad humana. Los oyentes están prestando más atención a la sinceridad y la verdad emocional, incluso dentro de formas experimentales o contemporáneas.
También creo que los artistas independientes seguirán ganando libertad para desarrollar lenguajes artísticos únicos fuera de las estructuras tradicionales. Esto podría dar lugar a la aparición de formas de creatividad más híbridas e impredecibles, pero también, con suerte, a un renovado interés por la artesanía, la escucha y la apreciación de la música como algo vivo.
¿Cómo te ayuda la música durante estos tiempos difíciles?
Para mí, la música sigue siendo una forma de mantener la integridad, la dignidad y la profundidad interior en un mundo que a menudo parece fragmentado e inestable. En tiempos turbulentos, siento que la música ayuda a recuperar la sensación de presencia y continuidad humanas.
También me fortalece la necesidad de proteger el arte en sí mismo. Sin esta necesidad, no podría compartir verdaderamente mi amor por los sueños ni invitar a otros a espacios donde la estética provoca reflexión y transformación interior. A través de la creatividad, espero estimular la sensibilidad y el deseo de conocimiento, porque creo que las experiencias artísticas pueden inspirar a las personas a reconectar con su esencia más profunda.
A medida que avanza mi propio camino, veo cada vez más el arte como algo capaz de crear una atmósfera de inspiración y resiliencia, como los árboles cuyas raíces ayudan a evitar el colapso espiritual y social. El acto de crear se convierte en una forma de resistir la insensibilidad, mantener la sensibilidad y recordarnos que la búsqueda de la belleza, la autoexpresión y el arte sigue siendo significativa y necesaria hoy en día.
Fotografía cortesía de Paul Louis Villani.
Pablo Luis Villani
Suena así: Una emotiva interpretación del blues acústico moderno con una ejecución virtuosa de la guitarra.
Entrevista:
Describe tu enfoque musical y cómo explicarías a los demás cómo suena tu trabajo.
Mi enfoque musical se define mejor como honestidad emocional, más que como una simple adaptación a los géneros. Nunca me ha interesado en encasillarme en un solo género, porque los seres humanos no percibimos la vida de una única manera. Algunos días son bellos y contemplativos, mientras que otros son agresivos, ansiosos, solitarios, llenos de esperanza, amargura y absurdo. Me resulta más fácil componer música y letras que reflejen esta honestidad que seguir reglas invisibles sobre cómo "debería" verme o sonar. Por lo tanto, mi repertorio abarca texturas industriales, blues, obras acústicas, rock, una variedad de texturas vocales, atmósferas intensas e incluso momentos que, para algunos, pueden parecer casi una banda sonora. En definitiva, mi sonido es música alternativa con una fuerte carga emocional, centrada en la tensión, la atmósfera y la confrontación a través de la introspección.
¿Cómo se te ocurrió el título para tu actuación?
Nunca lo he considerado como la creación de un "nombre de banda" porque todos mis proyectos recientes (posteriores a 2020) se han vuelto cada vez más personales. Usar mi propio nombre me parece más honesto. Si publico algo (y estoy seguro de que lo he hecho) que es feo, vulnerable, agresivo, confuso, introspectivo o desagradable, no tengo dónde esconderlo. Está directamente relacionado conmigo. De hecho, disfruto de esa responsabilidad. Implica una rendición de cuentas total. Simplemente creo arte y luego vivo con las consecuencias.
¿Qué artistas y álbumes han tenido la mayor influencia en tu dirección creativa?
Mis fuentes de inspiración son honestamente muy variadas, ¡y voy a darme un pequeño capricho aquí! Andrés Segovia, Guns N' Roses ( Apetito de destrucción ), Sr. Bungle (Sr. Bungle 1991), Placebo, Mauro Giuliani, Slayer ( Reinado en sangre ), KISS y Ace Frehley (Destroyer y el álbum en solitario de Ace Frehley de 1978), Yngwie Malmsteen ( Fuerza ascendente ), David Bowie, Led Zeppelin, The Beatles, Jeff Buckley, The Cult, Pearl Jam ( Producir ), Metallica ( Justicia para todos ), Prince, Steve Vai, The Smashing Pumpkins ( Machina / Las máquinas de Dios ), Living Color, Adam and The Ants, Rage Against The Machine, Russell Morris, Tim Buckley, Sepultura ( Caos AD ), Faith No More, Powderfinger ( Internacionalista ), Ren, Jimi Hendrix y Angie de Poitrine.
¿Qué es lo más interesante que está sucediendo ahora mismo en la industria musical?
Vivimos en una época en la que una persona, sentada sola en una habitación, puede crear algo poderoso y presentarlo al mundo sin pedir permiso a una máquina industrial. Es increíble. La tecnología (incluida la IA) asusta a algunos, pero yo la veo más como un instrumento más, un pedal de efectos o una caja de herramientas. Como cualquier cambio tecnológico en la historia de la música, la gente se resistirá hasta que finalmente la integre en la cultura.
¿Cómo prevé que evolucione el mundo de la música en los próximos cinco años?
¡Esa es una pregunta difícil! Creo que en los próximos cinco años habrá una creciente separación entre el contenido hiperproducido y la expresión artística profundamente humana. La inteligencia artificial sin duda cambiará la producción, la instrumentación, las voces, los efectos visuales y la accesibilidad, pero, paradójicamente, creo que hará que una perspectiva humana genuina sea aún más valiosa. El público ya está saturado de contenido. Puede que la gente no busque la perfección ni grabaciones de estudio costosas. Puede que busquen autenticidad, verdad emocional, imperfecciones, individualidad y perspectiva. Potencialmente, los artistas que finalmente logren carreras duraderas no serán necesariamente los más pulidos técnicamente ni los músicos más virtuosos. Serán aquellos que hagan que la gente sienta algo de verdad.
¿Cómo te ayuda la música durante estos tiempos difíciles?
La música es sin duda un mecanismo para sobrellevar las dificultades. Es mi dosis de dopamina, mi tranquilizante. Creo que mucha gente (yo incluida) está experimentando en silencio estrés, incertidumbre, aislamiento, presión económica, confusión de identidad y agotamiento emocional en estos momentos.
Componer música me permite procesar estas cosas, en lugar de dejar que se queden en mi cabeza y se repitan una y otra vez. Componer música me ayuda a mantenerme conectado con algo tangible, algo único, algo que me pertenece solo a mí.
Fotografía cortesía del sur de Francia.
Sur de Francia
Suena como: Indie pop psicodélico que palpita como un viaje nocturno por una autopista iluminada con luces de neón.
Entrevista:
Describe tu enfoque musical y cómo explicarías a los demás cómo suena tu trabajo.
Un caos sonoro. ¡Ja! Lo que más intento crear se sitúa en algún punto del mundo psicodélico, indie-pop y R&B. También compongo y produzco música para cine y televisión, así que siempre intento incorporar elementos y texturas cinematográficas inusuales. Me gusta añadir instrumentos totalmente incongruentes. Música onírica con un toque atrevido, calma con una muestra caótica, o simplemente dos acordes alrededor de los cuales se desata el caos.
¿Cómo se te ocurrió el título para tu actuación?
A pesar de su ubicación, siento que el sur de Francia tiene un estilo de vida genial, una mentalidad única. Si este lugar y la auténtica atmósfera del sur de Francia pudieran encarnar un sonido, ese sería el sonido que me gustaría que tuviera el mío.
¿Qué artistas y álbumes han tenido la mayor influencia en tu dirección creativa?
Gurú Jazzmatazz , BadBadNotGood, Kenny Beats, Danger Mouse, Handsome Boy Modeling School, Gorillaz, Damon Albarn, Kevin Parker, Digable Planets, Jungle, Miike Snow, 1999 Write The Future, Mike Dean, Ennio Morricone… Demasiados para enumerar. Por suerte, me identifico con muchos géneros musicales diferentes.
¿Qué es lo más interesante que está sucediendo ahora mismo en la industria musical?
La música nueva es tan buena que me sorprende casi todos los días.
¿Cómo prevé que evolucione el mundo de la música en los próximos cinco años?
Espero que la situación mejore significativamente en comparación con la IA. Los artistas independientes se están convirtiendo en actores importantes del mercado, y parece que la situación para ellos está mejorando en general, aunque todavía es muy difícil abrirse camino y captar la atención. Espero que veamos a más artistas independientes de gira a mayor escala y actuando en festivales importantes.
¿Cómo te ayuda la música durante estos tiempos difíciles?
Solo puedo esperar que la música siempre una a las personas, brinde oportunidades a quienes las necesitan y a las personas talentosas que realmente las merecen, y que siempre se oponga al sistema :)
Foto cortesía de JRNXLST
JRNXLST
Suena como: Rock alternativo de primera categoría al estilo de U2 y My Chemical Romance, interpretado tanto en inglés como en español, ¡a veces incluso en la misma canción!
Entrevista:
Describe tu enfoque musical y cómo describirías tu sonido a los demás.
Mi misión en este proyecto es ser brutalmente honesto sobre mi mundo, tanto interna como externamente. Romper con años de fingir que todo está bien y ocultar heridas demasiado profundas y terribles para afrontar, y liberarlo todo al universo. Mi lucha contra la enfermedad mental se ha manifestado de muchas maneras: alienación familiar, relaciones rotas, intentos de suicidio, desahucios, un trabajo tras otro. Toda mi vida he luchado sin éxito contra la enfermedad mental, mirando al olvido a la cara con solo una esperanza menguante y la incapacidad de morir. Me quitó mucho. Casi todo. Incluso después de décadas de dificultades, todavía me sentía tan perdido y solo como cuando tenía cinco años: un pequeño inmigrante extraño de Ecuador, tratando de encontrar un lugar donde finalmente pudiera sentirse parte de algo. He recogido los pedazos de mi vida incontables veces, desde alturas con las que la mayoría de la gente solo sueña, pero esta no es una historia de gloria. Esta es la historia de mi tiempo en el infierno y mi posterior escape. Es extraño darme cuenta de que la única solución real es enfrentarme a mis demonios y reconciliarme con todas las pesadillas y cicatrices hasta que aprenda gradualmente a aceptarlas con la misma ternura y calidez con la que acepto a mis amigos. Tras mucha reflexión, finalmente decidí buscar ayuda profesional después de toda una vida de sufrimiento en silencio. Terapia individual, terapia de grupo, un psiquiatra. Tengo todo un equipo. Una parte crucial de lo que llamaré mi proceso de recuperación fue hacerme las preguntas difíciles y reunir el valor para aceptar la realidad de mi situación. Reconocer mi papel en el apocalipsis. Las llamé mis confesiones. Ah, y medicación. Mucha medicación. Empecé a plasmar estas confesiones en la música. Sumergirme en la música se convirtió en un salvavidas, devolviéndome a un mundo en el que creía que realmente podía sobrevivir. Lo asimilé todo: el dolor, la confusión, los horrores del genocidio en Gaza, y dejé que la música purificara mi alma. No necesariamente para absolver mis pecados, sino para nombrarlos y así poder crecer finalmente. Y así nació JRNXLST.
¿Cómo se te ocurrió el título para tu actuación?
Como sugiere el título, quise ser brutalmente honesto acerca de estos patrones recurrentes en mi vida con la esperanza de que algún día pudiera superarlos, o al menos contactar a personas que pudieran entender lo que es ese dolor. Lo peor de todo para mí fue el sufrimiento en soledad, la idea de estar solo con la oscuridad. Es paralizante. No se lo desearía ni a mi peor enemigo, pero dejé de fingir y decidí contarlo todo. Fue incómodo, pero en cierto modo, necesario, como colocar un hueso roto. Al final del proceso de grabación, me sentí mucho más ligero, pero vulnerable al mismo tiempo. Vivir con esta incomodidad es infinitamente mejor que vivir con todo este dolor, así que estoy agradecido por la oportunidad de finalmente dejarlo ir. Mi primer lanzamiento oficial desde "The Dawn" de Bedlight for Blue Eyes.
¿Qué artistas y álbumes han tenido la mayor influencia en tu dirección creativa?
Las bandas que han tenido una gran influencia en mi vida creativa y espiritual son U2, Glassjaw, Ozzy Osbourne, The Killers, Radiohead, The Clash, The Cure, The Strokes, Wilson Pickett, Otis Redding, y últimamente bastante metalcore, como BMTH. Obviamente, soy un adolescente emo. Estoy obsesionado con President ahora mismo, y "Are You Really Ok" de Sleep Token suena constantemente en bucle. Quiero devolver la teatralidad a las actuaciones en directo, como lo hicieron las grandes bandas del pasado para convertirse en verdaderamente épicas. Gwar, Ghost, My Chem, Sleep Token. Estas bandas han creado sus propios mundos ricamente detallados, llenos de intrincadas narrativas. Me encanta eso. JRNXLST lo dará todo en una actuación en directo y creará una experiencia única y cinematográfica que, a la vez, es lo suficientemente feroz como para volarte la cabeza. He estado experimentando con muchos sonidos de sintetizador, tonos de guitarra, ritmos techno, influencias españolas, me compré una guitarra de siete cuerdas para conseguir un sonido más potente que nunca; cualquier cosa que pudiera ayudarme a llevar mi mundo a la gente, y espero que estas melodías realmente penetren sus defensas y lleguen a sus corazones.
¿Qué es lo más interesante que está sucediendo ahora mismo en la industria musical?
Lo más emocionante de la música ahora mismo es el cambio en la forma en que los músicos interactúan con sus fans. Las presentaciones en vivo y los "terceros espacios" vuelven a ser sagrados, sobre todo ahora que las redes sociales han despojado a la música de toda autenticidad. Estos eventos no se limitan a las salas de conciertos: están surgiendo en lavanderías, cuadriláteros de boxeo, restaurantes chinos, estacionamientos, debajo de puentes... literalmente en cualquier lugar donde puedas instalar un sistema de sonido y reunir a tus amigos para bailar. En el ámbito digital, lo más emocionante es un concepto totalmente nuevo que se abre para bandas (y marcas): los microdramas o series verticales. Este formato consiste en episodios de entre 60 y 90 segundos, y una temporada de unos 40 episodios. Son dinámicos, muy atractivos y cuestan mucho menos que un programa o video musical tradicional. The All American Rejects lanzaron recientemente un microdrama en Candyjar. Los microdramas son una nueva e increíble manera para que bandas como la mía ofrezcan a sus fans una comprensión más profunda de los mundos creativos que creamos, manteniéndolos en vilo hasta el final.
Por ejemplo, nuestro próximo tema, "KNGDM", se lanza junto con un minidrama que escribí: un guion de 70 páginas dividido en 40 episodios. Es uno de los proyectos más ambiciosos que he creado y, al igual que la música, surge de experiencias muy reales y personales. Protagonizaré y dirigiré el proyecto junto a mis compañeros de banda y un increíble elenco internacional. Nuestro director de fotografía, Matthew Canada, es una verdadera leyenda.
«La historia sigue a Liam Kincaid, una estrella de rock acabada, que recibe una misteriosa caja relacionada con su exnovia desaparecida, Lily. Lo que comienza como dolor, depresión y paranoia se convierte en una pesadilla sobrenatural, con mensajes crípticos, visiones sangrientas y un culto clandestino de vampiros modernos que se alimentan de la fama, la adicción y la desesperación. Finalmente, Liam descubre que la propia Lily se ha transformado en algo monstruoso, obligando a los dos amantes condenados a cometer un último y brutal acto de rebeldía.
En cuanto al tono, es música verdaderamente oscura y cruda, que combina elementos de terror y cinematografía con énfasis en la creación de personajes tridimensionales y complejos. Quería crear algo más peligroso e impactante que un lanzamiento musical convencional, algo que se sintiera vivo.
¿Cómo prevé que evolucione el mundo de la música en los próximos cinco años?
В ближайшие пять лет? Да уж, кажется, что весь ландшафт того, что мы знаем как интернет, меняется с каждым днем, и многие из нас взывают к регулированию и реформам. Но, несмотря на всю эту чушь, как бы плохо ни было, всегда найдется ребенок, запершийся в своей комнате с песней в сердце, мечтой в голове и паршивым подержанным инструментом, чтобы воплотить ее в жизнь. Может, это и романтично, но иногда надежда — это все, что у нас есть.
¿Cómo te ayuda la música durante estos tiempos difíciles?
Это может прозвучать нелепо, но мне плевать. Музыка спасла мне жизнь. Музыка связала меня со всеми величайшими событиями в моей жизни, и, что еще важнее, познакомила меня с некоторыми из самых важных и значимых людей, которых я когда-либо встречал. Она стала моим проводником к исцелению и моим оружием против нескончаемого хаоса, происходящего повсюду в мире. Например, однажды ночью я листал ленту новостей, и наткнулся на пост Al Jazeera, где медсестра держала на руках маленького палестинского ребенка. Этот малыш был больше похож на кости, чем на плоть, и это разорвало меня на части. Ужасающие последствия этого геноцида в Газе предстали передо мной во всей красе и поразили меня так, как никогда раньше. Я не спал три дня. У меня были наброски моей песни «Halo», где я рассказываю о своей внутренней борьбе с созависимостью и пограничным расстройством личности, но припев продолжал звучать в моих ушах, и я начал применять его к ситуации в Палестине. Думаешь, на тебе нимб, но ты не знаешь, кто ты… Это заставило меня задуматься о Нетаньяху и сионистах, которые оправдывают геноцид и потворствуют убийствам невинных мирных жителей, особенно детей, как жертвам войны. Это заставило меня задуматься о нашем президенте и множестве совершенных им преступлений, и все же он по-прежнему стоит высоко и гордо, воплощая в себе каждую каплю своего прозвища — «Тефлоновый Дон». Лицемерие повсюду, несправедливость повсюду. Музыка всегда была оружием народа. Инструментом для повышения осведомленности и пробуждения нашего чувства добра и зла. Я решил, что не могу жить в мире, где я не делаю активного выбора в пользу его улучшения, и поэтому я изменил внешнюю оболочку песни, чтобы она была посвящена конкретно голодающим детям Газы. Что касается политических заявлений, я не думаю, что это так уж спорно — не желать, чтобы невинные дети умирали от голода без необходимости. А на самом деле я всего лишь задал вопрос: «Что мы будем делать?»
В конце каждого сообщения я вижу: «Не обязательно быть кровными родственниками, чтобы быть семьей». Я хочу верить, что однажды мы сможем жить в мире, где этот идеал станет универсальной истиной для всех людей на этой планете. Не знаю, пока у нас не появится общий враг, спустившийся из космоса, эта война никогда не закончится. Но все же мы должны продолжать пытаться. Так что да, музыка была моим мечом и моим щитом. Я благодарен каждый день за то, что у меня есть дыхание, чтобы кричать, выплескивая всю свою внутреннюю энергию. В конце концов, это все, что мы можем сделать. Кричать вместе во тьму.
Фото предоставлено компанией Gabagool.
Gabagul
Suena como: The Rapture, если бы они больше увлекались нью-джек-свингом. Отличное возвращение к старой эпохе DFA Records в Бруклине начала 2000-х.
Entrevista:
Describe tu enfoque musical y cómo describirías tu sonido a los demás.
Мой подход к музыке — это бунтарство, но также и демонстрация того, как разные жанры могут влиять друг на друга и обогащать друг друга. Мне очень нравится пытаться увести слушателя в неожиданные места, создавая при этом пересечения между частями и стилями, которые кажутся одновременно знакомыми и неизбежными. Я никогда не стесняюсь показывать свои музыкальные влияния в своей работе, рискуя быть названным вторичным, но меня это никогда не беспокоило. Мне сложно дать однозначное объяснение звучанию Gabagool, но я говорю людям, что это тяжёлый альтернативный рок с элементами фанка, джаза, соула и многих других жанров.
¿Cómo se te ocurrió el título para tu actuación?
«Габагул», хотя на самом деле это прозвище итальянской колбасы, всегда звучало для меня как что-то странное и чудесное. В моей голове возникают образы призраков и гоблинов. Я хотел, чтобы моя музыка была воплощением странных и мощных вибраций, и «Габагул» почему-то идеально подходил.
¿Qué artistas y álbumes han tenido la mayor influencia en tu dirección creativa?
Как, наверное, уже понятно, если вы слушали мои песни, мои музыкальные влияния очень разнообразны. Меня сравнивали с такими группами, как Modest Mouse и Mr. Bungle, но я черпаю вдохновение из всего, от The Gap Band и Steely Dan до более современной инди-музыки, такой как Givers и IDLES. Вот несколько альбомов, которые, на мой взгляд, оказали на меня большое влияние:
-
Мужчина – Жизнь фантастическая
-
Дарители – в свете
-
Инкуб – НАУКА
-
Марвин Гей – Что происходит?
-
Modest Mouse – Мы были мертвы ещё до того, как корабль затонул
-
Мистер Бангл – Калифорния
¿Qué es lo más interesante que está sucediendo ahora mismo en la industria musical?
Я становлюсь старше (в этом году мне исполнилось 45), поэтому чувствую, что немного теряю связь с тем, что происходит вокруг. Последние несколько вещей, которые действительно меня зацепили, — это недавняя волна нео-соул-исполнителей, таких как Андерсон .Паак, Стив Лейси и Ари Леннокс (и это лишь некоторые из них), а также новые рок-н-ролльные/пост-панк-группы, такие как IDLES и Viagra Boys, которые сейчас набирают популярность. Уверен, что в андеграундной среде по всему миру есть множество артистов, которыми можно восхищаться, но я просто уже не так хорошо в курсе событий.
¿Cómo prevé que evolucione el mundo de la música en los próximos cinco años?
Честно говоря, я не могу сказать наверняка. Я знаю, к лучшему или к худшему (рассказчик: к худшему), что музыка, созданная с помощью ИИ, набирает популярность в мире стриминга, но я не думаю, что это помешает талантливым артистам создавать уникальную музыку, которая будет интересна разным аудиториям. Думаю, в конечном итоге продюсеры и артисты найдут аутентичный подход к использованию ИИ как еще одного инструмента, и музыка, созданная исключительно с помощью ИИ, станет просто еще одним жанром, который нужно будет фильтровать. Артистам, не использующим ИИ, будет сложнее пробиться, но что тут нового? Я бы очень хотел увидеть возвращение гитарного рока в мейнстрим. Думаю, одно можно сказать наверняка: следующие пять лет не будут похожи ни на что, что можно предсказать – ни в музыкальном мире, ни в любой другой индустрии.
¿Cómo te ayuda la música durante estos tiempos difíciles?
Музыка давно стала для меня отдушиной, а также призмой, через которую я смотрю на происходящее. Моё идеальное время для себя — это выпить/покурить и серьёзно поработать над странными мелодиями в своей подвальной студии. Но если я могу через эту работу говорить и немного рассказывать о том, как я вижу происходящее в мире, это всегда плюс. Кроме того, я надеюсь, что моя музыка сможет заставить меня и других танцевать в мире, который в последнее время кажется не очень подходящим для танцев.
Фото предоставлено компанией Flowanda.
Flowanda
Suena como: осознанный хип-хоп от йогини из Бронкса, чье звучание напоминает несостоявшееся сотрудничество Kid Cudi и Beastie Boys.
Entrevista:
Describe tu enfoque musical y cómo explicarías a los demás cómo suena tu trabajo.
Возможно, это самый странный ответ, который вы когда-либо получали на этот вопрос, но всё же:
Я никогда не планировала стать музыкантом. Я бывшая сценаристка, ставшая психотерапевтом, родом из Бронкса, и после многих лет работы с горем и травмами — параллельно глубоко погружаясь в йогу, медитацию и собственную терапию — я пережила глубокий и дестабилизирующий мистический опыт, который полностью изменил мое отношение к творчеству.
Практически за одну ночь в моей голове начали появляться мелодии, тексты и готовые песни, причем совершенно неожиданно. У меня не было никакого формального музыкального образования, поэтому я в панике самостоятельно освоил Logic Pro и купил MIDI-клавиатуру, потому что этот опыт был настолько странным и эмоционально ошеломляющим, что мне нужен был способ его задокументировать.
Это было примерно 18 месяцев назад, и с тех пор это не прекращается. Как лицензированный специалист в области психического здоровья, я прекрасно понимаю, насколько странно звучит эта история. Но то, что я пережила, не показалось мне патологией — это было осмысленно, преобразующе и на удивление логично. Я изучаю эзотерическую сторону кундалини-йоги и тантры около 15 лет, и часть меня искренне задается вопросом, не наткнулась ли я на нечто, выходящее далеко за пределы моего понимания.
Поэтому мои отношения с музыкой воспринимаются не столько как «карьерные амбиции», сколько как наблюдение и интерпретация опыта, который все еще разворачивается в реальном времени.
Что касается самого звучания, честно говоря, мне сложно сравнить его с чем-либо чистым. Это психоделический альтернативный хип-хоп, но также кинематографичный, мечтательный, эмоциональный, духовный, забавный, уязвимый и временами немного безумный. Представьте себе преобразующий музыкальный фестиваль, проходящий в туннеле метро Бронкса в 2 часа ночи.
¿Cómo se te ocurrió el título para tu actuación?
«Ананда» — это санскритское слово, часто переводимое как духовное блаженство. Примерно в то время, когда начала появляться эта музыка, я действительно ощущал не столько «создание песен», сколько нечто, текущее сквозь меня. Вместо того чтобы слишком много думать о результатах, я просто отдался процессу и продолжал следовать за музыкой, куда бы она меня ни вела. Эта практика и есть FLOWANANDA.
¿Qué artistas y álbumes han tenido la mayor influencia en tu dirección creativa?
Мои музыкальные вкусы, честно говоря, очень разнообразны, поэтому, наверное, этот проект сложно отнести к какому-либо жанру. На меня, несомненно, оказали влияние Coheed & Cambria, Kid Cudi, Leonard Cohen, DMX, The LOX, Alt-J, Loreena McKennitt и многие другие. Но всех их объединяет одно: их музыка безошибочно узнаваема. Никто из них не гнался за трендами. Они создавали полноценные эмоциональные миры и верили, что люди в конечном итоге их найдут. Наверное, это самое важное, что я усвоил в творческом плане.
Первым диском, который мне купила мама, был » It’s Dark and Hell is Hot» от DMX, и я несколько месяцев не мог снять с него наушники. Возможно, это прозвучит странно, учитывая музыку, которую я создаю сейчас, но если вы послушаете DMX, то поймете, насколько он был духовным человеком.
¿Qué es lo más interesante que está sucediendo ahora mismo en la industria musical?
Честно говоря, я считаю, что Coheed & Cambria — одна из самых креативно вдохновлённых групп, создающих музыку прямо сейчас. Они занимаются этим уже много лет, работая в рамках сложной сюжетной линии, и их музыка постоянно развивается. И эта эпическая история, которую они рассказывают, близится к завершению!
Возможно, меня за это раскритикуют, но в свои 30 я отошёл от хип-хопа во многом, потому что лирическое содержание просто не развивалось вместе со мной. Конечно, сознательный рэп существует и всегда существовал, но во многом он жертвует «качаемостью». Казалось, никто не создавал тот хип-хоп, который я лично хотел бы услышать: духовное и эмоциональное развитие с крутыми битами и мелодиями.
Что-то было не так в том, чтобы быть 40-летним хиппи в кроссовках Saucony и слушать «Oochie Wally». И я не пытаюсь злиться. LOX и DMX защищали меня эмоционально и помогали выживать в Нью-Йорке, когда это было необходимо, но теперь мне нужно поливать комнатные растения.
Я также думаю, что растет потребность в музыке, которая затрагивает духовность более глубоко и живо. Не в показной «эстетической духовности», которую мы видим у всех этих людей в больших фетровых шляпах, а в подлинной мудрости, передаваемой через искусство. Такой человек, как Леонард Коэн, мог передавать глубокие духовные истины через песни, потому что он жил этим. Я видел его выступление в Мэдисон-сквер-гарден перед его смертью, и это было, честно говоря, похоже на присутствие человека, который прикоснулся к чему-то трансцендентному. Я больше не вижу этого в популярной музыке, особенно в хип-хопе, и часть FLOWANANDA — это моя попытка вернуть эту глубину в музыку, которая по-прежнему кажется эмоционально живой и звуково захватывающей.
¿Cómo prevé que evolucione el mundo de la música en los próximos cinco años?
Я думаю, что музыка, созданная искусственным интеллектом, подтолкнет человеческих артистов к еще большей эмоциональной специфичности, странности, несовершенству и оригинальности. Если алгоритмы будут обучаться на комбинациях уже существующих элементов, то самым ценным, что может предложить человек-артист, может стать подлинный жизненный опыт и неожиданная эмоциональная правда. Возможно, будущее музыки — это когда люди снова становятся странными.
¿Cómo te ayuda la música durante estos tiempos difíciles?
Музыка действительно спасла мне жизнь. Она дала мне возможность выражать переживания и эмоции, которые казались мне более глубокими, чем слова. Для меня, человека с СДВГ, музыка также ощущается гораздо более непосредственно и осязаемо, чем, например, написание сценариев, где проекты могут занимать годы. Песня может передать чувство за одну ночь.
Но больше всего музыка вселяет в меня надежду. Мы живем во времена, когда почти все кажется поляризованным и враждебным, но живая музыка все еще создает моменты, когда незнакомцы растворяются в общем эмоциональном переживании. Она позволяет людям на секунду перестать конкурировать и просто быть людьми вместе.
И клянусь, я не работаю в Coheed & Cambria, но послушайте «Tethered Together» и скажите, разве эта песня не вселяет в вас хоть немного надежды на то, что люди смогут снова найти путь друг к другу!
Фото предоставлено Карсоном Буллом.
Carson Bull
Suena como: задорный кантри-бунтарский микс в стиле «Thin Wild Mercury» Боба Дилана, пронизанный атмосферой Нэшвиллского небоскреба .
Entrevista:
Describe tu enfoque musical y cómo explicarías a los demás cómo suena tu trabajo.
Возможно, вы будете танцевать, а возможно, и плакать.
Жизнь — это постоянная борьба за то, чтобы смириться с тем, что ты не можешь контролировать, и сосредоточиться на том, что можешь. Я всегда считал, что катарсис от написания музыки и от прослушивания музыки находится где-то посередине.
Мой подход к написанию музыки всегда разный. Думаю, если бы я не был музыкантом, я бы хотел быть писателем. В школе мне всегда нравилась поэзия, и я действительно наслаждался Шекспиром, когда читал его. Я знаю, что для некоторых это может показаться странным. Я не знал, как сочетать поэзию, истории и самовыражение с музыкой, пока мне не исполнилось около 15 лет, когда я увлекся Бобом Диланом. Думаю, для меня написание музыки всегда воспринимается как терапия и способ понять свои чувства, когда я не могу разобраться в том, что происходит у меня в голове.
¿Cómo se te ocurrió el título para tu actuación?
Ну, Карсон Булл — это моё официальное имя. Меня никогда не интересовал сценический псевдоним. По крайней мере, пока нет… Однако, хотя вся моя музыка выпускается под моим именем Карсон Булл, я хотел, чтобы у моей группы, которая играет со мной, тоже было название. Я просто считаю, что они одни из лучших музыкантов в мире, и они этого заслуживают. Я большой поклонник Тома Петти и The Heartbreakers, Джейсона Исбелла и The 400 Unit, а также The Allman Brothers; поэтому какое-то время я думал, что было бы здорово выступать под именем «Карсон Булл и (пропуск)» во время наших концертов. Джеймсу Хейнсу (клавишные) и Джошу Норфлиту (соло-гитара) на концертах люди постоянно говорили, что они похожи на братьев или двоюродных братьев. Мне это показалось забавным, и Джим предложил нам выступать под именем «Карсон Булл и кузены». Мне эта идея показалась потрясающей, и она прижилась. Мы все знаем друг друга так давно и немного больше, чем друзья, но немного меньше, чем кровные братья, поэтому название «двоюродные братья» показалось уместным. Также я испытывал чувство вины и смущения в конце концертов, когда ко мне или к ребятам подходили и спрашивали: «Как называется группа?» На что я неловко отвечал: «Карсон Булл…» После нескольких таких случаев я убедился, что моей группе нужно название.
¿Qué artistas y álbumes han tenido la mayor influencia en tu dirección creativa?
The Eagles, CCR, The Beatles, Уэйлон Дженнингс, Боб Дилан, Том Петти, Крис Стэплтон, Bon Iver и Тайлер Чайлдерс — это лишь некоторые из них. Я до сих пор не могу перестать слушать Snipe Hunter Тайлера Чайлдерса с момента его выхода, и, вероятно, слушаю хотя бы один альбом Eagles в день. Desperado и One of These Nights — два моих любимых альбома всех времен. Новые концертные записи, которые они выпустили в Анахайме в 1975 году, в последнее время постоянно висят у меня в плеере.
¿Qué es lo más interesante que está sucediendo ahora mismo en la industria musical?
Спрос и возрождение физических носителей. Отдельное спасибо Стерджиллу Симпсону за новый альбом Johnny Blue Skies, который он бесплатно выложил на YouTube без рекламы, а затем удалил после выхода и выпустил только физические копии. То, что Джек Уайт делает с Third Man на протяжении многих лет, тоже невероятно. ПОДДЕРЖИВАЙТЕ ВАШ МЕСТНЫЙ МАГАЗИН МУЗЫКИ. Ничто так сильно не изменит вашу жизнь, как найти идеальную пластинку, поехать домой, послушать её и перенестись в место, где ничто не сможет вас коснуться. Кроме того, всё больше артистов борются с Live Nation и Ticket Master. Я думаю, что то, что делает Оливия Дин в этом плане, — это образец для подражания, которому должны следовать все артисты. А ещё она просто делает чертовски хорошую музыку.
¿Cómo prevé que evolucione el mundo de la música en los próximos cinco años?
Нигилизм — это черта характера и вредная привычка, от которой я отчаянно пытаюсь избавиться, поэтому позвольте мне ответить с надеждой… Я думаю, сейчас очень востребована аутентичность, и она будет только усиливаться. Я думаю, что для борьбы с постоянной потребностью постоянно выпускать музыку и поддерживать связь с поклонниками и людьми во всем мире очень здорово, что люди меньше интересуются высококачественной музыкой из студий мирового класса и больше — чем чем-то подлинным, что заставляет их что-то чувствовать. Я думаю, что чаще всего люди распознают ложь за версту. Люди — люди. Они хотят услышать человечность в вашей музыке. Людям постоянно напоминают об их недостатках, неудачах и несовершенствах. Меньше всего мне хочется давать им что-то перепродюсированное и фальшивое, чтобы сделать это идеально. В близости есть утешение. Я думаю, что музыка может свернуть горы в умах и сердцах людей в этом отношении. Я знаю, что музыка сделала это для меня. Я думаю, что в мире, полном фальши, жадности, чрезмерной стимуляции и коррумпированного капитализма, люди отчаянно нуждаются в чем-то настоящем и подлинном, и я с ними согласен.
¿Cómo te ayuda la música durante estos tiempos difíciles?
Побег. Музыка всегда была для меня отдушиной. Реальность жизни и происходящее вокруг нас порой кажутся непосильной ношей. Музыка всегда была инструментом для осмысления окружающего мира. Это никогда не изменится. Слова обладают безграничной силой, а сочетание их с мелодией и ритмом только усиливает их. Я надеюсь, что люди стойки и знают, что всегда можно бороться за то, что считаешь правильным. Музыка — лишь один из инструментов в арсенале человечества для этого.
Фото предоставлено компанией The Hedgehogs.
erizos
Suena como: туманная, лаконичная интерпретация блюзового стиля, созданного Питером Грином во времена его альбома In The Skies , но ближе к Slint.
Entrevista:
Describe tu enfoque musical y cómo explicarías a los demás cómo suena tu trabajo.
Стивен Шёнер: Мы с Джоном — поклонники The Beatles. В ранних стереозаписях The Beatles было интригующее разделение инструментов и вокала. И хотя на альбоме The Hedgehogs/Winter мы не заходим так далеко, нам понравилось распределять звуки по стереополю сбалансированным образом, добавляя акценты, придающие ему кинетическую энергию.
Мы многому научились у Джона Сквайра из Stone Roses и Ноэля Галлахера из Oasis, которые создают прекрасно сбалансированные гитарные партии. Вы словно зависаете в пространстве, которое они для вас определили. Мы все больше работаем над развитием гитар в этом направлении.
Джон Пейтон: Для меня всегда было важно понять, «как делается колбаса». Слушая своих любимых исполнителей, мне было любопытно, как создаются разные звуки. Вначале я пытался копировать их с помощью имеющегося у меня примитивного оборудования.
Мне кажется, всех нас объединяет любовь к хорошей музыке 60-х, 70-х и начала 80-х, и попытка подражать этому духу была именно таким подходом. Дело не в том, что мы прямо копировали.
Стивен: С первым альбомом ты ещё совсем новичок и, возможно, несколько более утилитарен, и иногда, оглядываясь назад, думаешь: «Ну, я мог бы сделать то или это на той гитаре или в каком-нибудь фрагменте». Но я думаю, что сейчас краски проявляются сильнее. Звук становится богаче. В записях меньше шероховатостей. И хотя у нас есть чувство юмора, мы будем его сдерживать и позволим вещам быть более возвышенными.
И на этом дебютном альбоме есть настоящий двойной удар. «Yours For the Asking» — романтичная, солнечная и весенняя песня. И «Lonely», совсем не юмористическая, а призрачная и прекрасная. Эти две последние песни были записаны в числе последних трех, и вы можете услышать их развитие.
¿Cómo se te ocurrió el título para tu actuación?
Стивен: Это из скетча про Спини Нормана из «Монти Пайтон», где один из персонажей думает, что за ним следит гигантский ёжик. Я впитывал «Монти Пайтон» так же, как впитывал много отличного рока в раннем возрасте от своих старших братьев и сестер. Мы все занимались бегом по пересеченной местности в Айронтоне, и у моих братьев была команда, которая называлась «Ежи». Источник тот же. Думаю, я копировал своих старших братьев, когда предложил это название.
¿Qué artistas y álbumes han tenido la mayor influencia en tu dirección creativa?
Стивен: Что касается нашего нового сингла «Lonely», нам очень нравится сочетание гитар Питера Грина, Дэнни Кирвана и Джереми Спенсера из Fleetwood Mac. И Бакингема тоже, за его баланс акустических и электрических фраз на альбоме Rumores , которые то появляются, то исчезают из микса ровно столько, сколько нужно. А в последнее время я много слушаю Йорму Кауконена… его электрогитарный фузз стал очень полезным источником вдохновения для будущей музыки.
Джон: Для меня все начинается с The Beatles, и в частности с того более экспериментального периода после их концертных выступлений. Они для меня — якорь всего остального. Я больше склоняюсь к поп-музыке, но не к «баблгам-хаусу» в целом. После них я бы назвал Pink Floyd. Опять же, их экспериментальность и меланхолия мне близки.
Стивен: Альбом The Dark Side Of the Moon задает феноменально высокую планку в плане звукозаписи, написания песен и исполнения. Но нам также нравятся ранние синглы, и я думаю, именно оттуда берется игривый слайд Джона в «Yours For the Asking». Как и в «Point Me At the Sky».
Джон: Когда я перешёл в старшие классы средней школы, я начал больше ценить музыку новой волны.
Стивен: Стюарт Коупленд отлично владеет юмором. Его игра на барабанах обладает той перкуссионной мягкостью, которую мы использовали в «Yours For the Asking». The Police — отличная группа для создания атмосферы и использования очень небольшого количества инструментов, а также для создания нужной атмосферы. «Synchronicity» — это пример простой игры на клавишных, которая действительно может добавить атмосферы.
Джон познакомил меня с ранним Genesis. У них такое богатое инструментальное сопровождение. И снова юмор, эти гигантские борщевики и всё такое. Позднее творчество Genesis стало уроком музыкальной экономии. Тони Бэнкс мог накладывать несколько простых партий друг на друга, чтобы создать нечто мощное и насыщенное, но при этом с таким… опять же… пространством.
Альбом Led Zeppelin «Presence» заставил меня перестать воспринимать вокал как всегда ведущий инструмент в миксе. Более сбалансированное звучание вокала с инструментами может давать хороший результат.
Мне очень понравилась музыка Dungen. Она может превратиться из чего-то по-настоящему красивого и пасторального в нечто, напоминающее ящик с игрушками, падающий с лестницы. Sigur Ros мне тоже нравятся за свою атмосферу. И Dead Meadow тоже очень атмосферные и жутковатые. Мне они очень нравятся.
¿Qué es lo más interesante que está sucediendo ahora mismo en la industria musical?
Джон: Интересная особенность современной музыки заключается в том, что, на мой взгляд, процесс поиска новых музыкальных произведений стал гораздо менее «централизованным». Раньше радио и музыкальные видеоклипы были главными средствами распространения новой музыки и открытия новых (а в некоторых случаях и старых) звуков. Теперь же социальные сети правят бал, и музыка открывается благодаря 15-секундным фрагментам песен, звучащим в коротких видеороликах Instagram и TikTok. Видео на YouTube могут сделать мегазвездами людей, которые просто создают музыку для собственного удовольствия в своих спальнях. При таком обилии контента порой трудно найти что-то новое, что тебе действительно понравится.
¿Cómo prevé que evolucione el mundo de la música en los próximos cinco años?
Джон: Кажется, границы жанров размываются все больше и больше. Возможно, отчасти это связано с использованием новой музыки создателями контента в социальных сетях. Разные стили и звучания выходят за рамки своих «полос» и становятся доступны различным демографическим группам, и это хорошо.
Ещё одна вещь, которую я замечаю, и как человек, который потребляет много контента на YouTube, я вижу всё чаще… Появляется много музыки, сгенерированной искусственным интеллектом, и я не знаю, как к этому относиться. Целые каналы посвящены различным стилям музыки, к которым никогда не прикасался человек. Наша музыка может быть немного грубоватой, но, по крайней мере, её создали люди, которые любили этот процесс.
Стивен: Искусственный интеллект вызывает опасения. Но я считаю, что люди просто не будут удовлетворены музыкой, за которой никто не стоит. Что машина может сказать человеку о жизни? Машины и люди — это не сообщество. Я думаю, что людям будет меньше важна отполированная песня от машины, и гораздо больше — мнение других людей.
¿Cómo te ayuda la música durante estos tiempos difíciles?
Стивен: Делая мир прекраснее. Выпуск музыки создает человеческую связь с людьми по всему миру. Вы не только чувствуете эмоциональный всплеск, когда слова и музыка выходят в мир, освобождаясь от них и достигая других ушей, но и связь с окружающими, которые затем поддерживают вас, приносит вам удовлетворение. Вы не лечите рак, но вы посылаете в мир что-то ценное, хорошее и вдохновляющее.
Это мультимедийное приключение… сочетание музыки, искусства, видео и графического дизайна, а дальше — кто знает? Это эстетика… серьезное творческое усилие и способ стать художником и создать что-то великое с ребятами, которые были твоими друзьями задолго до того, как вы начали вместе записывать музыку.
Но это еще и просто ВЕСЕЛО. Мало что может сравниться с великолепным поп-синглом. Я серьезно. Например, «She Bangs the Drums» группы Stone Roses. Создание отличной записи и ее прослушивание — это просто кайф. Создание невидимых миров, измеряемых не милями, а минутами. И ваши люди, и люди по всему миру, могут жить в этом мире, который вы для них создали, вместе с вами.
Джон: Музыка успокаивает дикого зверя. Она способна дарить людям абсолютную радость, а миру сейчас этого очень не хватает.
Фото предоставлено компанией HAUSPOINTS.
PUNTOS DE LA CASA
Похоже на: Космические дети Марка Э. Смита из Чорли, Англия, стремятся превзойти «Виагра-бойз» в их собственной игре.
Entrevista:
Describe tu enfoque musical y cómo explicarías a los demás cómo suena tu trabajo.
Музыка — непредсказуемое явление, и к ней следует подходить с предельной осторожностью. Даже у тех, кто употребляет её нечасто, наблюдаются сильные маниакальные состояния и расстройства, а для тех, кто употребляет её длительное время, последствия могут быть смертельными или даже хуже.
¿Cómo se te ocurrió el título para tu actuación?
Используйте bandnamegenerator.com
¿Qué artistas y álbumes han tenido la mayor influencia en tu dirección creativa?
У меня есть запись о переходе на десятичную систему британской валюты, которая была роздана владельцам магазинов в начале 70-х годов, чтобы все вышедшие из обращения шиллинги бросали либо в пролетающую чайку, либо в ведро с сырым яйцом — в зависимости от того, что окажется под рукой.
¿Qué es lo más interesante que está sucediendo ahora mismo en la industria musical?
Не знаю, у Coldplay вышел новый альбом?
¿Cómo prevé que evolucione el mundo de la música en los próximos cinco años?
Как и в большинстве отраслей, прибыль, как правило, забирается из рук тех, кто непосредственно работает и создает музыку, и достается миллиардерам-предпринимателям и акционерам. Так что, вероятно, этого будет больше.
¿Cómo te ayuda la música durante estos tiempos difíciles?
Это, безусловно, не помогает так сильно, как могли бы помочь огромные деньги.
Фото предоставлено компанией Crucifera.
Verduras crucíferas
Suena como: более мрачная, глитчевая, готическая версия Garbage, хотя звучание более насыщенное и экспериментальное, чем у работ Бутча Вига за пультом.
Entrevista:
Describe tu enfoque musical y cómo explicarías a los demás cómo suena tu trabajo.
Думаю, я бы описал своё звучание как готический индастриал-поп-рок — «хрустящая, эфирная, индустриальная музыка для пауков». Индустриальная «уродливость», смешанная с эфирной, «красивой» атмосферой и сложными мелодиями. Однако структура песен более запоминающаяся и цельная, чем это типично для этих жанров.
Каждая песня очень отличается от других, но мой альбом «Exostential» — это цельное путешествие. Это пронзительное столкновение органической уязвимости и тяжелой механической брони — звукового «экзоскелета», защищающего внутреннее «я». Выросший в бедности, я сначала построил карьеру в сфере брендинга, маркетинга и дизайна для обеспечения стабильности, что теперь помогает формировать каждый визуальный и текстовый аспект моего музыкального проекта. Этот опыт определяет мой творческий процесс. Я всегда писал музыку на акустических инструментах, используя ручку и бумагу, редко прибегая к DAW или студийному оборудованию, за исключением коротких периодов, когда к ним обращались друзья. Начало работы над продюсированием позже подтолкнуло меня к быстрому развитию этих технических навыков.
Я начинаю каждый трек с фортепиано или акустической гитары, прежде чем переходить к компьютеру. Моя цель — смешать акустический соул старой школы с цифровой оболочкой. После того, как я сформировал мелодии, аккорды и текст, я перехожу к продюсированию — записываю структуру, добавляю синтезаторы и сэмплы, экспериментирую с текстурами и ритмами. Я избегаю стандартных ударных установок, вместо этого накладывая обработанные сэмплы, чтобы сохранить органичность звучания, даже когда песня становится более электронной.
Я использую музыку как средство психологической инженерии, применяя сложное планирование для создания физического опыта. Я намеренно создаю клаустрофобные моменты, прежде чем они разворачиваются в бескрайние, призрачные пространства, вызывая психологические реакции на меняющееся пространство. Этот подход особенно ярко проявляется в таких треках, как «Pity» и «Labyrinth of Fools».
¿Cómo se te ocurrió el título para tu actuación?
Название Crucifera относится к пауку-кругопряду Neoscona Crucifera . Я всегда любила насекомых. В детстве я их коллекционировала и до сих пор, будучи взрослой, не могу убить ни одного. За эти годы у меня было три домашних тарантула, чучело первого из которых я даже сделала своими руками после его смерти. В 2021 году, после переезда в свой дом, я подружилась с прекрасным пауком-кругопрядом на своей веранде, который отпугивал комаров.
Из любопытства я поискал информацию о её таксономии и сразу же обратил внимание на латинское название. «Crucifera» переводится как «носитель креста», что отсылает к характерному отметину на спине паука. Я одержим религиозной историей и метафорами – которые я использую в своих текстах, хотя и считаю себя гностиком и духовным человеком, а не приверженцем традиционной религии. Вес этого символа глубоко отзывается во мне.
Для меня пауки похожи на миниатюрных сухопутных осьминогов. Они действуют исключительно инстинктивно, желая лишь существовать и чтобы их оставили в покое. Паук ощущает мир через вибрации своей паутины и земли, а не так, как человек. Это служит прекрасной метафорой того, как я воспринимаю реальность. Эта связь также вдохновила меня на название моего дебютного альбома — Exostential. Оно воплощает философию экзоскелета: биологическую необходимость создания твердой внешней оболочки для защиты уязвимого живого ядра. Я — хронический экзистенциалист. Моя музыка — о преодолении тяжелого хаоса прошлых травм, горя и насилия, и о вплетении этих жестоких частот в паутину, выложенную серебром. Она о создании промышленной брони, чтобы защитить эту божественную внутреннюю искру от мира, который может быть невероятно холодным.
¿Qué artistas y álbumes han tenido la mayor influencia en tu dirección creativa?
Хотя в этом проекте я поступил совершенно иначе (случайно) и не следовал какому-либо конкретному плану, я признаю, что некоторые артисты, тем не менее, повлияли на мое звучание и творческое направление. Как слушатель, я всегда тяготел к готической и индустриальной стороне музыки. В моей музыке присутствуют элементы, напоминающие агрессивный индустриальный и электронный хард-рок Skinny Puppy, Nine Inch Nails, Wumpscut, Marilyn Manson и PIG. Я также восхищаюсь основополагающим гот-роком и дарквейвом, созданными Bauhaus, Sisters of Mercy, Christian Death и Switchblade Symphony, а также мрачным синт-попом And One. Кроме того, метал-группы, такие как Pantera, способствуют моему пониманию интенсивности, а Ecstatic Fear вдохновляет меня на создание симфонической атмосферы в моей работе. Эти разнообразные влияния формируют мой подход, пусть даже и непреднамеренно, создавая богатый фон для самобытности моей музыки.
Теперь о популярных исполнителях, которых я люблю и которые, возможно, многим знакомы: с трёх лет я была одержима музыкой 80-х, а затем альтернативной музыкой 90-х. Я всегда была поклонницей The Cure, Depeche Mode и Prince, а также Bush (особенно Razorblade Suitcase), Hole и Nirvana. Меня определённо вдохновляли такие женщины, как Мадонна, Синди Лопер, Стиви Никс и Долорес О’Риордан из The Cranberries.
В наши дни не так много артистов, которые действительно меня трогают, но я безмерно ценю тех, кто это делает; невероятных женщин, таких как Холзи, Бишоп Бриггс и Леди Гага, и я обожаю Bright Eyes. Я уважаю этих творцов, потому что они сами определяют направление своего творчества, пишут свою музыку и являются инструменталистами, которые управляют своими собственными визуальными и звуковыми вселенными. Именно так я работаю как сольный продюсер, управляя каждой частотой и каждым пикселем передачи. По голосу и глазам артиста можно понять, когда он действительно что-то чувствует. Эта прекрасная боль становится редкостью и приносится в жертву техническому мастерству или имиджу. Я глубоко восхищаюсь тем, как они смело отстаивают своё творческое направление, пишут свою правду и формируют целые миры из своих видений. Вдохновлённый их преданностью, я вкладываю ту же интенсивность в свою жизнь как сольный продюсер, с убеждённостью управляя каждым аспектом своего проекта.
¿Qué es lo más interesante que está sucediendo ahora mismo en la industria musical?
Самое захватывающее сейчас — это творческое возрождение мрачной музыки, которая бескомпромиссно человечна и необработана. Я заметил, что тут и там появляются вещи с готической и индустриальной ДНК. Раньше я бы никогда не услышал эти звуки в мейнстриме. Некоторые старые готы, возможно, захотят это ограничить, но я это приветствую. Этот мир — для будущего, и мы должны стремиться создать наилучшую возможную среду во всех отношениях, включая художественное и творческое, чтобы будущие поколения имели к нему легкий доступ. Мы наблюдаем сдвиг в сторону нефильтрованной, интуитивной музыки. Это идеальный противовес страху, что ИИ «очищен» индустрию. Смешивая цифровую архитектуру со своими акустическими корнями, я пытаюсь вернуть в музыку более приземленный, человечный подход. Надеюсь, многие последуют моему примеру. Это доказывает, что, хотя инструменты меняются, ядро песни должно оставаться чистым, неискаженным человеческим посланием.
¿Cómo prevé que evolucione el mundo de la música en los próximos cinco años?
Я вижу, что следующие пять лет будут определяться глобальным движением к междисциплинарной независимости. Подлинность станет главной ценностью. По мере распространения ИИ ценность отдельного художника, способного на всё — от первой рукописной ноты на пианино до финальной мастер-записи — будет расти. Из своей домашней студии в Нью-Джерси я надеюсь вдохновить начинающих музыкантов. Я хочу показать, что для создания по-настоящему захватывающего, мирового класса опыта не нужен крупный лейбл или огромный бюджет.
Я считаю, что мы движемся к «органическо-цифровому гибриду», где технологии усиливают человеческий дух, а не заменяют его. Мой план на ближайшие несколько лет отражает этот сдвиг. В конце этого года у меня запланирован релиз EP, и в работе находятся песни, которых хватит почти на два альбома. Я также сосредоточен на расширении своего присутствия на сцене за счет сотрудничества с другими независимыми готическими и индастриал-исполнителями. Это включает в себя все: от написания песен и гостевого вокала до живых выступлений и ремиксов. В конечном итоге, я вижу, что индустрия движется к «великой децентрализации». Творческий суверенитет будет единственным способом сохранить чистую, неискаженную связь с аудиторией.
¿Cómo te ayuda la música durante estos tiempos difíciles?
Для меня музыка — это терапия, выживание и восхождение. Я потратила 26 лет на построение своей дизайнерской карьеры, чтобы просто выжить. Наконец-то рискнуть и поделиться этой уязвимой стороной своей личности значит для меня всё. В мире, который кажется всё более тяжёлым — где нас бомбардируют шумом войны, системным негативом и общим отсутствием эмпатии — музыка является для меня способом всё это переработать. Это средство, которое я использую, чтобы превратить горе, потерю и изоляцию отчуждённости во что-то ценное.
Я очень хорошо помню, как тяжело было бороться в юности, не только за физическое выживание, но и чувствуя себя совершенно потерянной в море людей, которые, казалось, интересовались лишь поверхностной стороной жизни. Это может быть очень одинокое состояние, когда ты глубоко чувствуешь боль мира и одновременно находишь красоту в каждой мелочи. Я надеюсь, что моя музыка найдет отклик у тех, кто сейчас переживает ту же самую тьму. Особенно я думаю о молодых женщинах, потому что во многих текстах их кумиров, кажется, лишь поверхностно затрагиваются темы отношений, секса или любви. Я хочу показать им, что существуют более глубокие и сложные способы осмысления своей реальности и обретения своего голоса. Мое искусство — это моя броня, способ оставаться на земле, когда кажется, что мир теряет свою человечность, и я надеюсь, что оно поможет другим обрести силу, чтобы создать свою собственную.
Фото предоставлено Чаваром Донте.
Chavar Dontey
Suena como: космополитичный инди-соул из самого сердца Эхо-Парка в духе Nourished by Time и Twin Shadow.
Entrevista:
Describe tu enfoque musical y cómo explicarías a los demás cómo suena tu trabajo.
Мой подход к музыке заключается в том, чтобы быть самим собой — честным, уязвимым и просто пытаться запечатлеть то, что я слышу. Я воспринимаю музыку как множество слоев и то, как они могут сочетаться, чтобы рассказать историю. В моем представлении каждая песня — это фильм. В большинстве случаев я сам играю на всех инструментах, но иногда привлекаю к сотрудничеству авторов для написанных мной партий. Так было всегда. В начале моей карьеры несколько моих коллег по группе из колледжа играли на том, что я называю «потерянным альбомом» (я потерял жесткие диски), и у меня есть планы когда-нибудь снова сделать что-то подобное.
Мне также посчастливилось поработать с замечательными людьми над постпродакшеном. Все свои песни я закончил со своим хорошим другом Диланом в студии Portia Street Studio в Эхо-Парке. Дилан Эли занимается сведением, и мы оба записываем музыку – часть там, а часть в моей собственной студии. Стив «Б» Баугман делает весь мастеринг и завершающие штрихи. Я также работаю с Сеффаном Хейлом «TrippieSteff» над оформлением и анимацией – у нас довольно хорошо налаженная система.
Я описываю свою музыку как многожанровое, развивающееся кинематографическое путешествие – многомерный саундтрек к историям и эмоциям, стоящим за каждой песней. В плане жанров на меня повлияло так много музыки, что я легко переключаюсь между джазом и классикой, а также между нью-вейвом, индастриалом, электроникой, роком и соулом.
Песня “I’ve Got My Mind Made Up” звучит как альтернативный поп/альтернативный R&B/атмосферный электро-поп. Честно говоря, мне всегда было сложно определить жанр своей музыки, потому что в ней так много нюансов, которые делают её уникальной. Для контекста, я мог бы представить себя в туре с Dijon, Blood Orange, Mk.gee и Clairo. Было бы также здорово выступить на одной сцене с Thievery Corporation и Nourished By Time.
Я уже дважды бывал за кулисами с Thievery Corporation — их тур-менеджер Джеффри Траватан мой хороший друг и потрясающий тур-менеджер. В гастрольном автобусе у нас с их басистом Дэном Африкано состоялся приятный разговор о механических часах. Именно такие моменты настоящего общения вдохновляют меня и делают идею совместных гастролей особенно значимой.
¿Cómo se te ocurrió el título para tu actuación?
Чавар Донтей — это моё имя и отчество, так меня называли в семье всю жизнь. По легенде, меня так назвала тётя, хотя я не совсем уверена, правда ли это.
Какие исполнители и альбомы оказали наибольшее влияние на мое творческое направление?
В юности на меня сильно повлияли «Lluvia púrpura» и «Suspenso» . La cinematografía de esos lanzamientos de Prince y Michael Jackson era simplemente alucinante. Kraftwerk, Duran Duran, Wham!, Culture Club, Thomas Dolby, Zapp and Roger, Run DMC, LL Cool J, The Beastie Boys, The Jackson 5, Al Green y Marvin Gaye. Aprendí mucho de esto de mis familiares. Cuando empecé a tocar la guitarra, descubrí a Jimi Hendrix, Sly and the Family Stone, Nirvana, Rage Against the Machine, Radiohead, Tribe Called Quest, 2Pac, Biggie, Wes Montgomery, Pat Metheny, Jim Hall, Bill Frisell, Maurice Ravel y muchísimos otros.
¿Qué es lo más interesante que está sucediendo ahora mismo en la industria musical?
Creo que la gente anhela autenticidad en la música, y como alguien que siempre ha seguido su propio camino, me entusiasma mucho. Es genial ver que la gente quiere comprar vinilos, CDs y otros formatos físicos de los artistas, además de asistir a conciertos para conectar más profundamente con la música y las bandas. También me parece increíble cómo los artistas independientes están encontrando maneras de llegar directamente a los fans, como el rápido crecimiento algorítmico y las veces que se guarda la canción con este nuevo sencillo.
¿Cómo prevé que evolucione el mundo de la música en los próximos cinco años?
Cada vez veo más bandas y aficionados a la música buscando espacios alternativos y acceso directo a sus fans. Esto no significa que las rutas tradicionales vayan a desaparecer, sino que los métodos no convencionales facilitarán las giras de las bandas y les permitirán ganarse la vida. Las cosas están cambiando rápidamente, pero creo que los artistas y las bandas que tocan en directo tendrán una gran oportunidad de alcanzar el éxito a largo plazo mediante una conexión genuina con su público.
¿Cómo te ayuda la música durante estos tiempos difíciles?
La música siempre ha sido una parte fundamental de mi vida, hasta lo más profundo de mi ser. Me da un sentido de propósito y paz. Terminar canciones puede ser un poco arduo, pero la satisfacción es enorme. No puedo imaginar mi vida sin ella. Recibir mensajes sobre cómo la música que creo ayuda a otros hace que todo valga la pena. Es increíble ver fotos de gente escribiendo mis letras en sus pantalones vaqueros. Para mí es muy importante que estas canciones lleguen a la mayor cantidad de gente posible. Siento que muchas personas necesitaban estas canciones para sobrellevar sus problemas, igual que yo, y aún las necesito.
Fotografía cortesía de Moondrive.
Moondrive
Suena como: Una sinfonía de sintetizador lo-fi superpuesta a un pop electrónico que evoluciona lentamente y que se siente como una transmisión perdida, perdida en la atmósfera.
Entrevista:
Describe tu enfoque musical y cómo explicarías a los demás cómo suena tu trabajo.
Me fascinan los contrastes. La elegancia se encuentra con los secretos inconfesables: todo se hace visible si se mira con atención. Creo que es una gran analogía para un ser vivo, la vida cotidiana, la vida misma, la sociedad en su conjunto. Francamente, no me gusta describir mi propia obra de arte. Siempre he creído que si es necesario, o bien la obra es débil o te diriges al público equivocado. Y si una obra supera ambas pruebas, entonces quizás surge la pregunta: ¿cómo puedo responder a eso? Sería terrible.
¿Cómo se te ocurrió el título para tu álbum?
Respecto al título del álbum Todo lo que se ha ido Esencialmente, es una colección de perspectivas, personas, impresiones, pensamientos, observaciones y reflexiones sobre todo. Y la mayoría ya no están, no necesariamente en el pasado, simplemente ya no están. Me gusta bromear diciendo que es todo lo contrario a un álbum conceptual. No hay otro concepto que el nacimiento, la muerte y lo que hay entre medias, antes y después. O quizás ese sea el concepto, ya que aparentemente lo abarca todo. Una buena excusa, ¿no?
¿Qué artistas y álbumes han tenido la mayor influencia en tu dirección creativa?
Escucho de todo, pero cuando empecé a componer este álbum en serio, tenía una idea clara: música clásica contemporánea, orquestaciones, cantantes pop, vanguardia electrónica, música experimental. Esta combinación me pareció el lenguaje adecuado para expresar lo que quería decir. Por primera vez, no buscaba inspiración en discos específicos; simplemente la encontré a lo largo de mi vida, a través de miles de álbumes. Solo tenía que seguir las indicaciones. Fue extraño. Creo que tuve suerte: volví a disfrutar escuchando música porque no sentía la necesidad de tomar prestado de nadie.
¿Qué es lo más interesante que está sucediendo ahora mismo en la industria musical?
Sinceramente, últimamente no he escuchado mucha música nueva. Por lo que veo, gran parte parece monótona: las mismas texturas, las mismas estructuras, el mismo ambiente. Pero creo que lo más interesante es que aún existen artistas que se niegan a competir, trabajando en la periferia, y son más interesantes que nunca precisamente porque no luchan por un lugar en el centro. El verdadero trabajo se realiza entre bastidores.
¿Cómo prevé que evolucione el mundo de la música en los próximos cinco años?
Inteligencia artificial. Esa es la respuesta corta. Hacer música será tan fácil que cualquiera podrá hacerlo; ya es posible, y solo se volverá más fácil. Así que creo que dos cosas serán importantes: la capacidad de interpretar música en vivo, porque la gente seguirá buscando una conexión empática con una persona real en el escenario, o con un héroe con el que puedan soñar y compartir. Nos dirigimos hacia un mundo donde la habilidad más importante será la dirección artística: saber qué crear, tener el gusto para darle forma y tener el valor de mostrar tu rostro en la obra y decir: "Esto es lo que quiero decir". La máquina hará el resto. La pregunta es si eso será liberación o capitulación. Todavía no lo sé.
¿Cómo te ayuda la música durante estos tiempos difíciles?
Eso espero.
Fotografía cortesía de Pryti.
Preeti
Suena así: Una cautivadora fusión de metal alternativo al estilo de Deftones y pop inspirado en Halsey, que da como resultado un proyecto crossover único.
Entrevista:
Describe tu enfoque musical y cómo explicarías a los demás cómo suena tu trabajo.
Compongo música para quienes no encajan en ningún molde, y esa siempre ha sido la esencia de mi música. No intento ser alguien que no soy, simplemente me centro en lo que surge de mí. No me importan las últimas tendencias; un acorde de guitarra está en una canción cuando la compuse porque me conmovió. Está hecho para emocionarme. Mi sonido es melancólico, cinematográfico, oscuro, pero a la vez esperanzador. Mi música combina elementos de rock alternativo, emo y metal con influencias electrónicas. También incorpora elementos de metalcore y post-hardcore.
¿Cómo se te ocurrió el título para tu actuación?
Fue una decisión muy sencilla, mi nombre es Priti.
¿Qué artistas y álbumes han tenido la mayor influencia en tu dirección creativa?
Linkin Park me introdujo al metal cuando estaba en la escuela secundaria. Álbum Hybrid Theory salió cuando era adolescente y lo cambió todo para mí. Me encanta la música pop, pero nunca sentí que me atrapara, pero esta sí lo hizo. Deftones también tuvo una gran influencia en la dirección creativa de mi música. La melancolía del álbum A tientas en busca del éxtasis Sarah McLachlan me conmovió. Finch – Qué es quemar , Staind – 14 tonos de gris . También escucho mucho metalcore. El primer álbum fue Bury Tomorrow, Retratos, Fue producido por mi productor Justin Hill. Estaba obsesionado con ese álbum y tenía muchas ganas de trabajar con él, y ha producido toda mi música desde que empecé a componer. El álbum homónimo de Saosin siempre ha sido uno de mis favoritos; es conmovedor y memorable. John Mayer ha sido una gran influencia para mí en cuanto a composición; la calidad de sus letras es asombrosa, y aunque es muy diferente a lo que hago, siempre quiero mejorar como compositor.
¿Qué es lo más interesante que está sucediendo ahora mismo en la industria musical?
Estoy muy entusiasmado con el resurgimiento actual del rock y el metal. Siempre ha estado presente, pero como todo lo demás, la industria se rige por las tendencias, y nosotros mismos marcamos las nuestras.
¿Cómo prevé que evolucione el mundo de la música en los próximos cinco años?
Creo que el talento volverá a ser el factor determinante. Creo que habrá aún más resistencia contra la inteligencia artificial y las empresas que ganan dinero publicando canciones generadas por IA en plataformas digitales. Creo que la industria musical tendrá que adaptarse constantemente al contexto global actual, porque con el aumento de los precios de la energía, ¿serán viables las giras a gran escala de los artistas más importantes en caso de una escasez prolongada?
¿Cómo te ayuda la música durante estos tiempos difíciles?
Me encanta la música, tanto que tengo grupos y artistas que me animan y me ayudan a sobrellevar situaciones difíciles. El álbum "An Ending in Itself" de Sleeping with Sirens llegó justo cuando lo necesitaba; es increíble cuando ocurren estas coincidencias. También me encanta escuchar bhajans y mantras (o, como yo los llamo, mantras). He descubierto que me ayudan a mantener la calma.
Foto cortesía de Thirsty Curses.
Sediento de una maldición
Parece que algo intermedio Tratamiento térmico por Graham Parker y El rumor y Anodino Desde Uncle Tupelo, la cuna de la radio universitaria, Raleigh, Carolina del Norte.
Entrevista (el vocalista Wilson Getchell responde):
Describe tu enfoque musical y cómo explicarías a los demás cómo suena tu trabajo.
La música de Thirsty Curses abarca una amplia gama de géneros, pero generalmente se enmarca dentro del amplio género del rock 'n' roll.
El periodista musical Jeff Yerger escribió una vez algo parecido a: "Thirsty Curses tiene un sonido crudo, inspirado en el indie rock de los 80, como si The Replacements tuvieran más piano". Siempre me ha gustado esa descripción.
Thirsty Curses tiene un sonido crudo y rockero que fusiona punk, power pop, alt-country, grunge y rock progresivo. Gran parte de su material tiene claras influencias punk. Además de The Replacements, también hemos escuchado recopilaciones de The Dresden Dolls, Elvis Costello, Marshall Crenshaw, The Old 97s, The Hold Steady, Jeff Rosenstock, Ramshackle Glory y Queen.
La gente también suele decir que mi voz se parece a la de Adam Duritz. (También nos han comparado con Tom Petty en un par de ocasiones, pero siempre sospeché que era solo por mi pelo rubio).
Crecí escuchando mucha música de los años 60 y 70, lo cual influyó enormemente en mi forma de componer. Si bien jamás nos compararía con The Beatles o The Beach Boys, esas dos bandas tuvieron una gran influencia en mi escritura y en el sonido de Thirsty Curses.
¿Cómo se te ocurrió el título para tu actuación?
Llevo años bromeando con eso. «"Sediento de maldición"» — es básicamente una forma ingeniosa de decir «"alcoholismo"» . Pero eso no es todo.
Nombre Maldiciones sedientas Refleja cómo el deseo, el apetito, la ansiedad, etc., nos arrastran hacia lo que creemos necesitar, pero que a menudo también contienen las semillas de nuestra propia destrucción. Maldiciones sedientas — Esto hace referencia a esos patrones de comportamiento que nos persiguen a lo largo de nuestras vidas y a los que solo nos resistimos en vano (o que aceptamos abiertamente).
El título Thirsty Curses encaja a la perfección con este proyecto, reflejando la filosofía que subyace en el material. Muchas de las canciones de Thirsty Curses combinan alegría y desesperación, a menudo con un trasfondo de crisis existenciales que recorre gran parte de la música. Pero también hay una considerable indiferencia hacia las dificultades, acompañada de un optimismo irónico y humor.
Si bien es cierto que muchas de las canciones tienen un toque de fatalismo pesimista (o realismo, según a quién se le pregunte), también hay un buen sentido del humor y una diversión desenfrenada.
¿Qué artistas y álbumes han tenido la mayor influencia en tu dirección creativa?
El punk rock también ha influido mucho en mi forma de componer a lo largo de los años. Cuando empecé en la música, escuchaba principalmente bandas de punk. En el instituto, me gustaban mucho Operation Ivy, Less Than Jake, Crass, The Dead Kennedys, Against All Authority, etc. Pero para mí, están The Beatles, Brian Wilson y luego todos los demás.
Durante los últimos dos años he estado obsesionado con Brian Wilson y los Beach Boys desde el álbum Pet Sounds. Siempre he sido fan de los Beach Boys, pero hasta hace poco no había escuchado nada más que Sonidos de mascotas . Álbumes Amigos , Te amo , Adulto/Niño и Sonrisa Las canciones de Brian Wilson se han convertido en mis favoritas y probablemente han tenido una influencia significativa en mis composiciones recientes.
Pero a lo largo de los años, algunas de mis bandas e influencias favoritas incluyen Modest Mouse, Deer Tick, The Replacements, The Silver Jews, Dresden Dolls, Ramshackle Glory, Wilco, The Old 97s, Guided by Voices, Bomb the Music Industry, Ween, Jonathan Richman, Sonic Youth, Velvet Underground, etc.
Mi álbum del año 2024 fue El pasado sigue vivo. grupo ¡Hurra por la chusma! (el segundo puesto lo ocupaba Fuegos artificiales Manning (de MJ Lenderman) (¡Yo también soy de Carolina del Norte!).
Mi álbum de 2026 fue Lily Allen, chica del West End. Hace poco descubrí por casualidad una banda indie/punk poco conocida pero genial llamada Ugly Cowboys. Son increíbles. Escucha su canción "Nancy".
¿Qué es lo más interesante que está sucediendo ahora mismo en la industria musical?
El resurgimiento de los formatos físicos (vinilos, casetes y CDs) es un fenómeno muy interesante. Me sorprendió ver a los estudiantes comprando tantos CDs últimamente. Desde luego, no me esperaba tal cosa. Claro que este aumento en la compra de música en formato físico parece limitarse principalmente a los melómanos, pero no deja de ser una buena noticia.
En los últimos años, he notado que una parte importante del público también anhela música auténtica y reflexiva. Quizás esto sea, en parte, una reacción a la música de baja calidad creada por la IA. Sin embargo, esto es solo una suposición, sin ningún dato que lo respalde.
Pero algunas historias individuales, dispersas por ahí, inspiran optimismo. Por ejemplo, ya me fascinaba la obra de Brian Wilson cuando falleció el año pasado. Pero me sorprendió la avalancha de condolencias, agradecimientos, etc., de personas de todos los ámbitos, desde la vida real hasta TikTok.
Si conseguimos que los jóvenes vuelvan a frecuentar los bares de rock 'n' roll y a beber más, entonces sí que estaremos en vías de recuperarnos.
¿Cómo prevé que evolucione el mundo de la música en los próximos cinco años?
Francamente, no tengo ni idea, pero está claro que el mundo de la música y la "industria musical" (¿cártel musical?) se enfrentan a muchos problemas y desafíos en un futuro próximo, y el más obvio y urgente de ellos es el desarrollo de la inteligencia artificial.
Me gustaría pensar que la mayoría de la gente no querría escuchar música tan insípida y sin alma, pero, por otro lado, he notado que en los últimos años mucha música comercial creada por humanos se ha vuelto bastante insípida y vacía. A la mayoría de los consumidores de música ya no les importa si sus artistas favoritos componen sus propias canciones o tocan sus propios instrumentos. En esencia, les da igual. Así que no soy demasiado optimista respecto a que el público rechace la música generada por máquinas. Al mismo tiempo, he percibido cierta resistencia, como mencioné antes, pero no estoy seguro de que refleje una tendencia general. Quizás sea simplemente un fenómeno contracultural. Ya veremos.
Sé que siempre habrá músicos esforzándose por crear y un público ávido de música reflexiva, inspiradora y auténtica. Simplemente desconozco qué porcentaje del mundo musical será absorbido por la IA, etc. Sé que no será todo el mundo musical, y que podría ser muy poco. También sé que, en cualquier caso, poco puedo hacer al respecto, salvo seguir haciendo lo que hago. Así que seguiré creando música y esperando lo mejor (y aprovechando cualquier oportunidad para burlarme de la música generada por IA).
Hay una frase en nuestro nuevo sencillo, "Starting to Remember How Much I Forgot", que resulta muy apropiada: "Tendremos que esperar a ver cómo termina todo. Tendremos que esperar a ver dónde acabamos cuando aterricemos".
¿Cómo te ayuda la música durante estos tiempos difíciles?
Para mí, componer canciones siempre ha sido terapéutico y una forma de procesar problemas de mi vida personal y del mundo que me rodea. En los últimos años, he notado que cada vez más de mis canciones se centran en esto último. Desde hace tiempo siento que la sociedad se está desmoronando.
Algunos temas de nuestro próximo álbum "Thirsty Curses".’ Frank-N-Stein — estos son esencialmente mis intentos de dar sentido a la incertidumbre y el caos de nuestra era (por ejemplo, «Starting to Remember How Much I Forgot», «Fifths/Minors», «Dramatic Moments»). De nuestro álbum anterior ( «"La música es una estafa" »Las canciones "Bombs Away", "Foot in the Door" y "Reading & Writing" abordan temas similares.
También concibo la música como algo trascendental y atemporal. En este sentido, la música sirve como una especie de ancla o apoyo cuando todo lo demás parece inestable.
La música también me brinda algo útil y positivo en lo que concentrarme. Es un ancla saludable. Cuanto más me concentro en la música y más interactúo con ella, menos propenso soy a comportamientos autodestructivos.
Groover Conecta a artistas independientes con profesionales de la industria musical para impulsar sus carreras. Su objetivo es empoderar a los artistas independientes proporcionándoles una plataforma que los conecte con los mejores curadores, estaciones de radio, medios de comunicación, sellos discográficos y otros profesionales de la industria, garantizándoles acceso y visibilidad.
Más de 700 000 artistas utilizan Groover para conectar con más de 3000 profesionales de todo el mundo. Gracias a Groover, los artistas han recibido más de 7 millones de reseñas, más de 1 millón de comparticiones (por ejemplo, en listas de reproducción y reseñas) y ¡más de 1500 contratos discográficos!
Para ver nuestra lista, actualizada constantemente, de las 100 mejores estrellas del rock de todos los tiempos, haga clic aquí.