Jetzt anhören: Juni 2026

Now Hear This ist eine monatliche Reihe für Talentscouts, in der wir Ihnen aufregende neue Musiktrends vorstellen, die wir über unsere innovative Musikentdeckungsplattform Groover entdeckt haben.

Jeden Monat erwartet Sie eine vielfältige Auswahl an Liedern von unterschiedlichsten Künstlern aus aller Welt, unabhängig von Genre oder Herkunft.

Mehr von Spin:

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Im Juni wählte SPIN 16 Künstler aus, die Ihre Aufmerksamkeit verdienen, darunter den düsteren Gothic-Country von Orange Animal, den eingängigen Indie-Pop von Queen Anne, die gefühlvolle Klaviermusik von Sherif Dahroug, den modernen Akustik-Blues von Paul Louis Villani, den neonfarbenen Psychedelic-Pop von South of France, den mitreißenden Alternative-Rock von JRNXLST, den punkigen New Jack Swing von Gabagool, den bewussten, Yoga-inspirierten Hip-Hop von Flowanda, den Dylan-esken Country von Carson Bull, den verträumten Indie-Blues-Punk von The Hedgehogs, den frechen Chorley-Post-Punk von Hauspoints, den Gothic-Industrial-Pop von Crucifera, den kosmopolitischen Indie-Soul von Chavar Dontae, die Lo-Fi-Synthie-Musik von Moondrive, den düsteren Metallic-Pop von Pryti und den energiegeladenen Alternative-Country von Thirsty. Curses.

Wer weiß, vielleicht ist Ihr nächstes Lieblingsstück nur wenige Schritte entfernt.

Foto mit freundlicher Genehmigung von Orange Animal.

Orangefarbenes Tier

Klingt wie: eine düstere, gotische Country-Ballade im Stil von Nick Cave and the Bad Seeds Die Ära des Albums „The Boatman's Call“ .

Interview:

Beschreiben Sie Ihre Herangehensweise an die Musik und wie Sie anderen erklären würden, wie Ihre Arbeit klingt.

Musik beginnt mit einem Klang, einem Gefühl oder einfach einem Satz, der mir nicht mehr aus dem Kopf geht. Unser Song «Hold On», der am 26. Juni zusammen mit der EP erscheint, entstand beispielsweise aus dem Klang einer bestimmten Gitarre (einer Orangewood mit Gummisteg), und der Song war dann einfach da.

Insgesamt würde ich unseren Sound als eine Mischung aus Rock und Motel-Folk beschreiben. Er enthält Blues-/Rock-Elemente mit einer rauen, nächtlichen Note.

Wie sind Sie auf den Titel für Ihre Performance gekommen?

Ich wollte einen Namen, der nichts über das verrät, was einen erwartet. Ich wollte musikalische Freiheit und Freiheit beim Songwriting. Also wählte ich meine Lieblingsfarbe Orange, und, nun ja, das Wort «Tier» machte es einfach noch etwas lebendiger.

Welche Künstler und Alben haben Ihren kreativen Werdegang am meisten beeinflusst?

Leonard Cohen, Miles Davis und Led Zeppelin haben meine Wahrnehmung und mein Verständnis von Musik maßgeblich geprägt. Was unsere kommende EP und ihre erste Single «Place for Me» betrifft, so möchte ich erwähnen, dass auch Bonnie «Prince» Billy und Feist ihren Beitrag geleistet haben.

Was ist das interessanteste, was momentan in der Musikindustrie passiert?

Livemusik ist alles und jedes. Clubs, Bars, Tourneebands, lokale Ensembles – alles ist möglich. Das sind Orte, an denen Musik einfach hingehört. Orte, an denen man sie erleben kann.

Versteht mich nicht falsch, es gibt viele unglaubliche und unendlich wirkungsvolle Elemente in der Musikaufnahme und im Aufnahmeprozess.

Doch erst die Live-Musik erweckt diese energiegeladene, ungezügelte, menschliche Kunst zum Leben.

Wie sehen Sie die Entwicklung der Musikwelt in den nächsten fünf Jahren?

Zunächst gab es eine Vorliebe für KI-generierte Musik. Dann folgte eine rebellische Ablehnung derselben.

Wie hilft Ihnen Musik in diesen schwierigen Zeiten?

Es erlaubt mir, einfach ich selbst zu sein. Es zwingt mich, ehrlich zu mir selbst zu sein. Und es gibt mir das Privileg, mit wirklich großartigen Menschen zusammenzuarbeiten.

Meine Bandkollegen Bill Derivan und Adam Thurman sind unglaublich talentierte Musiker. Sie begleiten mich seit zehn Jahren. Sie sind wie Familie für mich.

Und bei unserer neuesten Single «Place for Me» hatte ich das große Glück, mit der unglaublich talentierten Sängerin Autumn Traub zusammenzuarbeiten, die dem Song Leben eingehaucht hat. Und der Pianist Rob Kovacs hat die Klangtiefe, die ich mir gewünscht hatte, perfekt eingefangen.

Die Musik ist wahrhaftig zu meiner Rettung geworden.

Foto mit freundlicher Genehmigung der Queen Anne's Administration.

Königin Anne

Klingt wie: Scharfer, eingängiger Indie-Pop, der rockt wie The Waitresses und schimmert wie Olivia Rodrigo.

Interview: (Antworten von Katie und Sandy)

Beschreiben Sie Ihre Herangehensweise an die Musik und wie Sie anderen erklären würden, wie Ihre Arbeit klingt.

Ich habe bei Songs die Einstellung: «Dieses Meeting könnte auch eine E-Mail sein.» Wenn ein Song beispielsweise eine Kurzgeschichte sein könnte, schreibe ich eine Kurzgeschichte. Wenn er ein Tagebucheintrag sein könnte, schreibe ich Tagebuch. Aber manche Songs sind einfach dazu bestimmt, Songs zu sein, und ich versuche, solche Songs zu schreiben. Und ich hoffe, das spiegelt sich in unserem Sound wider: Wenn man nur den Text liest oder nur die Instrumentalversion hört, kann das einen in die Irre führen, worum es in dem Song geht, denn ein Song lebt vom Zusammenspiel dieser beiden Elemente. Ein Grund, warum ein Song ein Song sein sollte, ist, dass er viele Ebenen haben kann – in seiner Komposition, seinem Klang, der Bedeutung der Worte. Und anders als bei einem Gedicht, wo man sich mit einer Zeile auseinandersetzen, sie analysieren und dann zur nächsten übergehen kann, zwingt einen ein Song dazu, einen roten Faden aufzugreifen und ihm zu folgen. Für unseren Sound ist es also wichtig, dass wir mehrere Erzählstränge haben – im Schlagzeug, in der Basslinie, in der/den Gitarre(n), in der Regel ergänzt durch einen Synthesizer, und natürlich in der Melodie und den Texten – und jeder von ihnen ist auf seine Weise wichtig für die Erzählung.

Wie sind Sie auf den Titel für Ihre Performance gekommen?

Sowohl «Queen Anne’s Lacemaker» als auch «Queen Anne’s Revenge» standen zur Auswahl. Eine Band nach Pflanzen zu benennen ist schon schwierig genug, und nach einem Boot noch viel schwieriger. Daher erschien «Queen Anne’s Lacemaker» als die passendste Kombination dieser Ideen.

Welche Künstler und Alben haben Ihren kreativen Werdegang am meisten beeinflusst?

In keiner bestimmten Reihenfolge: Leonard Cohen, Joni Mitchell, The Velvet Underground und Nico , Bob Dylan, Entweder/Oder , Nick Drake, Tom Petty, Joy Division, Depeche Mode.

Was ist das interessanteste, was momentan in der Musikindustrie passiert?

Ich bin total begeistert von der Demokratisierung und Globalisierung der Musik. Musik sollte kein kommerzielles Geschäft sein; sie ist ein Weg für Menschen, die am Lagerfeuer sitzen und die Angst vor einem Bären vergessen wollen. Und ich finde es unglaublich, dass wir alle daran teilhaben und hören können, was andere kreieren, und dass man für die Veröffentlichung eines Songs niemanden um Erlaubnis fragen muss. Ich liebe es auch, dass jeder, überall auf der Welt, hören kann, was er will. Ich habe mich zum Beispiel mal auf TikTok in die Welt der malaysischen Alternative-Musik der 90er vertieft, und es war fantastisch.

Wie sehen Sie die Entwicklung der Musikwelt in den nächsten fünf Jahren?

Es gibt viele Bedenken bezüglich KI, aber ich bin sehr skeptisch, was ihre Fähigkeit angeht, Musiker zu ersetzen. Ich glaube nicht, dass die Leute einen «durchschnittlichen» Song hören wollen, der alle Erwartungen erfüllt. Unabhängig vom Genre zeichnet sich ein großartiger Song durch Authentizität, Inspiration und das Gefühl aus, dass da tatsächlich jemand am anderen Ende des Mikrofons spricht – und das kann KI nicht. Deshalb hoffe ich, dass Musik menschlicher, kreativer und experimenteller wird. Denn wer nur da sitzt und denkt: «Wie schreibe ich einen Song, der wie ein Sommerhit klingt?», der kann das mit KI besser.

Wie hilft Ihnen Musik in diesen schwierigen Zeiten?

Manchmal überkommt mich eine fatalistische Denkweise – als gäbe es nur einen Weg nach vorn, und trotz der vielen Warnzeichen bliebe der Menschheit nichts anderes übrig, als weiterzugehen. Musik hören, und besonders das Entdecken neuer Stücke, hilft mir, die vielen kreativen Möglichkeiten zu erkennen, zu denen wir Menschen fähig sind. Wir sind von Natur aus kreative Wesen, und ich glaube, der Drang zu erschaffen und Schönheit zu schätzen, wird uns auch dazu anspornen, die vielen Missstände in der Welt zu beheben. 

Foto mit freundlicher Genehmigung von Sherif Dahrug.

Sheriff Dahrug

Klingt wie: Ausdrucksstarke Klaviermusik, inspiriert von Blumen und Düften, schimmernd in modaler Polytonalität, die Herrn Dahroug half, die Platinmedaille der renommierten Pariser Gesellschaft für Kunst, Wissenschaft und Literatur (Société Académique Arts-Sciences-Lettres) zu erhalten.

Interview:

Beschreiben Sie Ihre Herangehensweise an die Musik und wie Sie anderen erklären würden, wie Ihre Arbeit klingt.

Die Jahre, die ich in Paris lebte und studierte, prägten meine musikalische Sprache tiefgreifend. Eingetaucht in die europäische klassische Tradition, von der Polyphonie der Renaissance bis zur Ästhetik nach Schönberg, verinnerlichte ich diese Welten nach und nach, bis sie untrennbar mit meiner eigenen Wahrnehmung und Komposition verbunden waren. Das Ergebnis war ein fließendes Zusammenspiel, das ein Gefüge lebendiger Strukturen formte, die sich frei umeinander bewegten.

Mit der Zeit verspürte ich das Bedürfnis, all das, was ich künstlerisch und kulturell aufgenommen hatte, auszudrücken. Meine Arbeit entwickelte sich auf diesem Weg ganz natürlich, geprägt sowohl von den Traditionen, die ich in Paris übernommen hatte, als auch von meiner eigenen Herkunft und meiner inneren Welt. Ich sehe sie weniger als Verschmelzung, sondern vielmehr als organische Erweiterung der französischen Musikerfahrung durch das Prisma meiner Herkunft und meiner musikalischen Expertise.

Die meisten meiner Projekte beginnen mit philosophischer oder symbolischer Intuition, bevor ich mich der musikalischen Struktur zuwende. Ich bemühe mich, diese Ideen durch zurückhaltende poetische Farbgebung, logische Strukturklarheit, harmonische Erkundung und das Spannungsverhältnis zwischen Fragmentierung und melodischer Intensität entfalten zu lassen. Für mich existiert Musik in einem ständigen Dialog zwischen Intuition und kompositorischer Disziplin.

Jedes Album ist ein weiterer Schritt hin zu einer Architektur und Syntax, in der diese Elemente zu einem einheitlichen emotionalen Raum verschmelzen. Im Zentrum meiner Arbeit steht der Wunsch, etwas Leuchtendes und Mystisches zu schaffen – Musik, die zwischen Angst und Ruhe wechseln kann und dabei ein tiefes menschliches Gefühl von Sehnsucht und Präsenz in der Seele des Zuhörers bewahrt.

Wie sind Sie auf die Idee zu diesem Projekt gekommen?

Das Projekt entstand aus dem tiefen Wunsch heraus, ein Werk dem Schicksal zeitgenössischer Künstler zu widmen. Ich dachte an all jene, die in Einsamkeit, in der Ferne, im Exil – ob auf Erden oder in ihren Herzen – weiterschaffen und der Schönheit trotz des Lärms und der Hektik der Welt treu bleiben. Die stille Würde künstlerischer Hingabe berührt mich zutiefst, die Widerstandsfähigkeit der Kreativität selbst angesichts von Unsicherheit, Verlust oder Unsichtbarkeit.

Aus diesen Reflexionen entstand das Bild der Künstlerin als einsame Schöpferin, die sich auf eine dunkle innere Reise begibt, fast wie eine uralte Gestalt, die in der Dunkelheit nach Sinn und Selbsterkenntnis sucht. In diesem Zustand der Verwirrung und Zersplitterung tritt eine weibliche Präsenz hervor, eine symbolische Figur der Schönheit, der Farbe, der Musik und des Erwachens, durch die Kreativität wieder möglich wird.

Das Träumen rückte allmählich in den Mittelpunkt des Werkes, ein klarer nächtlicher Zustand, in dem Erinnerung, Empfindung, Farbe und Duft miteinander verschmelzen. So entstand «Nuit du Songe» (Traumnacht) «In den Farben und Düften der Blumen» – neun zeitgenössische Instrumentalstücke, die zu einem einzigen, labyrinthischen Opus verwoben sind und Wahrnehmung, Erinnerung und innere Transformation durch die Sprache des Klangs erforschen.

Welche Künstler und Alben haben Ihren kreativen Werdegang am meisten beeinflusst?

Meine künstlerische Ausrichtung wurde von verschiedenen musikalischen und künstlerischen Traditionen geprägt, die im Laufe der Zeit allmählich zusammenflossen. Die französische Tradition ist für mich nach wie vor zentral: Debussy, Ravel, Messiaen und Dutilleux eröffneten mir völlig neue Beziehungen zu Farbe, Resonanz, harmonischem Raum und musikalischer Zeit.

Ich teile zudem eine starke Affinität zu Sergiu Celibidaches Tradition und seinem phänomenologischen Musikverständnis, der Klang als lebendige Präsenz in Zeit und Bewusstsein begreift und nicht als rein formale Struktur. Dieser Zugang zum Hören hat mein Verständnis von musikalischem Raum, Harmonie und Zeitwahrnehmung tiefgreifend geprägt.

Als Musiker war ich auch tief beeindruckt von Künstlern wie Ivo Pogorelich, András Schiff und Daniel Barenboim. Ihre intellektuelle Tiefe, ihre Gedankenfreiheit und ihr zutiefst menschlicher Zugang zur Musik prägten meine Auffassung von Interpretation als etwas Existentiellem.

Abgesehen von der Musik selbst haben mich schon immer künstlerische Welten fasziniert, die einen inneren Zustand erzeugen können.

Die Malerei, insbesondere der Surrealismus, prägte ebenfalls meine Weltanschauung. In der Architektur beeinflussten Persönlichkeiten wie Le Corbusier, Louis Kahn, Frank Lloyd Wright und das japanische Studio SANAA meine Wahrnehmung von Raum, Licht, Stille und Proportionen.

Gleichzeitig wurde meine Arbeit von Philosophie, sakraler Architektur, Astronomie, Symbolik und altägyptischer Philosophie beeinflusst. Ich glaube, dass mich künstlerische Welten und Werke, die durch Klang Mysterium, Tiefe, Sinnlichkeit und ein anhaltendes Gefühl menschlicher Präsenz vermitteln können, mehr geleitet haben als einzelne Alben.

Was ist das interessanteste, was momentan in der Musikindustrie passiert?

Heute inspiriert mich vor allem die wachsende Möglichkeit für Künstler, zutiefst persönliche Welten zu erschaffen, die starre Stilkategorien und industrielle Erwartungen überwinden. Ich spüre, dass viele Musiker wieder nach Aufrichtigkeit, Tiefe, Atmosphäre und einer bedeutungsvollen künstlerischen Identität streben, anstatt nach kurzfristigem Konsum.

Mich fasziniert auch, wie sich die Musik zunehmend anderen Denk- und Wahrnehmungsformen, Architektur, Philosophie, bildender Kunst, Symbolik und Raumerfahrung öffnet. Einige der interessantesten Werke unserer Zeit stellen ganze innere Welten mit eigener emotionaler und symbolischer Integrität dar.

Gleichzeitig glaube ich, dass Hörer immer sensibler für Intimität und Authentizität werden. In einer Zeit, die von Lärm und Beschleunigung geprägt ist, besteht ein neues Bedürfnis nach Musik, die ein Gefühl menschlicher Präsenz vermitteln kann.

Wie sehen Sie die Entwicklung der Musikwelt in den nächsten fünf Jahren?

Ich glaube, die Musik wird sich weiterentwickeln und zunehmend immersivere und interdisziplinäre Formen sowie neue Wahrnehmungsweisen hervorbringen. Die Idee des Albums als in sich geschlossenes künstlerisches Universum wird wahrscheinlich noch wichtiger werden, insbesondere für Künstler, die nach größerer Integrität und Originalität streben.

Gleichzeitig glaube ich, dass wir uns in einer Phase der Sättigung befinden, in einem Umfeld ständiger Produktion, Beschleunigung und Fragmentierung. Daher erwarte ich eine wachsende Nachfrage nach Werken, die ein Gefühl von Präsenz und menschlicher Tiefe vermitteln. Zuhörer achten zunehmend auf Aufrichtigkeit und emotionale Wahrheit, selbst in experimentellen oder zeitgenössischen Formen.

Ich glaube auch, dass unabhängige Künstler zunehmend mehr Freiheit gewinnen werden, um jenseits traditioneller Strukturen einzigartige künstlerische Ausdrucksformen zu entwickeln. Dies könnte zur Entstehung hybriderer und unvorhersehbarerer Formen der Kreativität führen, aber hoffentlich auch zu einem erneuten Fokus auf handwerkliches Können, aufmerksames Zuhören und die Wertschätzung von Musik als etwas Lebendigem.

Wie hilft Ihnen Musik in diesen schwierigen Zeiten?

Für mich ist Musik nach wie vor ein Weg, innere Integrität, Würde und Tiefe in einer Welt zu bewahren, die oft zersplittert und instabil erscheint. In turbulenten Zeiten trägt Musik meiner Meinung nach dazu bei, ein Gefühl von menschlicher Präsenz und Kontinuität wiederherzustellen.

Mich bestärkt auch das Bedürfnis, die Kunst selbst zu schützen. Ohne dieses Bedürfnis könnte ich meine Liebe zu Träumen nicht wirklich teilen oder andere in Räume einladen, in denen Ästhetik zum Nachdenken und zur inneren Transformation anregt. Durch Kreativität möchte ich Sensibilität und Wissensdurst wecken, denn ich glaube, dass künstlerische Erfahrungen Menschen dazu inspirieren können, wieder mit ihrem tiefsten Inneren in Kontakt zu treten.

Im Laufe meiner eigenen Entwicklung begreife ich Kunst zunehmend als etwas, das eine Atmosphäre der Inspiration und Widerstandsfähigkeit schaffen kann, ähnlich wie Bäume, deren Wurzeln spirituellen und sozialen Zusammenbruch abwenden. Der kreative Akt wird zu einem Weg, der Gefühllosigkeit zu widerstehen, die Sensibilität zu bewahren und uns daran zu erinnern, dass das Streben nach Schönheit, Selbstausdruck und Kunst auch heute noch bedeutsam und notwendig ist.

Foto mit freundlicher Genehmigung von Paul Louis Villani.

Paul Louis Villani

Es klingt ungefähr so: Eine gefühlvolle Interpretation des modernen Akustik-Blues mit virtuosem Gitarrenspiel.

Interview:

Beschreiben Sie Ihre Herangehensweise an die Musik und wie Sie anderen erklären würden, wie Ihre Arbeit klingt.

Mein musikalischer Ansatz lässt sich am besten als emotionale Ehrlichkeit beschreiben, nicht als Befolgung von Genregrenzen. Ich habe mich nie für ein einziges Genre interessiert, denn wir Menschen nehmen das Leben emotional nicht eintönig wahr. Manche Tage sind schön und besinnlich, andere aggressiv, ängstlich, einsam, voller Hoffnung, Bitterkeit und Absurdität. Es fällt mir leichter, Musik und Texte zu schreiben, die dieser Ehrlichkeit entsprechen, als mich an irgendwelche unsichtbaren Regeln zu halten, wie ich aussehen oder klingen «sollte». Daher umfasst mein Repertoire Industrial-Klänge, Blues, Akustikstücke, Rock, verschiedene Gesangsstile, dichte Atmosphären und sogar Momente, die für manche fast wie ein Soundtrack wirken. Insgesamt ist mein Sound emotional geprägte Alternative-Musik, die auf Spannung, Atmosphäre und Konfrontation durch Selbstreflexion fokussiert ist.

Wie sind Sie auf den Titel für Ihre Performance gekommen?

Ich habe das Ganze nie als «Bandnamen» betrachtet, weil alle meine Projekte seit 2020 immer persönlicher geworden sind. Meinen eigenen Namen zu verwenden, fühlt sich ehrlicher an. Wenn ich etwas veröffentliche (und das habe ich sicher schon), das hässlich, verletzlich, aggressiv, verwirrend, introspektiv oder unangenehm ist, kann ich es nirgendwo verstecken. Es betrifft mich direkt. Ich genieße diese Verantwortung sogar. Sie bedeutet volle Rechenschaftspflicht. Ich erschaffe einfach Kunst und lebe anschließend mit den Konsequenzen.

Welche Künstler und Alben haben Ihren kreativen Werdegang am meisten beeinflusst?

Meine Inspirationsquellen sind ehrlich gesagt sehr vielfältig, und ich werde mir hier ein wenig etwas gönnen!!! Andres Segovia, Guns N' Roses ( Appetit auf Zerstörung ), Mr. Bungle (Mr. Bungle 1991), Placebo, Mauro Giuliani, Slayer ( Herrschaft in Blut ), KISS und Ace Frehley (Destroyer und Ace Frehleys Soloalbum von 1978), Yngwie Malmsteen ( Aufsteigende Macht ), David Bowie, Led Zeppelin, The Beatles, Jeff Buckley, The Cult, Pearl Jam ( Ertrag ), Metallica ( Gerechtigkeit für alle ), Prince, Steve Vai, The Smashing Pumpkins ( Machina / Die Maschinen Gottes ), Living Color, Adam and The Ants, Rage Against The Machine, Russell Morris, Tim Buckley, Sepultura ( Chaos AD ), Faith No More, Powderfinger ( Internationalist ), Ren, Jimi Hendrix und Angie de Poitrine.

Was ist das interessanteste, was momentan in der Musikindustrie passiert?

Wir leben in einer Zeit, in der ein Mensch, allein in seinem Zimmer, etwas Beeindruckendes erschaffen und es der Welt präsentieren kann, ohne eine industrielle Maschine um Erlaubnis fragen zu müssen. Es ist unglaublich. Technologie (einschließlich KI) ängstigt manche Menschen, aber ich sehe sie eher als ein weiteres Instrument, ein Effektpedal oder einen Werkzeugkasten. Wie bei jeder technologischen Umwälzung in der Musikgeschichte werden die Menschen sich zunächst dagegen sträuben, bis sie sie schließlich in ihre Kultur integrieren.

Wie sehen Sie die Entwicklung der Musikwelt in den nächsten fünf Jahren?

Das ist eine schwierige Frage! Ich denke, in den nächsten fünf Jahren wird sich die Kluft zwischen hochproduzierten Inhalten und zutiefst menschlichem künstlerischem Ausdruck immer weiter vergrößern. Künstliche Intelligenz wird Produktion, Instrumentierung, Gesang, visuelle Gestaltung und Zugänglichkeit sicherlich verändern, aber paradoxerweise glaube ich, dass sie eine authentische menschliche Perspektive noch wertvoller machen wird. Das Publikum wird bereits mit Inhalten überschwemmt. Die Menschen suchen vielleicht nicht nach Perfektion und teuren Studioaufnahmen. Sie suchen vielleicht nach Authentizität, emotionaler Wahrheit, Fehlern, Individualität und Perspektive. Möglicherweise werden die Künstler, die letztendlich eine lange Karriere machen, nicht unbedingt die technisch versiertesten oder virtuosesten Musiker sein. Es werden diejenigen sein, die bei den Menschen wirklich etwas auslösen.

Wie hilft Ihnen Musik in diesen schwierigen Zeiten?

Musik ist für mich definitiv ein Bewältigungsmechanismus. Mein Dopamin, mein Valium. Ich glaube, viele Menschen (mich eingeschlossen) erleben gerade stillschweigend Stress, Unsicherheit, Isolation, finanziellen Druck, Identitätskrisen und emotionale Erschöpfung.

Musik zu schreiben gibt mir die Möglichkeit, diese Dinge zu verarbeiten, anstatt sie einfach nur in meinem Kopf herumschwirren zu lassen und sie immer wieder durchzuspielen. Musik zu schreiben hilft mir, mit etwas Greifbarem, etwas Einzigartigem, etwas, das nur mir gehört, verbunden zu bleiben.

Foto mit freundlicher Genehmigung von South of France.

Südfrankreich

Klingt wie: Psychedelischer Indie-Pop, der pulsiert wie eine nächtliche Autofahrt auf einer neonbeleuchteten Autobahn.

Interview:

Beschreiben Sie Ihre Herangehensweise an die Musik und wie Sie anderen erklären würden, wie Ihre Arbeit klingt.

Ein klangliches Chaos. Ha! Ich versuche hauptsächlich, Musik im psychedelischen, Indie-Pop- und R&B-Bereich zu kreieren. Da ich auch viel für Film und Fernsehen komponiere und produziere, versuche ich immer, ungewöhnliche filmische Elemente und Klangfarben in die Musik einzubauen. Ich mag es, völlig unpassende Instrumente zu verwenden. Verträumte Musik mit etwas Kräftigem, ruhige Musik mit einem sehr chaotischen Sample oder einfach nur zwei Akkorde, um die herum sich ein großes Chaos abspielt.

Wie sind Sie auf den Titel für Ihre Performance gekommen?

Ungeachtet seiner Lage empfinde ich Südfrankreich als eine Art Lebensgefühl, eine besondere Lebenseinstellung. Wenn dieser Ort und die Atmosphäre Südfrankreichs einen Klang verkörpern könnten, dann wäre es genau dieser Klang, den ich mir für mich wünschen würde.

Welche Künstler und Alben haben Ihren kreativen Werdegang am meisten beeinflusst?

Gurus Jazzmatazz , BadBadNotGood, Kenny Beats, Danger Mouse, Handsome Boy Modeling School, Gorillaz, Damon Albarn, Kevin Parker, Digable Planets, Jungle, Miike Snow, 1999 Write The Future, Mike Dean, Ennio Morricone… Die Liste ließe sich endlos fortsetzen. Zum Glück decken meine Musikgenres viele verschiedene Genres ab.

Was ist das interessanteste, was momentan in der Musikindustrie passiert?

Die neue Musik ist so gut, dass sie mich fast jeden Tag aufs Neue begeistert.

Wie sehen Sie die Entwicklung der Musikwelt in den nächsten fünf Jahren?

Ich hoffe, die Situation verbessert sich im Vergleich zu KI deutlich. Unabhängige Künstler gewinnen zunehmend an Bedeutung auf dem Markt, und insgesamt scheint sich ihre Lage zu verbessern, auch wenn es nach wie vor sehr schwierig ist, sich einen Namen zu machen und Aufmerksamkeit zu erregen. Ich hoffe, wir werden in Zukunft mehr unabhängige Künstler auf größeren Tourneen und bei Auftritten auf großen Festivals sehen.

Wie hilft Ihnen Musik in diesen schwierigen Zeiten?

Ich kann nur hoffen, dass Musik immer Menschen zusammenbringt, denen Chancen bietet, die sie brauchen, und talentierten Menschen, die sie wirklich verdienen, und dass sie sich immer gegen das System stellt :)

Foto mit freundlicher Genehmigung von JRNXLST

JRNXLST

Klingt wie: Erstklassiger Alternative Rock im Stil von U2 und My Chemical Romance, vorgetragen auf Englisch und Spanisch – manchmal sogar im selben Song!

Interview:

Beschreiben Sie Ihre Herangehensweise an die Musik und wie Sie anderen Ihren Sound beschreiben würden.

Meine Mission in diesem Projekt ist es, schonungslos ehrlich über meine Welt zu sein, innerlich wie äußerlich. Jahrelang so zu tun, als wäre alles in Ordnung, tiefe und schreckliche Wunden zu verdrängen und all das ins Universum loszulassen. Mein Kampf mit der psychischen Erkrankung hat sich auf vielfältige Weise manifestiert: Entfremdung von der Familie, zerbrochene Beziehungen, Suizidversuche, Zwangsräumungen, Jobwechsel. Mein ganzes Leben lang habe ich vergeblich gegen die Krankheit gekämpft, dem Abgrund ins Auge geblickt, mit schwindender Hoffnung und der Unfähigkeit zu sterben. Sie hat mir viel genommen. Fast alles. Selbst nach Jahrzehnten voller Entbehrungen fühlte ich mich noch so verloren und allein wie mit fünf Jahren: ein seltsamer kleiner Einwanderer aus Ecuador, der nur versuchte, einen Ort zu finden, an dem er sich endlich zugehörig fühlen konnte. Ich habe die Scherben meines Lebens unzählige Male aufgesammelt, von Höhen, von denen die meisten Menschen nur träumen, aber dies ist keine Erfolgsgeschichte. Dies ist die Geschichte meiner Zeit in der Hölle und meiner anschließenden Flucht. Es ist seltsam zu erkennen, dass die einzige wirkliche Lösung darin besteht, mich meinen Dämonen zu stellen und all die Albträume und Narben zu akzeptieren, bis ich sie nach und nach mit derselben Zärtlichkeit und Wärme annehmen kann wie meine Freunde. Nach langem Überlegen beschloss ich endlich, mir Hilfe zu suchen, nachdem ich mein Leben lang im Stillen gelitten hatte. Einzeltherapie, Gruppentherapie, ein Psychiater. Ich habe ein ganzes Team. Ein entscheidender Teil meines Genesungsprozesses war es, die schwierigen Fragen zu stellen und den Mut aufzubringen, die Realität meiner Situation zu akzeptieren. Meine Rolle in der Apokalypse anzuerkennen. Ich nannte es meine Geständnisse. Oh, und Medikamente. Viele Medikamente. Ich begann, diese Geständnisse in Musik zu verpacken. Das Eintauchen in die Musik wurde zu einem Rettungsanker, der mich in eine Welt zurückführte, in der ich glaubte, wirklich überleben zu können. Ich nahm alles in mich auf: den Schmerz, die Verwirrung, die Schrecken des Völkermords in Gaza, und ließ die Musik meine Seele reinigen. Nicht unbedingt, um meine Sünden zu vergeben, sondern um sie zu benennen, damit ich endlich wachsen konnte. Und so wurde JRNXLST geboren.

Wie sind Sie auf den Titel für Ihre Performance gekommen?

Wie der Titel schon sagt, wollte ich diese wiederkehrenden Muster in meinem Leben schonungslos ehrlich beschreiben, in der Hoffnung, sie eines Tages überwinden zu können oder zumindest Menschen zu erreichen, die diesen Schmerz vielleicht kennen. Das Schlimmste daran war für mich das Alleinsein, der Gedanke, mit der Dunkelheit allein zu sein. Es ist lähmend. Ich würde es nicht einmal meinem schlimmsten Feind wünschen, aber ich ließ die Heuchelei fallen und beschloss, alles offenzulegen. Es war unangenehm, aber in gewisser Weise notwendig, wie das Einrenken eines Knochens. Am Ende der Aufnahmen fühlte ich mich viel leichter, gleichzeitig aber verletzlich. Mit diesem Unbehagen zu leben ist unendlich viel besser, als mit all diesem Schmerz, deshalb bin ich dankbar für die Möglichkeit, ihn endlich loszulassen. Meine erste offizielle Veröffentlichung seit «The Dawn» von Bedlight for Blue Eyes.

Welche Künstler und Alben haben Ihren kreativen Werdegang am meisten beeinflusst?

Bands wie U2, Glassjaw, Ozzy Osbourne, The Killers, Radiohead, The Clash, The Cure, The Strokes, Wilson Pickett, Otis Redding und in letzter Zeit auch einiges an Metalcore, wie zum Beispiel BMTH, haben mich kreativ und spirituell enorm beeinflusst. Ich bin ganz klar ein Emo-Teenager. Im Moment bin ich total von President begeistert und Sleep Tokens «Are You Really Ok» läuft bei mir in Dauerschleife. Ich möchte Live-Auftritten wieder mehr Theatralik verleihen, so wie es große Bands der Vergangenheit getan haben, um wirklich episch zu werden. Gwar, Ghost, My Chemical Romance, Sleep Token – diese Bands haben ihre eigenen, detailreichen Welten erschaffen, voller komplexer Geschichten. Ich liebe das einfach. JRNXLST geben bei ihren Live-Auftritten alles und schaffen ein einzigartiges, filmreifes Erlebnis, das trotzdem so mitreißend ist, dass es einen umhaut. Ich habe viel mit Synthesizer-Sounds, Gitarrenklängen, Techno-Beats und spanischen Einflüssen experimentiert, mir eine siebensaitige Gitarre gekauft, um einen härteren Sound als je zuvor zu erzielen – alles, was mir helfen könnte, meine Welt den Menschen näherzubringen, und ich hoffe, dass diese Melodien wirklich ihre Abwehr durchdringen und in ihre Herzen gelangen.

Was ist das interessanteste, was momentan in der Musikindustrie passiert?

Das Spannendste an der Musikszene ist momentan der veränderte Umgang von Musikern mit ihren Fans. Live-Auftritte und alternative Veranstaltungsorte erleben eine Renaissance, insbesondere seitdem Social Media jegliche Authentizität verdrängt hat. Diese Events finden nicht mehr nur in Konzerthallen statt: Sie tauchen überall auf – in Waschsalons, Boxringen, chinesischen Restaurants, auf Parkplätzen, unter Brücken – buchstäblich überall, wo man eine Musikanlage aufbauen und Freunde zum Tanzen versammeln kann. Im digitalen Bereich ist ein völlig neues Konzept für Bands (und Marken) besonders aufregend: Mikrodramen oder vertikale Serien. In diesem Format dauert jede Folge nur 60 bis 90 Sekunden, und eine Staffel umfasst etwa 40 Folgen. Sie sind dynamisch, fesselnd und deutlich günstiger als herkömmliche Shows oder Musikvideos. Die All American Rejects haben kürzlich ein Mikrodrama auf Candyjar veröffentlicht. Mikrodramen bieten Bands wie meiner eine fantastische neue Möglichkeit, ihren Fans einen tieferen Einblick in unsere kreativen Welten zu geben und sie bis zum Schluss in Atem zu halten.

Unser nächster Song «KNGDM» erscheint beispielsweise zusammen mit einem von mir geschriebenen Kurzfilm – ein 70-seitiges Drehbuch, das sich auf 40 Episoden erstreckt. Es ist eines meiner ambitioniertesten Projekte überhaupt und basiert, genau wie die Musik, auf sehr realen und persönlichen Erfahrungen. Ich werde die Hauptrolle spielen und Regie führen, zusammen mit meinen Bandkollegen und einer fantastischen internationalen Besetzung. Unser Kameramann Matthew Canada ist eine wahre Legende.

«Die Geschichte dreht sich um den ausgebrannten Rockstar Liam Kincaid, der eine mysteriöse Kiste erhält, die mit seiner verschwundenen Ex-Freundin Lily in Verbindung steht. Was mit Trauer, Depression und Paranoia beginnt, eskaliert zu einem übernatürlichen Albtraum mit kryptischen Botschaften, blutigen Visionen und einem Untergrundkult moderner Vampire, die sich von Ruhm, Sucht und Verzweiflung nähren. Schließlich entdeckt Liam, dass sich Lily selbst in etwas Monströses verwandelt hat, was die beiden dem Untergang geweihten Liebenden zu einem letzten, brutalen Akt der Rebellion zwingt.

Klanglich ist es wahrlich düstere und raue Musik, die Elemente von Horror und Filmkunst mit dem Fokus auf die Erschaffung vielschichtiger, dreidimensionaler Charaktere verbindet. Ich wollte etwas Gefährlicheres und Fesselnderes als eine gewöhnliche Musikveröffentlichung schaffen, etwas, das sich lebendig anfühlt.

Wie sehen Sie die Entwicklung der Musikwelt in den nächsten fünf Jahren?

In den nächsten fünf Jahren? Ja, es scheint, als würde sich die gesamte Internetlandschaft täglich verändern, und viele von uns fordern Regulierung und Reform. Doch trotz all des Unsinns, egal wie schlimm es auch kommen mag, gibt es immer noch dieses Kind, das sich in seinem Zimmer einschließt, mit einem Lied im Herzen, einem Traum im Kopf und einem klapprigen, gebrauchten Instrument, um ihn zu verwirklichen. Das mag romantisch klingen, aber manchmal ist Hoffnung alles, was uns bleibt.

Wie hilft Ihnen Musik in diesen schwierigen Zeiten?

Es mag lächerlich klingen, aber es ist mir egal. Musik hat mir das Leben gerettet. Sie hat mich mit all den wichtigsten Ereignissen meines Lebens verbunden und, noch wichtiger, mich mit einigen der wichtigsten und bedeutsamsten Menschen zusammengebracht, die ich je getroffen habe. Sie ist zu meinem Heilmittel und meiner Waffe gegen das endlose Chaos geworden, das überall auf der Welt herrscht. Zum Beispiel scrollte ich eines Abends durch meinen Newsfeed und stieß auf einen Beitrag von Al Jazeera, in dem eine Krankenschwester ein kleines palästinensisches Kind im Arm hielt. Dieses kleine Wesen war mehr Haut und Knochen als Fleisch, und es zerriss mir das Herz. Die grauenhaften Folgen dieses Völkermords in Gaza lagen vor mir in ihrer ganzen Wucht und trafen mich wie nie zuvor. Ich schlief drei Tage lang nicht. Ich hatte Skizzen zu meinem Song «Halo», in dem ich über meinen inneren Kampf mit Co-Abhängigkeit und Borderline-Persönlichkeitsstörung spreche, aber der Refrain ging mir nicht mehr aus dem Kopf, und ich begann, ihn auf die Situation in Palästina anzuwenden. Du glaubst, du hättest einen Heiligenschein, aber du weißt nicht, wer du bist … Das erinnerte mich an Netanjahu und die Zionisten, die Völkermord rechtfertigen und die Ermordung unschuldiger Zivilisten, insbesondere von Kindern, als Kriegsopfer dulden. Es erinnerte mich an unseren Präsidenten und die vielen Verbrechen, die er begangen hat, und dennoch steht er stolz und aufrecht da und verkörpert jede Faser seines Spitznamens «Teflon-Don». Heuchelei ist allgegenwärtig, Ungerechtigkeit ist allgegenwärtig. Musik war schon immer eine Waffe des Volkes. Ein Werkzeug, um Bewusstsein zu schaffen und unser Gefühl für Recht und Unrecht zu wecken. Ich beschloss, dass ich nicht in einer Welt leben konnte, in der ich nicht aktiv dazu beitragen konnte, sie zu verbessern, und so veränderte ich den Text des Liedes, um es speziell den hungernden Kindern von Gaza zu widmen. Was politische Aussagen angeht, ist es wohl nicht besonders kontrovers, nicht zu wollen, dass unschuldige Kinder unnötig verhungern. Aber eigentlich stellte ich mir einfach die Frage: «Was werden wir tun?»

Am Ende jeder Nachricht lese ich: «Man muss nicht blutsverwandt sein, um Familie zu sein.» Ich möchte glauben, dass wir eines Tages in einer Welt leben können, in der dieses Ideal für alle Menschen auf diesem Planeten eine universelle Wahrheit ist. Ich weiß nicht, ob dieser Krieg jemals enden wird, solange wir keinen gemeinsamen Feind aus dem Weltraum haben. Aber wir müssen weiterkämpfen. Ja, Musik war mein Schwert und mein Schild. Ich bin jeden Tag dankbar, dass ich die Kraft habe zu schreien, meine ganze innere Energie freizusetzen. Am Ende ist das alles, was wir tun können: Gemeinsam in die Dunkelheit schreien.

Foto mit freundlicher Genehmigung von Gabagool.

Gabagul

Klingt wie: The Rapture, wenn sie mehr auf New Jack Swing gesetzt hätten. Eine großartige Hommage an die alte DFA-Records-Ära in Brooklyn Anfang der 2000er.

Interview:

Beschreiben Sie Ihre Herangehensweise an die Musik und wie Sie anderen Ihren Sound beschreiben würden.

Mein Zugang zur Musik ist rebellisch, zeigt aber auch, wie sich verschiedene Genres gegenseitig beeinflussen und bereichern können. Ich genieße es sehr, den Hörer an unerwartete Orte zu entführen und dabei Verbindungen zwischen Elementen und Stilen zu schaffen, die sich gleichzeitig vertraut und selbstverständlich anfühlen. Ich scheue mich nie, meine musikalischen Einflüsse in meiner Arbeit zu präsentieren, auch wenn ich Gefahr laufe, als Nachahmer abgestempelt zu werden – aber das hat mich nie gestört. Es fällt mir schwer, den Sound von Gabagool genau zu beschreiben, aber ich sage den Leuten, es ist harter Alternative Rock mit Elementen aus Funk, Jazz, Soul und vielen anderen Genres.

Wie sind Sie auf den Titel für Ihre Performance gekommen?

«Gabagul», eigentlich ein Spitzname für eine italienische Wurst, klang für mich immer seltsam und geheimnisvoll. Ich dachte sofort an Geister und Kobolde. Ich wollte, dass meine Musik seltsame und kraftvolle Schwingungen verkörpert, und «Gabagul» passte irgendwie perfekt dazu.

Welche Künstler und Alben haben Ihren kreativen Werdegang am meisten beeinflusst?

Wie ihr vielleicht schon wisst, wenn ihr meine Musik gehört habt, sind meine musikalischen Einflüsse sehr vielfältig. Ich wurde schon mit Bands wie Modest Mouse und Mr. Bungle verglichen, aber ich lasse mich von allem inspirieren, von The Gap Band und Steely Dan bis hin zu modernerer Indie-Musik wie Givers und IDLES. Hier sind ein paar Alben, die mich stark beeinflusst haben:

• Mann – Das Leben ist fantastisch

• Die Geber stehen im Licht

• Incubus – WISSENSCHAFT

• Marvin Gaye – What's Happening?

• Modest Mouse – Wir waren schon tot, bevor das Schiff sank

• Herr Bungle – Kalifornien

Was ist das interessanteste, was momentan in der Musikindustrie passiert?

Ich werde älter (ich bin dieses Jahr 45 geworden) und habe das Gefühl, ein bisschen den Anschluss an die Musikszene zu verlieren. In letzter Zeit haben mich vor allem Neo-Soul-Künstler wie Anderson .Paak, Steve Lacy und Ari Lennox (um nur einige zu nennen) begeistert, aber auch die neuen Rock'n'Roll-/Post-Punk-Bands wie IDLES und die Viagra Boys, die gerade immer beliebter werden. Sicher gibt es in der Underground-Szene weltweit noch viele bewundernswerte Künstler, aber ich bin da einfach nicht mehr so gut informiert.

Wie sehen Sie die Entwicklung der Musikwelt in den nächsten fünf Jahren?

Ehrlich gesagt, kann ich es nicht mit Sicherheit sagen. Ich weiß, dass KI-gestützte Musik in der Streaming-Welt immer beliebter wird – im Guten wie im Schlechten (Erzähler: im Schlechten). Aber ich glaube nicht, dass das talentierte Künstler davon abhalten wird, einzigartige Musik zu schaffen, die unterschiedliche Zielgruppen anspricht. Ich denke, Produzenten und Künstler werden letztendlich einen authentischen Umgang mit KI finden, und Musik, die ausschließlich mit KI erstellt wird, wird einfach ein weiteres Genre sein, das gefiltert wird. Künstler, die keine KI nutzen, werden es schwerer haben, sich durchzusetzen, aber was ist schon neu daran? Ich würde mich freuen, wenn Gitarrenrock wieder im Mainstream ankommt. Eines ist sicher: Die nächsten fünf Jahre werden anders sein als alles, was irgendjemand vorhersehen kann – weder in der Musikwelt noch in irgendeiner anderen Branche.

Wie hilft Ihnen Musik in diesen schwierigen Zeiten?

Musik ist für mich seit Langem ein Ventil und gleichzeitig eine Art Linse, durch die ich die Welt betrachte. Am liebsten verbringe ich meine Freizeit mit Trinken, Rauchen und konzentriertem Arbeiten an ungewöhnlichen Stücken in meinem Kellerstudio. Wenn ich diese Arbeit aber nutzen kann, um meine Sicht auf die Welt auszudrücken und ein wenig darüber zu teilen, ist das immer ein Gewinn. Außerdem hoffe ich, dass meine Musik mich und andere zum Tanzen inspirieren kann – in einer Welt, die sich in letzter Zeit nicht gerade tanzfreundlich angefühlt hat.

Foto mit freundlicher Genehmigung von Flowanda.

Flowanda

Klingt wie: Bewusster Hip-Hop von einer Yogini aus der Bronx, deren Sound an eine gescheiterte Zusammenarbeit zwischen Kid Cudi und den Beastie Boys erinnert.

Interview:

Beschreiben Sie Ihre Herangehensweise an die Musik und wie Sie anderen erklären würden, wie Ihre Arbeit klingt.

Das ist vielleicht die seltsamste Antwort, die Sie jemals auf diese Frage bekommen werden, aber trotzdem:

Ich hatte nie vor, Musiker zu werden. Ich bin eine ehemalige Drehbuchautorin aus der Bronx, die zur Psychotherapeutin wurde, und nach jahrelanger Arbeit mit Trauer und Trauma – sowie intensiven Auseinandersetzungen mit Yoga, Meditation und meiner eigenen Therapie – hatte ich eine tiefgreifende und verstörende mystische Erfahrung, die meine Beziehung zur Kreativität völlig veränderte.

Fast über Nacht tauchten plötzlich Melodien, Texte und ganze Lieder in meinem Kopf auf, völlig unerwartet. Da ich keine musikalische Ausbildung hatte, brachte ich mir panisch Logic Pro bei und kaufte mir ein MIDI-Keyboard, weil die Erfahrung so seltsam und emotional überwältigend war, dass ich sie unbedingt festhalten musste.

Das war vor etwa 18 Monaten, und es hat nicht aufgehört. Als approbierte Psychotherapeutin weiß ich, wie seltsam diese Geschichte klingt. Aber was ich erlebt habe, fühlte sich nicht krankhaft an – es war bedeutsam, transformierend und überraschend logisch. Ich beschäftige mich seit etwa 15 Jahren mit der esoterischen Seite des Kundalini-Yoga und Tantra, und ein Teil von mir fragt sich ernsthaft, ob ich auf etwas gestoßen bin, das mein Verständnis weit übersteigt.

Meine Beziehung zur Musik wird daher weniger als «Karriereambition» wahrgenommen, sondern vielmehr als Beobachtung und Interpretation einer Erfahrung, die sich noch in Echtzeit entfaltet.

Was den Sound selbst angeht, fällt es mir ehrlich gesagt schwer, ihn mit etwas Reinem zu vergleichen. Es ist psychedelischer Alternative-Hip-Hop, aber auch filmisch, verträumt, emotional, spirituell, witzig, verletzlich und manchmal ein bisschen verrückt. Stellt euch ein transformierendes Musikfestival vor, das um 2 Uhr nachts in einem U-Bahn-Tunnel in der Bronx stattfindet.

Wie sind Sie auf den Titel für Ihre Performance gekommen?

«Ananda» ist ein Sanskrit-Wort, das oft mit spiritueller Glückseligkeit übersetzt wird. Ungefähr zu der Zeit, als diese Musik entstand, hatte ich weniger das Gefühl, «Lieder zu machen», sondern vielmehr, dass etwas durch mich hindurchfloss. Anstatt mich zu sehr auf das Ergebnis zu konzentrieren, gab ich mich einfach dem Prozess hin und folgte der Musik, wohin sie mich auch führte. Diese Praxis ist Flowananda.

Welche Künstler und Alben haben Ihren kreativen Werdegang am meisten beeinflusst?

Mein Musikgeschmack ist ehrlich gesagt sehr vielfältig, daher ist es wohl schwierig, dieses Projekt einem bestimmten Genre zuzuordnen. Ich bin definitiv von Coheed & Cambria, Kid Cudi, Leonard Cohen, DMX, The LOX, Alt-J, Loreena McKennitt und vielen anderen beeinflusst. Aber sie alle haben eines gemeinsam: Ihre Musik ist unverwechselbar. Keiner von ihnen jagte Trends hinterher. Sie erschufen ganze emotionale Welten und vertrauten darauf, dass die Menschen sie irgendwann entdecken würden. Das ist wahrscheinlich das Wichtigste, was ich kreativ gelernt habe.

Die erste CD, die mir meine Mutter gekauft hat, war "» Es ist dunkel und die Hölle ist heiß» Ich habe DMX gehört und konnte monatelang meine Kopfhörer nicht abnehmen. Das mag angesichts meiner heutigen Musik seltsam klingen, aber wer DMX hört, versteht, wie spirituell er war.

Was ist das interessanteste, was momentan in der Musikindustrie passiert?

Ehrlich gesagt halte ich Coheed & Cambria für eine der kreativsten Bands, die es aktuell gibt. Sie machen das schon seit Jahren, arbeiten in einer komplexen Geschichte und ihre Musik entwickelt sich ständig weiter. Und diese epische Geschichte, die sie erzählen, nähert sich ihrem Ende!

Ich werde dafür vielleicht kritisiert werden, aber mit Anfang 30 habe ich mich weitgehend vom Hip-Hop abgewandt, weil sich die Texte einfach nicht mit mir weiterentwickelten. Klar, Conscious Rap gibt es schon immer, aber dabei geht der Groove oft verloren. Es schien, als würde niemand mehr die Art von Hip-Hop machen, die ich persönlich hören wollte: spirituelle und emotionale Weiterentwicklung gepaart mit coolen Beats und Melodien.

Irgendwie stimmte es nicht, als 40-jähriger Hippie in Saucony-Sneakers «Oochie Wally» zu hören. Und ich will nicht gemein sein. The LOX und DMX haben mir emotionalen Schutz gegeben und mir in New York geholfen, als ich es brauchte, aber jetzt muss ich meine Zimmerpflanzen gießen.

Ich glaube auch, dass es ein wachsendes Bedürfnis nach Musik gibt, die Spiritualität auf einer tieferen, lebendigeren Ebene berührt. Nicht diese protzige «ästhetische Spiritualität», die wir bei all den Leuten mit ihren großen Filzhüten sehen, sondern echte Weisheit, die durch Kunst vermittelt wird. Jemand wie Leonard Cohen konnte tiefgründige spirituelle Wahrheiten durch Lieder ausdrücken, weil er sie selbst gelebt hat. Ich habe ihn vor seinem Tod im Madison Square Garden auftreten sehen, und es war wirklich so, als wäre man in der Gegenwart eines Menschen, der etwas Transzendentes berührt hatte. Ich sehe das in der Popmusik heutzutage nicht mehr, besonders nicht im Hip-Hop, und FLOWANANDA ist unter anderem mein Versuch, diese Tiefe in Musik zurückzubringen, die sich emotional lebendig und klanglich fesselnd anfühlt.

Wie sehen Sie die Entwicklung der Musikwelt in den nächsten fünf Jahren?

Ich glaube, dass von künstlicher Intelligenz erzeugte Musik menschliche Künstler zu noch größerer emotionaler Spezifität, Fremdartigkeit, Unvollkommenheit und Originalität anspornen wird. Wenn Algorithmen aus Kombinationen bestehender Elemente lernen, könnte das Wertvollste, was ein menschlicher Künstler beitragen kann, authentische Lebenserfahrung und unerwartete emotionale Wahrheit sein. Vielleicht liegt die Zukunft der Musik darin, dass Menschen wieder fremdartig werden.

Wie hilft Ihnen Musik in diesen schwierigen Zeiten?

Musik hat mir wirklich das Leben gerettet. Sie gab mir die Möglichkeit, Erlebnisse und Gefühle auszudrücken, die tiefer schienen als Worte. Für mich, mit ADHS, fühlt sich Musik auch viel unmittelbarer und greifbarer an als beispielsweise Drehbuchschreiben, wo Projekte Jahre dauern können. Ein Lied kann ein Gefühl über Nacht vermitteln.

Aber vor allem gibt mir Musik Hoffnung. Wir leben in einer Zeit, in der fast alles polarisiert und feindselig erscheint, doch Live-Musik schafft immer noch Momente, in denen Fremde in einem gemeinsamen emotionalen Erlebnis verschmelzen. Sie erlaubt es den Menschen, für einen Augenblick den Konkurrenzkampf zu beenden und einfach gemeinsam Mensch zu sein.

Und ich schwöre, ich arbeite nicht bei Coheed & Cambria, aber hört euch «Tethered Together» an und sagt mir, ob euch dieses Lied nicht ein bisschen Hoffnung gibt, dass Menschen wieder zueinander finden können!

Foto mit freundlicher Genehmigung von Carson Bull.

Carson Bull

Klingt wie: Eine funkige Mischung aus Country und Rebellion im Stil von Bob Dylans «Thin Wild Mercury», durchdrungen von Atmosphäre Wolkenkratzer in Nashville .

Interview:

Beschreiben Sie Ihre Herangehensweise an die Musik und wie Sie anderen erklären würden, wie Ihre Arbeit klingt.

Du könntest tanzen, und du könntest weinen.

Das Leben ist ein ständiger Kampf, sich mit dem Unkontrollierbaren abzufinden und sich auf das zu konzentrieren, was man beeinflussen kann. Ich war immer der Überzeugung, dass die Katharsis des Musikschreibens und des Musikhörens irgendwo dazwischen liegt.

Mein Zugang zum Komponieren war schon immer anders. Ich glaube, wenn ich nicht Musiker geworden wäre, wäre ich Schriftsteller geworden. In der Schule mochte ich schon immer Gedichte, und Shakespeare hat mir beim Lesen sehr gefallen. Ich weiß, das mag für manche seltsam klingen. Ich wusste erst mit etwa 15 Jahren, als ich Bob Dylan für mich entdeckte, wie ich Poesie, Geschichten und Selbstausdruck mit Musik verbinden konnte. Für mich war das Komponieren immer wie Therapie und ein Weg, meine Gefühle zu verstehen, wenn ich nicht weiterwusste.

Wie sind Sie auf den Titel für Ihre Performance gekommen?

Also, Carson Bull ist mein bürgerlicher Name. Ich habe mich nie für einen Künstlernamen interessiert. Zumindest noch nicht… Obwohl meine gesamte Musik unter meinem Namen Carson Bull veröffentlicht wird, wollte ich, dass meine Band, in der ich spiele, auch einen Namen hat. Ich finde einfach, sie gehören zu den besten Musikern der Welt und haben es verdient. Ich bin ein großer Fan von Tom Petty and the Heartbreakers, Jason Isbell and the 400 Unit und den Allman Brothers; deshalb dachte ich eine Zeit lang, es wäre cool, live als «Carson Bull und (Name fehlt)» aufzutreten. James Haynes (Keyboard) und Josh Norfleet (Leadgitarre) bekamen bei Konzerten ständig Kommentare, dass sie wie Brüder oder Cousins aussehen. Ich fand das witzig, also schlug Jim vor, als «Carson Bull and the Cousins» aufzutreten. Ich fand die Idee super, und dabei blieb es. Wir kennen uns alle schon so lange, etwas mehr als Freunde, aber nicht ganz so eng verbunden wie Blutsbrüder, dass der Titel «Cousins» passend schien. Ich empfand auch Schuldgefühle und Scham am Ende der Konzerte, wenn Leute auf mich oder die anderen zukamen und fragten: «Wie heißt die Band?» Worauf ich dann verlegen antwortete: «Carson Bull…» Nach ein paar dieser Erlebnisse war ich überzeugt, dass meine Band einen Namen brauchte.

Welche Künstler und Alben haben Ihren kreativen Werdegang am meisten beeinflusst?

Die Eagles, CCR, die Beatles, Waylon Jennings, Bob Dylan, Tom Petty, Chris Stapleton, Bon Iver und Tyler Childers sind nur einige wenige. Ich kann einfach nicht aufhören, sie zu hören. Scharfschützenjäger Tyler Childers seit seinem Erscheinen, und ich höre wahrscheinlich mindestens ein Eagles-Album pro Tag. Desperado и Eines dieser Nächte — zwei meiner absoluten Lieblingsalben. Die neuen Live-Aufnahmen, die sie 1975 in Anaheim veröffentlichten, laufen bei mir in letzter Zeit rauf und runter.

Was ist das interessanteste, was momentan in der Musikindustrie passiert?

Die Nachfrage nach und das Comeback physischer Tonträger. Besonderer Dank gilt Sturgill Simpson für das neue Johnny Blue Skies-Album, das er kostenlos und werbefrei auf YouTube veröffentlichte, anschließend wieder löschte und nur noch physische Kopien herausbrachte. Was Jack White mit Third Man seit so vielen Jahren leistet, ist ebenfalls unglaublich. Unterstützt euren lokalen Musikladen! Nichts verändert das Leben so sehr, wie die perfekte Platte zu finden, nach Hause zu gehen, sie zu hören und in eine andere Welt einzutauchen. Außerdem streiten sich immer mehr Künstler mit Live Nation und Ticketmaster. Ich finde, Olivia Deans Vorgehen ist in dieser Hinsicht ein Vorbild für alle Künstler. Und sie macht einfach verdammt gute Musik.

Wie sehen Sie die Entwicklung der Musikwelt in den nächsten fünf Jahren?

Nihilismus ist eine Charaktereigenschaft und eine schlechte Angewohnheit, die ich verzweifelt ablegen möchte. Deshalb möchte ich hoffnungsvoll antworten… Ich glaube, Authentizität ist momentan sehr gefragt, und diese Nachfrage wird noch steigen. Ich finde es großartig, dass die Menschen, um dem ständigen Druck, unaufhörlich Musik zu veröffentlichen und mit Fans und Menschen weltweit in Kontakt zu treten, entgegenzuwirken, weniger an hochqualitativer Musik aus Weltklasse-Studios interessiert sind, sondern vielmehr an etwas Authentischem, das sie berührt. Ich denke, die meisten Menschen erkennen eine Lüge sofort. Menschen sind eben Menschen. Sie wollen die Menschlichkeit in deiner Musik spüren. Sie werden ständig an ihre Fehler, ihr Versagen und ihre Unvollkommenheiten erinnert. Das Letzte, was ich ihnen bieten möchte, ist etwas Überproduziertes und Unechtes, das nur perfekt sein soll. Intimität spendet Trost. Ich glaube, Musik kann in dieser Hinsicht Berge versetzen – im Kopf und im Herzen der Menschen. Ich weiß, dass Musik das für mich getan hat. Ich glaube, dass die Menschen in einer Welt voller Heuchelei, Gier, Reizüberflutung und korruptem Kapitalismus verzweifelt nach etwas Echtem und Authentischem suchen, und dem stimme ich zu.

Wie hilft Ihnen Musik in diesen schwierigen Zeiten?

Flucht. Musik war für mich schon immer eine Flucht. Die Realität des Lebens und das, was um uns herum geschieht, können manchmal wie eine unerträgliche Last erscheinen. Musik war schon immer ein Mittel, um die Welt um uns herum zu verstehen. Daran wird sich nie etwas ändern. Worte besitzen grenzenlose Kraft, und die Verbindung mit Melodie und Rhythmus verstärkt diese nur noch. Ich hoffe, die Menschen sind widerstandsfähig und wissen, dass man immer für das kämpfen kann, was man für richtig hält. Musik ist nur ein Werkzeug im Arsenal der Menschheit dafür.

Foto mit freundlicher Genehmigung von The Hedgehogs.

Igel

Klingt wie: eine verschwommene, lakonische Interpretation des Bluesstils, wie sie Peter Green während seines Albums kreiert hat Am Himmel , aber näher an Slint.

Interview:

Beschreiben Sie Ihre Herangehensweise an die Musik und wie Sie anderen erklären würden, wie Ihre Arbeit klingt.

Stephen Schoner: John und ich sind beide Beatles-Fans. Die frühen Stereoaufnahmen der Beatles zeichneten sich durch eine faszinierende Trennung von Instrumenten und Gesang aus. Und obwohl auf dem Album Die Igel/Winter So weit gehen wir nicht; wir verteilen die Klänge lieber ausgewogen im Stereofeld und fügen Akzente hinzu, die dem Ganzen kinetische Energie verleihen.

Wir haben viel von John Squire von den Stone Roses und Noel Gallagher von Oasis gelernt, die wunderschön ausbalancierte Gitarrenparts kreieren. Man fühlt sich, als würde man in dem von ihnen geschaffenen Raum schweben. Wir arbeiten zunehmend daran, unsere Gitarren in diese Richtung weiterzuentwickeln.

John Peyton: Mir war es schon immer wichtig zu verstehen, wie etwas entsteht. Als ich meine Lieblingskünstler hörte, fragte ich mich, wie die verschiedenen Klänge erzeugt werden. Zuerst versuchte ich, sie mit dem primitiven Equipment, das ich besaß, nachzuahmen.

Ich glaube, uns allen verbindet die Liebe zu guter Musik der 60er, 70er und frühen 80er Jahre, und genau diesen Geist wollten wir wiederbeleben. Es war nicht so, dass wir einfach kopiert hätten.

Steven: Beim ersten Album war man noch sehr unerfahren und vielleicht etwas pragmatischer, und manchmal denkt man im Nachhinein: «Hätte ich mit der Gitarre oder dem Part anders machen können.» Aber ich finde, die Klangfarben kommen jetzt besser zur Geltung. Der Sound wird voller. Die Aufnahmen klingen nicht mehr so rau. Und obwohl wir Humor haben, werden wir ihn etwas zügeln und die Dinge etwas anspruchsvoller gestalten.

Und dieses Debütalbum ist ein echter Volltreffer. «Yours For the Asking» ist ein romantisches, sonniges Frühlingslied. Und «Lonely» ist alles andere als humorvoll, sondern eher geheimnisvoll und wunderschön. Diese beiden letzten Lieder wurden zusammen mit den letzten drei aufgenommen, und man kann ihre Entwicklung deutlich hören.

Wie sind Sie auf den Titel für Ihre Performance gekommen?

Steven: Das stammt aus dem Spinny-Norman-Sketch von Monty Python, wo eine der Figuren glaubt, von einem riesigen Igel beobachtet zu werden. Ich habe Monty Python auf die gleiche Weise aufgesogen wie die großartige Rockmusik, die ich schon früh von meinen älteren Geschwistern aufgesogen habe. Wir sind alle in Ironton Crosslauf gelaufen, und meine Brüder hatten ein Team namens «The Hedgehogs». Dieselbe Quelle. Ich glaube, ich habe meine älteren Brüder kopiert, als ich diesen Namen vorgeschlagen habe.

Welche Künstler und Alben haben Ihren kreativen Werdegang am meisten beeinflusst?

Stephen: Was unsere neue Single «Lonely» angeht, finden wir die Gitarrenkombination von Peter Green, Danny Kirwan und Jeremy Spencer von Fleetwood Mac einfach großartig. Und auch Buckingham gefällt uns sehr, wegen seiner gelungenen Mischung aus akustischen und elektrischen Gitarrensoli auf dem Album. Gerüchte , Sie tauchen genau im richtigen Maße im Mix auf und verschwinden wieder. Und in letzter Zeit höre ich viel Jorma Kaukonen… sein E-Gitarren-Fuzz ist zu einer wertvollen Inspirationsquelle für zukünftige Musik geworden.

John: Für mich beginnt alles mit den Beatles, genauer gesagt mit dieser experimentelleren Phase nach ihren Live-Auftritten. Sie sind für mich der Anker für alles Weitere. Ich höre eher Popmusik, aber nicht unbedingt Bubblegum House. Danach kämen Pink Floyd. Auch hier sprechen mich ihr Experimentiergeist und ihre Melancholie sehr an.

Stephen: Album Die dunkle Seite des Mondes Das Album setzt die Messlatte in Sachen Produktion, Songwriting und Performance phänomenal hoch. Aber wir lieben auch die frühen Singles, und ich denke, daher stammt Johns verspieltes Slide-Gitarrenspiel bei «Yours For the Asking». Genauso wie bei «Point Me At the Sky».

John: Als ich im letzten Schuljahr war, begann ich New-Wave-Musik mehr zu schätzen.

Steven: Stewart Copeland hat einen großartigen Sinn für Humor. Sein Schlagzeugspiel hat diese perkussive Sanftheit, die wir bei «Yours For the Asking» verwendet haben. The Police sind eine großartige Band, wenn es darum geht, mit sehr wenigen Instrumenten Atmosphäre zu schaffen, aber auch, die richtige Atmosphäre zu erzeugen. «Synchronizität» - Dies ist ein Beispiel für einfaches Keyboardspiel, das wirklich für Atmosphäre sorgen kann.

John hat mich mit den frühen Genesis bekannt gemacht. Was für eine reiche Instrumentierung! Und dann erst der Humor, diese riesigen Bärenklauen und so weiter. Genesis' spätere Werke waren eine Lektion in musikalischer Ökonomie. Tony Banks konnte mehrere einfache Parts übereinander schichten und etwas Kraftvolles und Reichhaltiges schaffen, aber auch mit so viel... Raum.

Led Zeppelin Album «Gegenwart» Es hat mich dazu gebracht, Gesang nicht mehr als das dominierende Instrument in einem Mix wahrzunehmen. Ein ausgewogenerer Klang zwischen Gesang und Instrumenten kann zu besseren Ergebnissen führen.

Ich mochte Dungens Musik sehr. Sie reicht von wunderschön und idyllisch bis hin zu etwas, das an einen Spielzeugkasten erinnert, der die Treppe hinunterfällt. Auch Sigur Rós gefällt mir wegen ihrer Atmosphäre. Und Dead Meadow sind ebenfalls sehr atmosphärisch und unheimlich. Ich mag sie wirklich sehr.

Was ist das interessanteste, was momentan in der Musikindustrie passiert?

John: Interessant an der modernen Musik ist, dass die Entdeckung neuer Musik viel weniger zentralisiert ist. Radio und Musikvideos waren früher die wichtigsten Kanäle, um neue Musik zu verbreiten und neue (und in manchen Fällen auch alte) Klänge zu entdecken. Heute dominieren die sozialen Medien, und Musik wird über 15-sekündige Songausschnitte in kurzen Videos auf Instagram und TikTok entdeckt. YouTube-Videos können aus Leuten, die einfach nur zum Spaß in ihrem Zimmer Musik machen, Megastars machen. Angesichts dieser riesigen Menge an Inhalten kann es schwierig sein, etwas Neues zu finden, das einem wirklich gefällt.

Wie sehen Sie die Entwicklung der Musikwelt in den nächsten fünf Jahren?

John: Es scheint, als würden die Genregrenzen immer mehr verschwimmen. Das liegt vielleicht auch daran, dass Content-Ersteller in den sozialen Medien neue Musik verwenden. Verschiedene Stile und Klänge verlassen ihre Nischen und werden für unterschiedliche Zielgruppen zugänglich – und das ist gut so.

Mir fällt noch etwas auf, und als jemand, der viel auf YouTube konsumiert, sehe ich das immer häufiger: Es gibt immer mehr KI-generierte Musik, und ich weiß nicht so recht, was ich davon halten soll. Ganze Kanäle widmen sich verschiedenen Musikstilen, die noch nie von einem Menschen bearbeitet wurden. Unsere Musik mag zwar noch etwas ungeschliffen sein, aber sie wurde wenigstens von Menschen geschaffen, die den Prozess geliebt haben.

Steven: Künstliche Intelligenz bereitet mir Sorgen. Aber ich glaube, die Leute werden sich einfach nicht mit Musik zufriedengeben, die von niemandem gemacht ist. Was kann eine Maschine einem Menschen schon über das Leben beibringen? Maschinen und Menschen bilden keine Gemeinschaft. Ich denke, den Leuten wird ein perfekt produzierter Song von einer Maschine weniger wichtig sein als die Meinungen anderer.

Wie hilft Ihnen Musik in diesen schwierigen Zeiten?

Steven: Die Welt ein bisschen schöner machen. Musik zu veröffentlichen schafft eine Verbindung zu Menschen auf der ganzen Welt. Man erlebt nicht nur einen emotionalen Rausch, wenn die Worte und die Musik in die Welt hinausgehen und andere Ohren erreichen, sondern die Verbindung zu den Menschen um einen herum, die einen dann unterstützen, schenkt einem auch Zufriedenheit. Man heilt zwar keinen Krebs, aber man schenkt der Welt etwas Wertvolles, Gutes und Inspirierendes.

Es ist ein Multimedia-Abenteuer… eine Kombination aus Musik, Kunst, Video und Grafikdesign, und wer weiß, was als Nächstes passiert? Es ist Ästhetik… ein ernsthaftes kreatives Unterfangen und eine Möglichkeit, Künstler zu werden und mit Jungs, die schon lange vor den gemeinsamen Musikaufnahmen deine Freunde waren, etwas Großartiges zu schaffen.

Aber es macht auch einfach nur Spaß. Wenige Dinge sind mit einer großartigen Pop-Single vergleichbar. Ehrlich gesagt. Wie zum Beispiel «She Bangs the Drums» von den Stone Roses. Ein großartiges Album aufzunehmen und es dann anzuhören, ist pure Freude. Man erschafft unsichtbare Welten, die nicht in Kilometern, sondern in Minuten gemessen werden. Und deine Fans und Menschen auf der ganzen Welt können in dieser Welt, die du für sie geschaffen hast, direkt neben dir leben.

John: Musik besänftigt das wilde Tier. Sie hat die Kraft, Menschen absolute Freude zu schenken, und genau das fehlt der Welt im Moment schmerzlich.

Foto mit freundlicher Genehmigung von HAUSPOINTS.

HAUSPOINTS

Ähnlich: Mark E. Smiths Space Kids aus Chorley, England, wollen die Viagra Boys in ihrem eigenen Spiel schlagen.

Interview:

Beschreiben Sie Ihre Herangehensweise an die Musik und wie Sie anderen erklären würden, wie Ihre Arbeit klingt.

Musik ist ein unberechenbares Phänomen und sollte mit äußerster Vorsicht betrachtet werden. Selbst gelegentlicher Konsum kann schwere manische Episoden und Störungen hervorrufen, und bei längerem Gebrauch können die Folgen tödlich oder noch schlimmer sein.

Wie sind Sie auf den Titel für Ihre Performance gekommen?

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Welche Künstler und Alben haben Ihren kreativen Werdegang am meisten beeinflusst?

Ich besitze einen Zettel aus der Zeit der Dezimalisierung der britischen Währung, der Anfang der 1970er Jahre an Ladenbesitzer verteilt wurde, mit der Aufforderung, alle außer Kurs gesetzten Schillinge entweder einer vorbeifliegenden Möwe oder einem Eimer mit rohen Eiern zuzuwerfen, je nachdem, was gerade zur Hand war.

Was ist das interessanteste, was momentan in der Musikindustrie passiert?

Ich weiß nicht, hat Coldplay ein neues Album veröffentlicht?

Wie sehen Sie die Entwicklung der Musikwelt in den nächsten fünf Jahren?

Wie in den meisten Branchen fließen die Gewinne typischerweise von denjenigen, die tatsächlich arbeiten und Musik schaffen, und werden an milliardenschwere Unternehmer und Aktionäre verteilt. Daher ist zu erwarten, dass dies häufiger vorkommen wird.

Wie hilft Ihnen Musik in diesen schwierigen Zeiten?

Das hilft gewiss nicht so viel wie viel Geld.

Foto mit freundlicher Genehmigung von Crucifera.

Kreuzblütler

Klingt wie: Eine düsterere, glitchigere, gotische Version von Garbage, wobei der Sound intensiver und experimenteller ist als Butch Vigs Arbeit hinter den Decks.

Interview:

Beschreiben Sie Ihre Herangehensweise an die Musik und wie Sie anderen erklären würden, wie Ihre Arbeit klingt.

Ich würde meinen Sound wohl als Gothic-Industrial-Pop-Rock beschreiben – «knirschende, ätherische Industrial-Musik für Spinnen». Industrielle «Hässlichkeit» vermischt sich mit ätherischen, «wunderschönen» Atmosphären und komplexen Melodien. Die Songstrukturen sind jedoch einprägsamer und stimmiger als typisch für diese Genres.

Jeder Song ist völlig anders, doch mein Album «Exostential» bildet eine zusammenhängende Reise. Es ist ein eindringliches Aufeinandertreffen von organischer Verletzlichkeit und schwerer, mechanischer Rüstung – ein klangliches «Exoskelett», das das Innere schützt. Aufgewachsen in ärmlichen Verhältnissen, baute ich mir zunächst eine Karriere im Branding, Marketing und Design auf, um mir Stabilität zu verschaffen. Diese Erfahrung prägt heute jeden visuellen und textlichen Aspekt meiner Musikprojekte. Sie beeinflusst meinen kreativen Prozess. Ich habe meine Musik schon immer auf akustischen Instrumenten mit Stift und Papier komponiert und DAWs oder Studioequipment nur selten benutzt, außer wenn mir Freunde es kurzzeitig liehen. Später, als ich mit der Produktion begann, musste ich diese technischen Fähigkeiten schnell weiterentwickeln.

Ich beginne jeden Track mit Klavier oder Akustikgitarre, bevor ich mich an den Computer setze. Mein Ziel ist es, traditionellen Akustik-Soul mit digitalen Elementen zu verbinden. Nachdem ich Melodien, Akkorde und Texte entwickelt habe, beginne ich mit der Produktion: Ich schreibe die Struktur auf, füge Synthesizer und Samples hinzu und experimentiere mit Texturen und Rhythmen. Ich verzichte auf Standard-Drumkits und schichte stattdessen bearbeitete Samples übereinander, um einen organischen Klang zu bewahren, selbst wenn der Song elektronischer wird.

Ich nutze Musik als Mittel der psychologischen Manipulation und setze komplexe Planung ein, um physische Erlebnisse zu schaffen. Ich erzeuge bewusst beklemmende Momente, bevor sie sich zu weiten, ätherischen Räumen entfalten und so psychologische Reaktionen auf die sich verändernde Umgebung hervorrufen. Dieser Ansatz wird besonders in Stücken wie «Pity» und «Labyrinth of Fools» deutlich.

Wie sind Sie auf den Titel für Ihre Performance gekommen?

Der Name Crucifera bezieht sich auf die Radnetzspinne. Neoscona Crucifera . Ich habe Insekten schon immer geliebt. Als Kind habe ich sie gesammelt, und selbst als Erwachsener bringe ich kein einziges um. Über die Jahre hatte ich drei Vogelspinnen als Haustiere, die erste habe ich nach ihrem Tod sogar ausgestopft. 2021, kurz nach meinem Einzug in mein eigenes Haus, freundete ich mich mit einer wunderschönen Radnetzspinne auf meiner Veranda an, die die Mücken fernhielt.

Aus Neugierde schlug ich ihre Taxonomie nach und bemerkte sofort ihren lateinischen Namen. «Crucifera» bedeutet «Kreuzträgerin» und bezieht sich auf die markante Zeichnung auf dem Rücken der Spinne. Ich bin fasziniert von Religionsgeschichte und Metaphern – die ich auch in meinen Texten verwende, obwohl ich mich eher als Gnostiker und spirituellen Menschen denn als Traditionalisten sehe. Die Bedeutung dieses Symbols berührt mich tief.

Für mich sind Spinnen wie winzige Landoktopusse. Sie handeln rein instinktiv, wollen einfach nur existieren und in Ruhe gelassen werden. Eine Spinne erlebt die Welt durch die Schwingungen ihres Netzes und des Bodens, anders als wir Menschen. Das ist eine wunderschöne Metapher für meine Wahrnehmung der Realität. Diese Verbindung inspirierte auch den Titel meines Debütalbums „Exostential“. Er verkörpert die Philosophie des Exoskeletts: die biologische Notwendigkeit, eine harte Außenhülle zu bilden, um einen verletzlichen, lebendigen Kern zu schützen. Ich bin ein überzeugter Existenzialist. Meine Musik handelt davon, das schwere Chaos vergangener Traumata, Trauer und Missbrauch zu überwinden und diese brutalen Schwingungen zu einem hoffnungsvollen Netz zu verweben. Es geht darum, eine Art Schutzpanzer zu erschaffen, um diesen göttlichen inneren Funken vor einer Welt zu bewahren, die unglaublich kalt sein kann.

Welche Künstler und Alben haben Ihren kreativen Werdegang am meisten beeinflusst?

Obwohl ich dieses Projekt (eher zufällig) ganz anders angegangen bin und keinem konkreten Plan gefolgt bin, möchte ich dennoch anerkennen, dass bestimmte Künstler meinen Sound und meine kreative Richtung beeinflusst haben. Als Hörer fühle ich mich seit jeher zur Gothic- und Industrial-Musik hingezogen. Meine Musik enthält Elemente, die an den aggressiven Industrial und Electronic Hard Rock von Skinny Puppy, Nine Inch Nails, Wumpscut, Marilyn Manson und PIG erinnern. Ich bewundere außerdem den wegweisenden Gothic Rock und Darkwave von Bauhaus, Sisters of Mercy, Christian Death und Switchblade Symphony sowie den düsteren Synth-Pop von And One. Darüber hinaus prägen Metal-Bands wie Pantera mein Verständnis von Intensität, und Ecstatic Fear inspiriert mich, in meiner Musik symphonische Atmosphären zu schaffen. Diese vielfältigen Einflüsse formen meinen Ansatz, wenn auch unbeabsichtigt, und bilden so einen reichen Hintergrund für die Einzigartigkeit meiner Musik.

Nun zu den Künstlern, die ich liebe und die vielen bekannt sein dürften: Seit meinem dritten Lebensjahr war ich von der Musik der 80er und später von Alternative-Musik der 90er begeistert. Ich war schon immer Fan von The Cure, Depeche Mode und Prince, aber auch von Bush (besonders von „Razorblade Suitcase“), Hole und Nirvana. Frauen wie Madonna, Cyndi Lauper, Stevie Nicks und Dolores O'Riordan von The Cranberries haben mich definitiv inspiriert.

Es gibt heutzutage nicht viele Künstler, die mich wirklich berühren, aber ich habe unheimlich viel Respekt vor denen, die es schaffen: unglaubliche Frauen wie Halsey, Bishop Briggs und Lady Gaga, und ich verehre Bright Eyes. Ich respektiere diese Künstlerinnen, weil sie ihre eigene kreative Richtung bestimmen, ihre eigene Musik schreiben und als Instrumentalistinnen ihre eigenen visuellen und klanglichen Welten erschaffen. Genau so arbeite ich auch als Soloproduzentin und achte auf jede Frequenz und jedes Pixel der Übertragung. Man merkt, wenn eine Künstlerin etwas wirklich fühlt, in ihrer Stimme und ihren Augen. Dieser wunderschöne Schmerz wird selten und wird technischer Perfektion oder dem Image geopfert. Ich bewundere zutiefst, wie sie ihre kreative Richtung mutig vertreten, ihre Wahrheit schreiben und ganze Welten aus ihren Visionen formen. Inspiriert von ihrem Engagement bringe ich dieselbe Intensität in mein Leben als Soloproduzentin ein und leite jeden Aspekt meiner Projekte mit Überzeugung.

Was ist das interessanteste, was momentan in der Musikindustrie passiert?

Das Spannendste im Moment ist das kreative Wiederaufleben düsterer Musik, die kompromisslos menschlich und roh ist. Mir fallen immer wieder Stücke mit Gothic- und Industrial-Einflüssen auf. Früher hätte ich diese Klänge im Mainstream nie gehört. Manche alteingesessene Goths mögen das vielleicht einschränken wollen, aber ich begrüße es. Diese Welt gehört der Zukunft, und wir müssen in jeder Hinsicht, auch künstlerisch und kreativ, nach den bestmöglichen Bedingungen streben, damit zukünftige Generationen ungehinderten Zugang haben. Wir erleben einen Wandel hin zu unverfälschter, emotionaler Musik. Sie ist das perfekte Gegengewicht zu der Befürchtung, KI habe die Musikindustrie «bereinigt». Indem ich digitale Architektur mit meinen akustischen Wurzeln verbinde, versuche ich, einen bodenständigeren, menschlicheren Zugang zur Musik zu schaffen. Ich hoffe, viele werden meinem Beispiel folgen. Es beweist, dass, auch wenn sich die Instrumente ändern, der Kern eines Songs eine reine, unverfälschte menschliche Botschaft bleiben sollte.

Wie sehen Sie die Entwicklung der Musikwelt in den nächsten fünf Jahren?

Ich sehe die nächsten fünf Jahre geprägt von einer globalen Bewegung hin zu interdisziplinärer Unabhängigkeit. Authentizität wird zum wichtigsten Wert werden. Mit der zunehmenden Verbreitung von KI wird auch der Wert des einzelnen Künstlers steigen, der von der ersten handgeschriebenen Klaviernote bis zur finalen Masteraufnahme alles selbst gestalten kann. Von meinem Heimstudio in New Jersey aus möchte ich angehende Musiker inspirieren. Ich möchte ihnen zeigen, dass man weder ein großes Label noch ein riesiges Budget braucht, um ein wirklich immersives, erstklassiges Erlebnis zu schaffen.

Ich glaube, wir bewegen uns hin zu einer «organisch-digitalen Hybridform», in der Technologie den menschlichen Geist bereichert, anstatt ihn zu ersetzen. Mein Plan für die nächsten Jahre spiegelt diesen Wandel wider. Ich veröffentliche noch dieses Jahr eine EP und arbeite an Songs für fast zwei Alben. Außerdem möchte ich meine Präsenz in der Szene durch Kollaborationen mit anderen unabhängigen Gothic- und Industrial-Künstlern ausbauen. Das umfasst alles von Songwriting und Gastgesang bis hin zu Live-Auftritten und Remixen. Letztendlich sehe ich die Musikindustrie auf eine «große Dezentralisierung» zusteuern. Kreative Souveränität wird der einzige Weg sein, eine unverfälschte Verbindung zum Publikum aufrechtzuerhalten.

Wie hilft Ihnen Musik in diesen schwierigen Zeiten?

Für mich ist Musik Therapie, Überleben und spirituelle Weiterentwicklung. 26 Jahre lang habe ich meine Karriere als Designerin aufgebaut, nur um zu überleben. Endlich das Risiko einzugehen und diese verletzliche Seite von mir zu zeigen, bedeutet mir alles. In einer Welt, die immer schwieriger erscheint – in der wir mit dem Lärm des Krieges, systemischer Negativität und einem allgemeinen Mangel an Empathie bombardiert werden – ist Musik für mich ein Weg, all das zu verarbeiten. Sie ist ein Medium, mit dem ich Trauer, Verlust und die Isolation der Entfremdung in etwas Wertvolles verwandeln kann.

Ich erinnere mich noch genau daran, wie schwer es war, als junge Frau zu kämpfen – nicht nur ums physische Überleben, sondern auch, weil ich mich in einer Welt voller Menschen, die sich nur für Oberflächlichkeiten zu interessieren schienen, völlig verloren fühlte. Es kann ein sehr einsamer Zustand sein, den Schmerz der Welt tief zu spüren und gleichzeitig in jedem noch so kleinen Detail Schönheit zu entdecken. Ich hoffe, meine Musik findet Anklang bei all jenen, die gerade dieselbe Dunkelheit erleben. Besonders denke ich an junge Frauen, denn viele ihrer Idole kratzen in ihren Texten nur an der Oberfläche von Beziehungen, Sex oder Liebe. Ich möchte ihnen zeigen, dass es tiefere, komplexere Wege gibt, ihre Realität zu verstehen und ihre Stimme zu finden. Meine Kunst ist mein Schutzschild, ein Halt, wenn die Welt ihre Menschlichkeit zu verlieren scheint, und ich hoffe, sie hilft anderen, die Kraft zu finden, ihre eigene zu erschaffen.

Foto mit freundlicher Genehmigung von Chavar Donte.

Chavar Dontey

Klingt wie: Kosmopolitischer Indie-Soul aus dem Herzen von Echo Park, im Geiste von Nourished by Time und Twin Shadow.

Interview:

Beschreiben Sie Ihre Herangehensweise an die Musik und wie Sie anderen erklären würden, wie Ihre Arbeit klingt.

Mein Zugang zur Musik ist, ich selbst zu sein – ehrlich, verletzlich und einfach das einzufangen, was ich höre. Musik besteht für mich aus vielen Schichten und wie diese zusammen eine Geschichte erzählen. Ich betrachte jeden Song wie einen Film. Meistens spiele ich alle Instrumente selbst, aber manchmal arbeite ich mit Songwritern an von mir geschriebenen Parts zusammen. Das war schon immer so. Zu Beginn meiner Karriere spielten einige meiner Bandkollegen aus dem College auf dem, was ich «das verlorene Album» nenne (ich habe die Festplatten verloren), und ich plane, irgendwann etwas Ähnliches zu machen.

Ich hatte außerdem das Glück, in der Postproduktion mit einigen fantastischen Leuten zusammenzuarbeiten. Alle meine Songs habe ich mit meinem guten Freund Dylan im Portia Street Studio in Echo Park fertiggestellt. Dylan Ely mischt die Songs, und wir nehmen beide Musik auf – teils dort, teils in meinem eigenen Studio. Steve «B» Baughman übernimmt das Mastering und den Feinschliff. Für die Grafiken und Animationen arbeite ich mit Seffan Hale «TrippieSteff» zusammen – wir sind ein richtig gut eingespieltes Team.

Ich beschreibe meine Musik als eine genreübergreifende, sich stetig weiterentwickelnde, filmische Reise – einen vielschichtigen Soundtrack zu den Geschichten und Emotionen hinter jedem Song. Genretechnisch bin ich von so vielen Musikrichtungen beeinflusst, dass ich mühelos zwischen Jazz und Klassik, aber auch zwischen New Wave, Industrial, elektronischer Musik, Rock und Soul wechsle.

Der Song “I've Got My Mind Made Up” klingt nach Alternative Pop/Alternative R&B/Atmospheric Electro-Pop. Ehrlich gesagt, fällt es mir immer schwer, das Genre meiner Musik zu definieren, weil sie so viele Nuancen hat, die sie einzigartig machen. Ich könnte mir zum Beispiel vorstellen, mit Dijon, Blood Orange, Mk.gee und Clairo auf Tour zu gehen. Es wäre auch cool, mit Thievery Corporation und Nourished By Time die Bühne zu teilen.

Ich war jetzt schon zweimal mit Thievery Corporation backstage – ihr Tourmanager Jeffrey Travatan ist ein guter Freund und ein fantastischer Tourmanager. Im Tourbus hatte ich mit ihrem Bassisten Dan Africano ein tolles Gespräch über mechanische Uhren. Es sind Momente wie diese, die mich inspirieren und die Idee, gemeinsam auf Tour zu gehen, für mich besonders bedeutsam machen.

Wie sind Sie auf den Titel für Ihre Performance gekommen?

Chavar Dontey ist mein Vor- und Zweitname; so nennt mich meine Familie schon mein ganzes Leben lang. Der Legende nach hat meine Tante mir diesen Namen gegeben, obwohl ich mir da nicht ganz sicher bin.

Welche Künstler und Alben haben meinen kreativen Werdegang am meisten beeinflusst?

Ich wurde in meiner Jugend stark beeinflusst. «Purple Rain» и «Thriller» . Die Bildsprache der Prince- und Michael-Jackson-Veröffentlichungen war einfach atemberaubend. Kraftwerk, Duran Duran, Wham!, Culture Club, Thomas Dolby, Zapp & Roger, Run DMC, LL Cool J, die Beastie Boys, die Jackson 5, Al Green und Marvin Gaye. Vieles davon habe ich von meiner Familie gelernt. Als ich mit dem Gitarrespielen anfing, entdeckte ich Jimi Hendrix, Sly and the Family Stone, Nirvana, Rage Against the Machine, Radiohead, A Tribe Called Quest, 2Pac, Biggie, Wes Montgomery, Pat Metheny, Jim Hall, Bill Frisell, Maurice Ravel und unzählige andere.

Was ist das interessanteste, was momentan in der Musikindustrie passiert?

Ich glaube, die Leute sehnen sich nach Authentizität in der Musik, und als jemand, der immer seinen eigenen, authentischen Weg gegangen ist, freue ich mich riesig darüber. Es ist toll zu sehen, wie die Leute Vinyl, CDs und andere physische Tonträger von Künstlern kaufen und Konzerte besuchen, um eine tiefere Verbindung zur Musik und den Bands aufzubauen. Ich finde es auch faszinierend, wie Indie-Künstler Wege finden, direkt mit ihren Fans in Kontakt zu treten – wie zum Beispiel das frühe algorithmische Wachstum und die vielen Speichervorgänge, die wir bei dieser neuen Single beobachten.

Wie sehen Sie die Entwicklung der Musikwelt in den nächsten fünf Jahren?

Ich beobachte, dass immer mehr Bands und Musikfans alternative Auftrittsorte und direkten Zugang zu ihren Fans finden. Das heißt nicht, dass traditionelle Wege verschwinden werden, aber unkonventionelle Methoden werden Tourneen zugänglicher machen und es den Bands ermöglichen, ihren Lebensunterhalt zu verdienen. Die Dinge verändern sich gerade rasant, aber ich denke, dass Künstler und Bands, die live auftreten, durch eine authentische Verbindung zu ihrem Publikum die Chance haben, langfristig erfolgreich zu sein.

Wie hilft Ihnen Musik in diesen schwierigen Zeiten?

Musik war schon immer ein fester Bestandteil meines Lebens, bis ins Mark. Sie gibt mir Sinn und inneren Frieden. Songs fertigzustellen kann manchmal etwas quälend sein – aber es ist ein unbeschreibliches Gefühl der Erfüllung. Ich kann mir mein Leben ohne Musik nicht vorstellen. Nachrichten darüber zu bekommen, wie meine Musik anderen hilft, macht alles wett. Es ist unglaublich, Fotos von Leuten zu sehen, die meine Texte auf ihre Jeans schreiben. Mir ist es so wichtig, diese Songs so vielen Menschen wie möglich zugänglich zu machen. Ich glaube, so viele Menschen brauchten diese Songs, um mit ihren Problemen fertigzuwerden, genau wie ich damals und immer noch brauche.

Foto mit freundlicher Genehmigung von Moondrive.

Moondrive

Klingt wie: Eine Lo-Fi-Synthie-Symphonie, überlagert von sich langsam entwickelndem elektronischem Pop, der sich wie eine verlorene Übertragung anfühlt, verloren in der Atmosphäre.

Interview:

Beschreiben Sie Ihre Herangehensweise an die Musik und wie Sie anderen erklären würden, wie Ihre Arbeit klingt.

Ich bin fasziniert von Gegensätzen. Eleganz trifft auf dunkle Geheimnisse: Alles ist sichtbar, wenn man genau hinsieht. Ich finde, das ist eine treffende Analogie für ein Lebewesen, den Alltag, das Leben selbst, die Gesellschaft als Ganzes. Ehrlich gesagt, beschreibe ich meine eigenen Kunstwerke nicht gern. Ich war immer der Meinung, dass, wenn es nötig ist, entweder die Kunst schwach ist oder man das falsche Publikum anspricht. Und wenn ein Werk beides besteht, dann stellt sich vielleicht die Frage: Wie kann ich das beantworten? Das wäre schrecklich.

Wie bist du auf den Titel für dein Album gekommen?

Bezüglich des Albumtitels Alles, was verschwunden ist Es ist im Grunde eine Sammlung von Perspektiven, Menschen, Eindrücken, Gedanken, Beobachtungen und Betrachtungen über alles Mögliche. Und die meisten davon sind verschwunden – nicht unbedingt in der Vergangenheit, einfach weg. Ich scherze gern, dass es das genaue Gegenteil eines Konzeptalbums ist. Es gibt kein anderes Konzept als Geburt, Tod und das, was dazwischen liegt, davor und danach. Oder vielleicht ist das ja gerade das Konzept, da es scheinbar alles umfasst. Eine tolle Ausrede, nicht wahr?

Welche Künstler und Alben haben Ihren kreativen Werdegang am meisten beeinflusst?

Ich höre alles Mögliche, aber als ich ernsthaft mit dem Schreiben dieses Albums begann, hatte ich eine klare Richtung: klassische zeitgenössische Musik, Orchesterarrangements, Popsänger, elektronische Avantgarde, experimentelle Musik. Diese Kombination schien mir die richtige Sprache für das zu sein, was ich ausdrücken wollte. Zum ersten Mal suchte ich nicht gezielt nach Inspiration in bestimmten Platten – sie ergab sich einfach im Laufe meines Lebens, durch Tausende von Alben hindurch. Ich musste nur den Anweisungen folgen. Es war seltsam. Ich glaube, ich hatte Glück – ich begann wieder Freude am Musikhören zu finden, weil ich nicht mehr das Bedürfnis verspürte, mich von anderen inspirieren zu lassen.

Was ist das interessanteste, was momentan in der Musikindustrie passiert?

Ehrlich gesagt habe ich in letzter Zeit nicht viel neue Musik gehört. Vieles davon wirkt auf mich eintönig – immer die gleichen Klangfarben, die gleichen Strukturen, die gleiche Stimmung. Am interessantesten finde ich aber, dass es immer noch Künstler gibt, die sich dem Wettbewerb verweigern, die am Rande arbeiten und gerade deshalb so interessant sind, weil sie nicht um einen Platz im Zentrum kämpfen. Die eigentliche Arbeit findet im Hintergrund statt.

Wie sehen Sie die Entwicklung der Musikwelt in den nächsten fünf Jahren?

Künstliche Intelligenz. Das ist die Kurzfassung. Musikmachen wird so einfach, dass es jeder kann – es ist bereits möglich und wird nur noch einfacher werden. Ich denke, zwei Dinge werden wichtig sein: die Fähigkeit, live Musik zu machen, denn die Menschen werden weiterhin eine emotionale Verbindung zu einem echten Menschen auf der Bühne suchen oder zu einem Idol, von dem sie träumen und das sie mit anderen teilen können. Wir bewegen uns auf eine Welt zu, in der die wichtigste Fähigkeit die künstlerische Leitung sein wird – zu wissen, was man erschaffen will, den Geschmack zu haben, es zu formen, und den Mut zu besitzen, sich in der Arbeit zu zeigen und zu sagen: «Das möchte ich ausdrücken.» Die Maschine wird den Rest erledigen. Die Frage ist, ob das Befreiung oder Kapitulation sein wird. Ich weiß es noch nicht.

Wie hilft Ihnen Musik in diesen schwierigen Zeiten?

Ich hoffe es.

Foto mit freundlicher Genehmigung von Pryti.

Preeti

Es klingt ungefähr so: Eine faszinierende Mischung aus Alternative Metal im Stil der Deftones und von Halsey inspiriertem Pop, die ein einzigartiges Crossover-Projekt hervorbringt.

Interview:

Beschreiben Sie Ihre Herangehensweise an die Musik und wie Sie anderen erklären würden, wie Ihre Arbeit klingt.

Ich schreibe Musik für Menschen, die in keine Schublade passen, und das war schon immer der Kern meiner Musik. Ich versuche nicht, jemand zu sein, der ich nicht bin, sondern konzentriere mich einfach auf das, was aus mir herauskommt. Die neuesten Trends interessieren mich nicht; ein Gitarrenakkord ist in einem Song, weil er mich berührt hat. Er soll mich bewegen. Mein Sound ist melancholisch, filmisch, düster und doch hoffnungsvoll. Meine Musik vereint Elemente aus Alternative, Emo und Metal mit elektronischen Einflüssen. Sie enthält auch Elemente aus Metalcore und Post-Hardcore.

Wie sind Sie auf den Titel für Ihre Performance gekommen?

Es war eine ganz einfache Entscheidung, mein Name ist Priti.

Welche Künstler und Alben haben Ihren kreativen Werdegang am meisten beeinflusst?

Linkin Park hat mich in der High School an Metal herangeführt. Hybrid Theory Album Das Album erschien, als ich Teenager war, und es veränderte alles für mich. Ich liebe Popmusik, aber sie hat mich nie wirklich gepackt, doch dieses Album schaffte es. Deftones hatte auch einen großen Einfluss auf die kreative Ausrichtung meiner Musik. Die Melancholie des Albums Sich tastend der Ekstase nähern Sarah McLachlan hat mich berührt. Finch – Was es heißt zu brennen , Staind – 14 Graustufen . Ich höre auch viel Metalcore. Das erste Album war Bury Tomorrow., Porträts, Das Album wurde von meinem Produzenten Justin Hill produziert. Ich war total begeistert davon und wollte unbedingt mit ihm zusammenarbeiten. Seitdem ich Musik mache, produziert er meine gesamte Musik. Saosins selbstbetiteltes Album war schon immer eines meiner Lieblingsalben; es ist gefühlvoll und einprägsam. John Mayer hat mich als Songwriter sehr beeinflusst; die Qualität seiner Texte ist fantastisch. Obwohl sich sein Stil stark von meinem unterscheidet, möchte ich mich als Songwriter immer weiterentwickeln.

Was ist das interessanteste, was momentan in der Musikindustrie passiert?

Ich bin total begeistert vom aktuellen Rock- und Metal-Revival. Es war zwar schon immer da, aber wie alles andere wird auch diese Branche von Trends bestimmt, und wir setzen unsere eigenen Trends.

Wie sehen Sie die Entwicklung der Musikwelt in den nächsten fünf Jahren?

Ich glaube, Talent wird wieder einmal der entscheidende Faktor sein. Ich denke, es wird noch mehr Widerstand gegen künstliche Intelligenz und Unternehmen geben, die mit KI-generierten Musiktiteln auf digitalen Plattformen Geld verdienen. Die Musikindustrie wird sich angesichts der aktuellen globalen Lage ständig anpassen müssen, denn werden groß angelegte Tourneen bekannter Künstler angesichts steigender Energiepreise im Falle einer langfristigen Knappheit überhaupt noch möglich sein?

Wie hilft Ihnen Musik in diesen schwierigen Zeiten?

Ich liebe Musik so sehr, dass ich Bands und Künstler habe, die mich aufmuntern und mir helfen, schwierige Situationen zu bewältigen. «An Ending in Itself» von Sleeping with Sirens kam genau zum richtigen Zeitpunkt; es ist erstaunlich, wenn solche Zufälle passieren. Ich höre auch sehr gerne Bhajans und Mantras (oder, wie ich sie nenne, Mantras). Ich habe festgestellt, dass sie mir helfen, ruhig zu bleiben.

Foto mit freundlicher Genehmigung von Thirsty Curses.

Durstig nach einem Fluch

Sieht aus wie etwas dazwischen Wärmebehandlung von Graham Parker und The Rumour und Schmerzlindernd Von Onkel Tupelo, dem Geburtsort des College-Radios, Raleigh, North Carolina.

Interview (Frontmann Wilson Getchell antwortet):

Beschreiben Sie Ihre Herangehensweise an die Musik und wie Sie anderen erklären würden, wie Ihre Arbeit klingt.

Die Musik von Thirsty Curses umfasst ein breites Spektrum an Genres, lässt sich aber im Allgemeinen dem Rock 'n' Roll zuordnen.

Der Musikjournalist Jeff Yerger schrieb einmal sinngemäß: «Thirsty Curses hat einen rauen, von Indie-Rock der 80er Jahre inspirierten Sound, als ob The Replacements mehr Klavier hätten.» Diese Beschreibung hat mir immer gefallen.

Thirsty Curses haben einen rauen Rock-'n'-Roll-Sound, der Punk, Power-Pop, Alternative Country, Grunge und Progressive Rock vereint. Viele ihrer Songs weisen deutliche Punk-Einflüsse auf. Neben The Replacements haben wir auch Compilations mit den Dresden Dolls, Elvis Costello, Marshall Crenshaw, The Old 97s, The Hold Steady, Jeff Rosenstock, Ramshackle Glory und Queen gehört.

Man sagt mir auch oft, dass meine Stimme wie die von Adam Duritz klingt. (Wir haben auch schon ein paar Vergleiche mit Tom Petty gehört, aber ich vermutete immer, dass das nur an meinen blonden Haaren lag.).

Ich bin mit viel Musik der 60er und 70er Jahre aufgewachsen, was meinen Songwriting-Stil stark beeinflusst hat. Obwohl ich uns nie mit den Beatles oder den Beach Boys vergleichen würde, hatten diese beiden Bands definitiv einen großen Einfluss auf mein Schreiben und den Sound von Thirsty Curses.

Wie sind Sie auf den Titel für Ihre Performance gekommen?

Ich scherze schon seit Jahren darüber, «"Durstig nach Fluch"» — Es ist im Grunde eine witzige Art zu sagen «"Alkoholismus"» . Aber das ist noch nicht alles.

Name Durstige Flüche spiegelt wider, wie Verlangen, Appetit, Angst usw. uns zu dem hinziehen, was wir zu brauchen glauben, aber oft auch den Keim unserer eigenen Zerstörung in sich tragen. Durstige Flüche — Dies bezieht sich auf jene Verhaltensmuster, die uns unser ganzes Leben lang verfolgen und gegen die wir uns nur vergeblich wehren (oder die wir offen akzeptieren).

Der Titel „Thirsty Curses“ passt perfekt zu diesem Projekt und spiegelt die zugrundeliegende Philosophie wider. Viele der Lieder von Thirsty Curses vereinen Heiterkeit und Verzweiflung, oft durchzogen von einem Hauch existenzieller Krisen. Doch es herrscht auch eine bemerkenswerte Gleichgültigkeit gegenüber Widrigkeiten, gepaart mit einem ironischen Optimismus und Humor.

Auch wenn vielen der Lieder sicherlich ein Hauch von pessimistischem Fatalismus (oder Realismus, je nachdem, wen man fragt) innewohnt, so gibt es doch auch einen guten Sinn für Humor und ungezügelten Spaß.

Welche Künstler und Alben haben Ihren kreativen Werdegang am meisten beeinflusst?

Punkrock hat mein Songwriting über die Jahre definitiv stark beeinflusst. Als ich mit der Musik anfing, hörte ich hauptsächlich Punkbands. In der High School war ich total begeistert von Operation Ivy, Less Than Jake, Crass, den Dead Kennedys, Against All Authority und so weiter. Aber für mich gibt es die Beatles, Brian Wilson und dann alle anderen.

Seit Pet Sounds bin ich vor ein paar Jahren total von Brian Wilson und den Beach Boys begeistert. Ich war schon immer ein Beach-Boys-Fan, aber bis vor Kurzem habe ich ausschließlich ihre Musik gehört. Tiergeräusche . Alben Freunde , Liebe dich , Erwachsener/Kind и Lächeln Die Songs von Brian Wilson sind zu meinen Favoriten geworden und haben wahrscheinlich einen erheblichen Einfluss auf mein aktuelles Songwriting gehabt.

Zu meinen Lieblingsbands und Einflüssen im Laufe der Jahre gehören unter anderem Modest Mouse, Deer Tick, The Replacements, The Silver Jews, Dresden Dolls, Ramshackle Glory, Wilco, The Old 97s, Guided by Voices, Bomb the Music Industry, Ween, Jonathan Richman, Sonic Youth, Velvet Underground usw.

Mein Album des Jahres 2024 war Die Vergangenheit lebt noch. Gruppe Hurray for the Riff Raff (der zweite Platz wurde belegt von Manning Feuerwerk (von MJ Lenderman) (Ich komme auch aus North Carolina!).

Mein Album für 2026 war West End Girl Lily Allen. Ich bin vor Kurzem auf eine eher unbekannte, aber echt coole Indie-/Punkband namens Ugly Cowboys gestoßen. Die sind der Hammer! Hört euch mal ihren Song «Nancy» an.

Was ist das interessanteste, was momentan in der Musikindustrie passiert?

Das Comeback physischer Tonträger (Schallplatten, Kassetten und CDs) ist ein wirklich spannendes Phänomen. Ich war überrascht, wie viele Studenten heutzutage CDs kaufen. Mit so einer Entwicklung hatte ich definitiv nicht gerechnet. Natürlich scheint dieser Anstieg der Käufe physischer Musik hauptsächlich auf Musikliebhaber beschränkt zu sein, aber es ist trotzdem eine erfreuliche Entwicklung.

In den letzten Jahren ist mir aufgefallen, dass sich ein beträchtlicher Teil der Öffentlichkeit nach anspruchsvoller und authentischer Musik sehnt. Vielleicht ist dies teilweise eine Reaktion auf die minderwertige Musik, die von KI erzeugt wird. Das ist jedoch nur eine Vermutung und wird durch keine Daten gestützt.

Doch einzelne Geschichten, die hier und da verstreut sind, wecken Optimismus. Ich war beispielsweise schon vor seinem Tod im letzten Jahr von Brian Wilsons Werk fasziniert. Umso überraschter war ich von der Welle der Beileidsbekundungen, Danksagungen und Ähnlichem aus allen Gesellschaftsschichten, sowohl aus dem realen Leben als auch von TikTok.

Wenn wir es schaffen, dass die Kids wieder öfter in Rock'n'Roll-Bars abhängen und mehr trinken, dann geht es uns wirklich wieder besser.

Wie sehen Sie die Entwicklung der Musikwelt in den nächsten fünf Jahren?

Ehrlich gesagt, ich habe keine Ahnung, aber es ist klar, dass die Welt der Musik und die «Musikindustrie» (Musikkartell?) in naher Zukunft vor vielen Problemen und Herausforderungen stehen, und die offensichtlichste und dringlichste davon ist die Entwicklung künstlicher Intelligenz.

Ich würde gern glauben, dass die meisten Menschen so eine fade, seelenlose Musik nicht hören wollen. Andererseits habe ich in den letzten Jahren festgestellt, dass ein Großteil der von Menschen produzierten Mainstream-Musik ziemlich seelenlos und bedeutungslos geworden ist. Den meisten Musikkonsumenten ist es mittlerweile egal, ob ihre Lieblingskünstler ihre Songs selbst schreiben oder ihre Instrumente selbst spielen. Es spielt im Grunde keine Rolle mehr. Daher bin ich nicht allzu optimistisch, dass die Öffentlichkeit maschinell erzeugte Musik ablehnen wird. Gleichzeitig habe ich zwar einen gewissen Widerstand gespürt, den ich vorhin erwähnt habe, aber ich bin mir nicht sicher, ob er einen allgemeinen Trend widerspiegelt. Vielleicht ist es einfach ein Phänomen der Gegenkultur. Wir werden sehen.

Ich weiß, dass es immer Musiker geben wird, die nach Kreativität streben, und ein Publikum, das sich nach anspruchsvoller, inspirierender und authentischer Musik sehnt. Ich weiß nur nicht, wie groß der Anteil von KI und Co. an der Musikwelt sein wird. Ich weiß, dass es nicht die gesamte Musikwelt betreffen wird und dass es am Ende vielleicht nur ein sehr kleiner Anteil sein wird. Ich weiß auch, dass ich ohnehin wenig daran ändern kann, außer einfach weiterzumachen. Also werde ich weiterhin Musik machen und auf das Beste hoffen (und jede Gelegenheit nutzen, mich über KI-generierte Musik lustig zu machen).

In unserer neuen Single «Starting to Remember How Much I Forgot» gibt es eine Zeile, die sich so passend anfühlt: «Wir müssen einfach abwarten und sehen, wie alles endet. Wir müssen einfach abwarten und sehen, wo wir landen, wenn wir ankommen.».

Wie hilft Ihnen Musik in diesen schwierigen Zeiten?

Das Songschreiben war für mich schon immer therapeutisch und ein Weg, Probleme in meinem Privatleben und der Welt um mich herum zu verarbeiten. In den letzten Jahren ist mir aufgefallen, dass sich immer mehr meiner Lieder mit Letzterem beschäftigen. Ich habe schon seit Längerem das Gefühl, dass die Gesellschaft aus den Fugen gerät.

Ein paar Tracks aus unserem kommenden Album ’Thirsty Curses“ Frank-N-Stein — Dies sind im Wesentlichen meine Versuche, die Unsicherheit und das Chaos unserer Zeit zu verstehen (zum Beispiel «Starting to Remember How Much I Forgot», «Fifths/Minors», «Dramatic Moments»). Vom vorherigen Album ( «Musik ist Betrug“ »Die Lieder «Bombs Away», «Foot in the Door» und «Reading & Writing» berühren ähnliche Themen.

Ich empfinde Musik auch als etwas Transzendentes und Zeitloses. In diesem Sinne dient Musik als eine Art Anker oder Stütze, wenn alles andere instabil erscheint.

Musik gibt mir etwas Sinnvolles und Positives, worauf ich mich konzentrieren kann. Sie ist ein gesunder Anker. Je mehr ich mich mit Musik beschäftige und mich ihr widme, desto weniger neige ich zu selbstzerstörerischem Verhalten.

Grover Die Plattform vernetzt unabhängige Künstler mit Branchenprofis der Musikindustrie, um deren Karrieren zu beschleunigen. Ihr Ziel ist es, unabhängige Künstler zu fördern, indem sie ihnen eine Plattform bietet, die sie mit Top-Kuratoren, Radiosendern, Medien, Labels und anderen Branchenexperten verbindet und ihnen so Zugang und Sichtbarkeit garantiert.

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