Ouça agora: junho de 2026

Now Hear This é uma série mensal para olheiros de talentos, onde apresentamos novas e empolgantes tendências musicais descobertas através da nossa plataforma inovadora de descoberta musical, Groover.

Todos os meses, você encontrará uma seleção diversificada de músicas de uma ampla variedade de artistas de todo o mundo, independentemente do gênero ou da localização geográfica.

Mais da Spin:

• O Weezer anunciou seu 20º álbum com uma faixa que conta com a participação de Wednesday.

• Michael Stipe estreou sua música tema "Rooster" no programa Kimmel Live.

• Sara Bareilles voltou "para casa" com um novo álbum.

Em junho, a SPIN selecionou 16 artistas que merecem sua atenção, incluindo o country gótico sombrio do Orange Animal, o indie pop extremamente cativante do Queen Anne, a música evocativa para piano de Sherif Dahroug, o blues acústico moderno de Paul Louis Villani, o pop psicodélico neon do South of France, o rock alternativo arrebatador do JRNXLST, o new jack swing punk do Gabagool, o hip-hop consciente e inspirado na ioga do Flowanda, o country à la Dylan do Carson Bull, o indie blues-punk nebuloso do The Hedgehogs, o pós-punk ousado de Chorley do Hauspoints, o pop industrial gótico do Crucifera, o indie soul cosmopolita do Chavar Dontae, a música synth lo-fi do Moondrive, o pop metálico sombrio do Pryti e o country alternativo energético do Thirsty. Curses.

Quem sabe, talvez sua próxima obra favorita esteja a apenas alguns passos de distância.

Foto cedida pela Orange Animal.

Animal laranja

Parece que: Uma balada country sombria e gótica no estilo de Nick Cave and the Bad Seeds. Era do álbum The Boatman's Call .

Entrevista:

Descreva sua abordagem à música e como você explicaria aos outros a sonoridade do seu trabalho.

A música começa com um som, um sentimento, ou simplesmente uma frase que não consigo parar de repetir na minha cabeça. Por exemplo, nossa música "Hold On", que será lançada em 26 de junho junto com o EP completo, começou apenas com o som de um violão específico (um Orangewood com ponte de borracha), e a música simplesmente aconteceu.

No geral, eu descreveria nosso som como rock e folk de motel. Tem elementos de blues/rock com uma pegada áspera e noturna.

Como você chegou ao título da sua apresentação?

Eu queria um nome que não revelasse nada sobre o que esperar. Queria liberdade musical e na composição. Então escolhi minha cor favorita, laranja, e, bem, adicionar a palavra "animal" só tornou tudo um pouco mais vibrante.

Quais artistas e álbuns tiveram a maior influência na sua direção criativa?

Leonard Cohen, Miles Davis e Led Zeppelin tiveram um papel fundamental na minha percepção e no meu pensamento sobre música. Em relação ao nosso próximo EP e ao seu primeiro single, "Place for Me", eu diria que Bonnie "Prince" Billy e Feist também contribuíram.

Qual é a coisa mais interessante acontecendo na indústria da música neste momento?

Música ao vivo é tudo e qualquer coisa. Clubes, bares, bandas em turnê, grupos locais — o que você imaginar. São lugares onde a música simplesmente tem lugar. Onde você pode vivenciá-la.

Não me interpretem mal, existem muitos elementos incríveis e infinitamente poderosos na música gravada e no processo de gravação.

Mas é a música ao vivo que dá vida a essa arte humana, enérgica e desenfreada.

Como você vê o desenvolvimento do mundo da música nos próximos cinco anos?

Inicialmente, havia uma preferência por música gerada por IA. Depois, veio uma rejeição rebelde a ela por completo.

Como a música te ajuda nesses momentos difíceis?

Isso me permite simplesmente ser eu mesma. Me força a ser honesta comigo mesma. E me dá o privilégio de criar ao lado de pessoas verdadeiramente incríveis.

Meus companheiros de banda, Bill Derivan e Adam Thurman, são músicos incrivelmente talentosos. Eles estão comigo há dez anos. São como família para mim.

E em nosso último single, "Place for Me", tive a sorte de trabalhar com a incrivelmente talentosa cantora Autumn Traub, que deu vida à música. E o pianista Rob Kovacs capturou perfeitamente a profundidade sonora que eu buscava.

A música realmente se tornou minha salvação.

Foto cedida pela Administração da Rainha Ana.

Rainha Ana

Parece que: Indie-pop afiado e cativante, com a pegada rock de The Waitresses e o brilho de Olivia Rodrigo.

Entrevista: (Respostas de Katie e Sandy)

Descreva sua abordagem à música e como você explicaria aos outros a sonoridade do seu trabalho.

Tenho uma mentalidade do tipo "esta reunião poderia ser um e-mail" quando se trata de músicas. Por exemplo, se uma música pudesse ser um conto, escreva um conto. Se pudesse ser uma entrada de diário, escreva um diário. Mas algumas músicas são feitas para serem músicas, e eu tento escrever esse tipo de música. E espero que isso se reflita no nosso som: se você ler apenas a letra ou ouvir apenas a versão instrumental, pode se enganar sobre o que a música realmente significa, porque uma música é sobre a interação entre esses dois elementos. Uma das razões pelas quais uma música deve ser uma música é que ela pode ter muitas camadas — em sua composição, em seu som, no significado das palavras. E, ao contrário de um poema, onde você pode se deitar com um verso, analisá-lo e depois passar para o próximo, uma música te força a escolher um fio condutor e segui-lo. Por isso, é importante para o nosso som que tenhamos várias linhas narrativas – na percussão, na linha de baixo, na(s) guitarra(s), geralmente com a adição de um sintetizador, e, claro, na melodia e na letra – e cada uma delas é importante para a narrativa à sua maneira.

Como você chegou ao título da sua apresentação?

Tanto "Queen Anne's Lacemaker" quanto "Queen Anne's Revenge" foram considerados. Dar o nome de uma banda em homenagem a plantas é uma tarefa difícil, e dar o nome de um barco é ainda mais complicado. Portanto, "Queen Anne's Lacemaker" pareceu a combinação mais adequada dessas ideias.

Quais artistas e álbuns tiveram a maior influência na sua direção criativa?

Sem ordem específica: Leonard Cohen, Joni Mitchell, The Velvet Underground e Nico , Bob Dylan, Ou/Ou , Nick Drake, Tom Petty, Joy Division, Depeche Mode.

Qual é a coisa mais interessante acontecendo na indústria da música neste momento?

Estou muito empolgado com a democratização e a globalização da música. Não acho que a música deva ser um empreendimento comercial; é uma forma de as pessoas, sentadas ao redor de uma fogueira, escaparem da preocupação de que possa haver um urso por perto. E acho incrível que agora todos possamos participar disso e ouvir o que outras pessoas estão criando, e que lançar uma música no mundo não exija a permissão de ninguém. Também adoro que qualquer pessoa, em qualquer lugar do mundo, possa ouvir o que quiser. Por exemplo, certa vez mergulhei no mundo da música alternativa malaia dos anos 90 no TikTok, e foi incrível.

Como você vê o desenvolvimento do mundo da música nos próximos cinco anos?

Há muita preocupação em torno da IA, mas sou muito cético quanto à sua capacidade de substituir músicos. Não acho que as pessoas queiram ouvir uma música "mediana" que atenda a todas as expectativas; independentemente do gênero, o que torna uma música ótima é a autenticidade, a inspiração e a sensação de que há realmente alguém se comunicando do outro lado do microfone, e a IA não consegue fazer isso. Então, espero que a música se torne mais humana, mais criativa e mais experimental, porque se você está apenas pensando: "Como posso escrever uma música que soe como um sucesso do verão?", a IA pode fazer um trabalho melhor.

Como a música te ajuda nesses momentos difíceis?

Às vezes, sou tomado por uma mentalidade fatalista — como se houvesse apenas um caminho a seguir e, apesar dos muitos sinais de alerta, a humanidade não tivesse outra escolha senão continuar avançando. Ouvir música, e especialmente descobrir novas composições, me ajuda a reconhecer as muitas possibilidades criativas de que os seres humanos são capazes. Somos seres inerentemente criativos, e acredito que o impulso de criar e apreciar a beleza é parte do que nos motivará a corrigir os muitos erros que existem no mundo atualmente. 

Foto cedida por Sherif Dahrug.

Xerife Dahrug

Parece que: Música expressiva para piano, inspirada em flores e aromas, repleta de politonalidade modal, que ajudou o Sr. Dahroug a receber a Medalha de Platina da prestigiosa Sociedade Acadêmica de Artes, Ciências e Letras de Paris (Société Académique Arts-Sciences-Lettres).

Entrevista:

Descreva sua abordagem à música e como você explicaria aos outros a sonoridade do seu trabalho.

Os anos que passei vivendo e estudando em Paris tiveram um profundo impacto na minha linguagem musical. Imerso na tradição clássica europeia, da polifonia renascentista à estética pós-Schönbergiana, absorvi gradualmente esses mundos até que se tornaram inseparáveis da minha própria percepção e composição. O resultado foi uma interação fluida que formou uma constelação de estruturas vivas, movendo-se livremente umas em torno das outras.

Com o tempo, senti a necessidade de expressar tudo o que havia absorvido artística e culturalmente. Meu trabalho evoluiu naturalmente a partir desse caminho, moldado tanto pelas tradições que herdei em Paris quanto pelas minhas próprias origens e mundo interior. Mais do que uma fusão, vejo-o como uma expansão orgânica da experiência musical francesa através do prisma das minhas origens e daquilo que trago para a mesa como músico.

A maioria dos meus projetos começa com uma intuição filosófica ou simbólica antes de avançar para a estrutura musical. Busco permitir que essas ideias se desdobrem por meio de uma coloração poética contida, clareza estrutural lógica, exploração harmônica e a tensão entre fragmentação e intensidade melódica. Para mim, a música existe em um diálogo constante entre intuição e disciplina composicional.

Cada álbum é mais um passo na criação de uma arquitetura e sintaxe onde esses elementos convergem em um espaço emocional unificado. No cerne do meu trabalho está o desejo de oferecer algo luminoso e místico — música capaz de transitar da ansiedade à calma, mantendo, ao mesmo tempo, um profundo senso humano de anseio e presença na alma do ouvinte.

Como surgiu a ideia para este projeto?

O projeto surgiu de um profundo desejo de dedicar uma obra à situação do artista contemporâneo. Refleti sobre aqueles que continuam a criar na solidão, à distância, no exílio — seja na Terra ou em seus corações — e que permanecem fiéis à beleza apesar do ruído e da velocidade do mundo. Há uma dignidade silenciosa na devoção artística que me toca profundamente, a resiliência da criatividade mesmo diante da incerteza, da perda ou da invisibilidade.

Dessas reflexões emergiu a imagem da artista como criadora solitária, embarcando numa jornada interior sombria, quase como uma figura ancestral vagando na escuridão em busca de significado e autoconhecimento. Nesse estado de confusão e fragmentação, emerge uma presença feminina, uma figura simbólica de beleza, cor, música e despertar, através da qual a criatividade se torna possível mais uma vez.

O sonho gradualmente se tornou o espaço central da obra, um estado noturno lúcido onde memória, sensação, cor e aroma começam a se entrelaçar. Assim surgiu "Nuit du Songe" (Noite do Sonho) "Nas Cores e Fragrâncias das Flores" — nove composições instrumentais contemporâneas tecidas em uma única obra labiríntica que explora a percepção, a memória e a transformação interior através da linguagem do som.

Quais artistas e álbuns tiveram a maior influência na sua direção criativa?

Minha direção criativa foi moldada por diversas tradições musicais e artísticas, que convergiram gradualmente ao longo do tempo. A tradição francesa permanece central para mim: Debussy, Ravel, Messiaen e Dutilleux abriram relações completamente novas com a cor, a ressonância, o espaço harmônico e o tempo musical.

Compartilho também uma forte afinidade com a linhagem e o pensamento fenomenológico de Sergiu Celibidache na música, a ideia de que o som é percebido como uma presença viva no tempo e na consciência, em vez de uma estrutura puramente formal. Essa abordagem da escuta influenciou profundamente minha compreensão do espaço musical, da harmonia e da percepção temporal.

Como intérprete, também fiquei profundamente impressionado com artistas como Ivo Pogorelich, András Schiff e Daniel Barenboim. Sua profundidade intelectual, liberdade de pensamento e abordagem profundamente humana da música moldaram minha percepção da interpretação como algo existencial.

Além da música em si, sempre me senti atraído por universos artísticos capazes de criar um estado interior.

A pintura também influenciou minha visão de mundo, especialmente o surrealismo. Na arquitetura, figuras como Le Corbusier, Louis Kahn, Frank Lloyd Wright e o estúdio japonês SANAA influenciaram minha percepção de espaço, luz, silêncio e proporção.

Ao mesmo tempo, meu trabalho foi influenciado por filosofia, arquitetura sacra, astronomia, simbolismo e filosofia egípcia antiga. Acredito que fui guiado mais por universos artísticos e obras capazes de transmitir mistério, profundidade, sensualidade e uma sensação duradoura de presença humana através do som do que por álbuns individuais.

Qual é a coisa mais interessante acontecendo na indústria da música neste momento?

Hoje, o que mais me inspira é a crescente oportunidade que os artistas têm de criar mundos profundamente pessoais que transcendem categorias estilísticas rígidas e expectativas da indústria. Sinto que muitos músicos estão buscando, mais uma vez, sinceridade, profundidade, atmosfera e uma identidade artística significativa, em vez do consumo imediato.

Também me fascina como a música está cada vez mais se abrindo para outras formas de pensamento e percepção, como arquitetura, filosofia, artes visuais, simbolismo e experiência espacial. Algumas das obras mais interessantes da atualidade representam mundos interiores completos, com sua própria integridade emocional e simbólica.

Ao mesmo tempo, acredito que os ouvintes estão se tornando mais sensíveis à intimidade e à autenticidade. Numa era saturada de ruído e aceleração, há uma necessidade renovada de música que possa criar uma sensação de presença humana.

Como você vê o desenvolvimento do mundo da música nos próximos cinco anos?

Acredito que a música continuará a evoluir em direção a formas cada vez mais imersivas e interdisciplinares, bem como a novos modos de percepção. A ideia do álbum como um universo artístico autossuficiente provavelmente se tornará ainda mais importante, especialmente para artistas que buscam maior integridade e originalidade.

Ao mesmo tempo, acredito que estamos entrando em um período de saturação, um ambiente de produção constante, aceleração e fragmentação. Portanto, acredito que haverá uma demanda crescente por obras que resgatem a sensação de presença e a profundidade humana. Os ouvintes estão se tornando mais atentos à sinceridade e à verdade emocional, mesmo em formas experimentais ou contemporâneas.

Acredito também que os artistas independentes continuarão a ganhar cada vez mais liberdade para desenvolver linguagens artísticas únicas fora das estruturas tradicionais. Isso poderá levar ao surgimento de formas de criatividade mais híbridas e imprevisíveis, mas também, espero, a um renovado foco no trabalho artesanal, na escuta e na apreciação da música como algo vivo.

Como a música te ajuda nesses momentos difíceis?

Para mim, a música continua sendo uma forma de manter a integridade interior, a dignidade e a profundidade em um mundo que muitas vezes parece fragmentado e instável. Em tempos turbulentos, sinto que a música ajuda a restaurar um senso de presença humana e continuidade.

Sinto-me fortalecida também pela necessidade de proteger a própria arte. Sem essa necessidade, não seria capaz de compartilhar verdadeiramente meu amor pelos sonhos nem de convidar outras pessoas para espaços onde a estética provoca reflexão e transformação interior. Através da criatividade, espero estimular a sensibilidade e o desejo de conhecimento, pois acredito que as experiências artísticas podem inspirar as pessoas a se reconectarem com as partes mais profundas de si mesmas.

À medida que minha própria jornada se desenrola, vejo cada vez mais a arte como algo capaz de criar uma atmosfera de inspiração e resiliência, como árvores cujas raízes ajudam a evitar o colapso espiritual e social. O ato de criar torna-se uma forma de resistir à insensibilidade, manter a sensibilidade e nos lembrar de que a busca pela beleza, pela autoexpressão e pela arte permanece significativa e necessária nos dias de hoje.

Foto cedida por Paul Louis Villani.

Paulo Luís Villani

Soa mais ou menos assim: Uma interpretação emocionante do blues acústico moderno com virtuosismo na guitarra.

Entrevista:

Descreva sua abordagem à música e como você explicaria aos outros a sonoridade do seu trabalho.

Minha abordagem à música pode ser melhor descrita como honestidade emocional, em vez de me conformar a limites de gênero. Nunca me interessei em me ater a um único gênero musical, porque nós, humanos, não percebemos a vida de uma única maneira emocional. Alguns dias são belos e contemplativos, enquanto outros são agressivos, ansiosos, solitários, cheios de esperança, amargura e absurdo. É mais fácil para mim compor músicas e letras que respeitem essa honestidade do que seguir regras invisíveis sobre como eu "deveria" parecer ou soar. Portanto, meu repertório abrange texturas industriais, blues, trabalhos acústicos, rock, uma variedade de texturas vocais, atmosferas densas e até momentos que, para alguns, podem soar quase como uma trilha sonora. No geral, meu som é música alternativa guiada pela emoção, focada na tensão, na "atmosfera" e no confronto através da introspecção.

Como você chegou ao título da sua apresentação?

Nunca encarei isso como a criação de um "nome de banda", porque todos os meus projetos recentes (pós-2020) se tornaram cada vez mais pessoais. Usar meu próprio nome me parece mais honesto. Se eu lanço algo (e tenho certeza de que já lancei) que seja feio, vulnerável, agressivo, confuso, introspectivo ou desagradável, não tenho como esconder. Está diretamente ligado a mim. Na verdade, gosto dessa responsabilidade. Há total prestação de contas nisso. Eu simplesmente crio arte e vivo com as consequências depois.

Quais artistas e álbuns tiveram a maior influência na sua direção criativa?

Minhas fontes de inspiração são, honestamente, muito variadas, e vou me dar ao luxo de citar algumas aqui!!! Andrés Segovia, Guns N' Roses ( Apetite pela destruição ), Mr. Bungle (Mr. Bungle 1991), Placebo, Mauro Giuliani, Slayer ( Reinado de Sangue ), KISS e Ace Frehley (Destroyer e o álbum solo de Ace Frehley de 1978), Yngwie Malmsteen ( Força crescente David Bowie, Led Zeppelin, The Beatles, Jeff Buckley, The Cult, Pearl Jam ( Colheita ), Metallica ( Justiça para todos ), Prince, Steve Vai, The Smashing Pumpkins ( Machina / As Máquinas de Deus ), Living Color, Adam and The Ants, Rage Against The Machine, Russell Morris, Tim Buckley, Sepultura ( Caos AD ), Faith No More, Powderfinger ( Internacionalista ), Ren, Jimi Hendrix e Angie de Poitrine.

Qual é a coisa mais interessante acontecendo na indústria da música neste momento?

Vivemos numa época em que uma pessoa, sentada sozinha num quarto, pode criar algo poderoso e apresentá-lo ao mundo sem pedir permissão a uma máquina industrial. É incrível. A tecnologia (incluindo a IA) assusta algumas pessoas, mas eu a vejo mais como outro instrumento, um pedal de efeitos ou uma caixa de ferramentas. Como qualquer mudança tecnológica na história da música, as pessoas resistirão a ela até que, eventualmente, a integrem à cultura.

Como você vê o desenvolvimento do mundo da música nos próximos cinco anos?

Essa é uma pergunta difícil! Acho que nos próximos cinco anos haverá uma crescente separação entre conteúdo hiperproduzido e expressão artística profundamente humana. A inteligência artificial certamente mudará a produção, a instrumentação, os vocais, os visuais e a acessibilidade, mas, paradoxalmente, acredito que tornará uma perspectiva humana genuína ainda mais valiosa. O público já está saturado de conteúdo. As pessoas podem não estar buscando perfeição e gravações de estúdio caras. Elas podem estar buscando autenticidade, verdade emocional, imperfeições, individualidade e perspectiva. Potencialmente, os artistas que alcançarem carreiras duradouras não serão necessariamente os mais tecnicamente refinados ou os músicos mais virtuosos. Serão aqueles que fizerem as pessoas realmente sentirem algo.

Como a música te ajuda nesses momentos difíceis?

A música definitivamente é um mecanismo de defesa para mim. Minha dopamina, meu Valium. Acho que muitas pessoas (eu inclusive) estão silenciosamente sentindo estresse, incerteza, isolamento, pressão financeira, confusão de identidade e fadiga emocional neste momento.

Compor música me dá uma maneira de processar essas coisas, em vez de deixá-las apenas na minha cabeça, repetindo-as indefinidamente. Compor música me ajuda a manter a conexão com algo tangível, algo único, algo que pertence somente a mim.

Foto cedida por South of France.

Sul da França

Parece que: Indie-pop psicodélico que pulsa como uma viagem noturna por uma autoestrada iluminada a néon.

Entrevista:

Descreva sua abordagem à música e como você explicaria aos outros a sonoridade do seu trabalho.

Um caos sonoro. Ha! O que eu mais tento criar é algo entre o psicodélico, o indie-pop e o R&B. Também componho e produzo bastante para cinema e televisão, então sempre tento incorporar elementos e texturas cinematográficas inusitadas na música. Gosto de adicionar instrumentos completamente incongruentes. Música onírica com algo ousado, calma com um sample caótico, ou apenas dois acordes em torno dos quais acontece um caos total.

Como você chegou ao título da sua apresentação?

Apesar da sua localização, sinto que o sul da França tem um estilo de vida incrível, ou melhor, um estado de espírito. Se este lugar e a atmosfera do verdadeiro sul da França pudessem ser representados por um som, seria esse o som que eu gostaria que fosse o meu.

Quais artistas e álbuns tiveram a maior influência na sua direção criativa?

Guru Jazzmatazz , BadBadNotGood, Kenny Beats, Danger Mouse, Handsome Boy Modeling School, Gorillaz, Damon Albarn, Kevin Parker, Digable Planets, Jungle, Miike Snow, 1999 Write The Future, Mike Dean, Ennio Morricone… São tantos que fica difícil listar todos. Felizmente, me identifico bastante com diversos gêneros musicais.

Qual é a coisa mais interessante acontecendo na indústria da música neste momento?

A música nova é tão boa que me surpreende quase todos os dias.

Como você vê o desenvolvimento do mundo da música nos próximos cinco anos?

Espero que a situação melhore significativamente em comparação com a IA. Artistas independentes estão se tornando importantes atores do mercado, e parece que a situação para eles está melhorando no geral, embora ainda seja muito difícil se destacar e atrair atenção. Espero que vejamos mais artistas independentes fazendo turnês em grande escala e se apresentando em festivais importantes.

Como a música te ajuda nesses momentos difíceis?

Só posso esperar que a música sempre una as pessoas, dê oportunidades a quem precisa e a pessoas talentosas que realmente as merecem, e que sempre se levante contra o sistema :)

Foto cedida por JRNXLST

JRNXLST

Parece que: Rock alternativo de primeira linha, no estilo de U2 e My Chemical Romance, interpretado em inglês e espanhol — às vezes até na mesma música!

Entrevista:

Descreva sua abordagem à música e como você descreveria seu som para outras pessoas.

Minha missão neste projeto é ser brutalmente honesto sobre o meu mundo, tanto interno quanto externo. Romper com anos de fingimento de que tudo estava bem e de encobrir feridas profundas e terríveis demais para encarar, e liberar tudo isso para o universo. Minha luta contra a doença mental se manifestou de muitas maneiras: afastamento familiar, relacionamentos desfeitos, tentativas de suicídio, despejos, emprego após emprego. Durante toda a minha vida, lutei sem sucesso contra a doença mental, encarando o abismo com apenas uma esperança tênue e a incapacidade de morrer. Isso me tirou muito. Quase tudo. Mesmo depois de décadas de dificuldades, eu ainda me sentia tão perdido e sozinho quanto eu mesmo aos cinco anos de idade: um pequeno imigrante estranho do Equador, apenas tentando encontrar um lugar onde finalmente pudesse se sentir pertencente. Reconstruí minha vida inúmeras vezes, alcançando patamares que a maioria das pessoas só sonha, mas esta não é uma história de glória. Esta é a história do meu tempo no inferno e da minha subsequente fuga. É estranho perceber que a única solução real é encarar meus demônios e me reconciliar com todos os pesadelos e cicatrizes até que, gradualmente, eu aprenda a aceitá-los com a mesma ternura e carinho com que aceito meus amigos. Depois de muita reflexão, finalmente decidi buscar ajuda de verdade após uma vida inteira de sofrimento em silêncio. Terapia individual, terapia em grupo, um psiquiatra. Tenho uma equipe completa. Uma parte crucial do que chamarei de meu processo de recuperação foi fazer as perguntas difíceis e reunir a coragem para aceitar a realidade da minha situação. Reconhecer meu papel no apocalipse. Chamei isso de minhas confissões. Ah, e medicação. Muita medicação. Comecei a expressar essas confissões através da música. Mergulhar na música se tornou uma tábua de salvação, me reconectando com um mundo no qual eu acreditava que poderia realmente sobreviver. Absorvi tudo: a dor, a confusão, os horrores do genocídio em Gaza, e deixei a música purificar minha alma. Não necessariamente para absolver meus pecados, mas para nomeá-los para que eu pudesse finalmente crescer. E assim nasceu JRNXLST.

Como você chegou ao título da sua apresentação?

Como o título sugere, eu queria ser brutalmente honesto sobre esses padrões recorrentes na minha vida, na esperança de que um dia eu pudesse superá-los, ou pelo menos entrar em contato com pessoas que talvez soubessem o que é essa dor. A pior parte de tudo para mim era o sofrimento solitário, a ideia de estar sozinho com a escuridão. É paralisante. Eu não desejaria isso nem para o meu pior inimigo, mas deixei de fingir e decidi expor tudo. Foi desconfortável, mas, de certa forma, necessário, como colocar um osso quebrado no lugar. Ao final do processo de gravação, me senti muito mais leve, embora vulnerável ao mesmo tempo. Viver com esse desconforto é infinitamente melhor do que viver com toda essa dor, então sou grato pela oportunidade de finalmente deixá-la ir. Meu primeiro lançamento oficial desde "The Dawn", do álbum Bedlight for Blue Eyes.

Quais artistas e álbuns tiveram a maior influência na sua direção criativa?

As bandas que tiveram uma enorme influência na minha vida, criativa e espiritualmente, são U2, Glassjaw, Ozzy Osbourne, The Killers, Radiohead, The Clash, The Cure, The Strokes, Wilson Pickett, Otis Redding e, ultimamente, bastante metalcore, como BMTH. Obviamente, sou um adolescente emo. Estou obcecado com President agora, e "Are You Really Ok", do Sleep Token, toca sem parar. Quero trazer o teatralismo de volta às apresentações ao vivo, da mesma forma que as grandes bandas do passado fizeram para se tornarem verdadeiramente épicas. Gwar, Ghost, My Chemical Romance, Sleep Token. Essas bandas criaram seus próprios mundos ricamente detalhados, cheios de narrativas intrincadas. Eu adoro isso. JRNXLST vai se entregar completamente em suas apresentações ao vivo e criar uma experiência única e cinematográfica, mas ainda assim feroz o suficiente para te deixar de boca aberta. Tenho experimentado muitos sons de sintetizador, timbres de guitarra, batidas techno, influências espanholas, comprei uma guitarra de sete cordas para obter um som mais pesado do que nunca – qualquer coisa que possa me ajudar a levar meu mundo às pessoas, e espero que essas melodias realmente penetrem suas defesas e cheguem aos seus corações.

Qual é a coisa mais interessante acontecendo na indústria da música neste momento?

O mais empolgante na música atualmente é a mudança na forma como os músicos interagem com os fãs. Apresentações ao vivo e "terceiros espaços" estão se tornando sagrados novamente, especialmente agora que as redes sociais eliminaram qualquer autenticidade. Esses eventos não se limitam a casas de shows: estão surgindo em lavanderias, ringues de boxe, restaurantes chineses, estacionamentos, debaixo de pontes — literalmente em qualquer lugar onde se possa montar um sistema de som e reunir amigos para dançar. No espaço digital, o mais empolgante é um conceito totalmente novo que está se abrindo para bandas (e marcas) chamado microdramas ou séries verticais. Nesse formato, cada episódio tem cerca de 60 a 90 segundos de duração, e uma temporada consiste em cerca de 40 episódios. São dinâmicos, altamente envolventes e custam muito menos do que um programa tradicional ou videoclipe. O All American Rejects lançou recentemente um microdrama no Candyjar. Microdramas são uma nova maneira incrível para bandas como a minha oferecerem aos fãs uma compreensão mais profunda dos universos criativos que criamos, mantendo-os na expectativa até o final.

Por exemplo, nossa próxima música, "KNGDM", será lançada junto com um microdrama que escrevi — um roteiro de 70 páginas dividido em 40 episódios. É um dos projetos mais ambiciosos que já criei e, assim como a música, surge de experiências muito reais e pessoais. Vou estrelar e dirigir o projeto ao lado dos meus companheiros de banda e de um elenco internacional incrível. Nosso diretor de fotografia, Matthew Canada, é uma verdadeira lenda.

«A história acompanha Liam Kincaid, um astro do rock decadente, que recebe uma caixa misteriosa ligada à sua ex-namorada desaparecida, Lily. O que começa como luto, depressão e paranoia se transforma em um pesadelo sobrenatural, envolvendo mensagens enigmáticas, visões sangrentas e um culto subterrâneo de vampiros modernos que se alimentam de fama, vício e desespero. Por fim, Liam descobre que a própria Lily se transformou em algo monstruoso, forçando os dois amantes condenados a cometer um último e brutal ato de rebeldia.

Em termos de tom, é uma música verdadeiramente sombria e crua, combinando elementos de terror e cinematografia com ênfase na criação de personagens complexos e tridimensionais. Eu queria criar algo mais perigoso e envolvente do que um lançamento musical padrão, algo que parecesse vivo.

Como você vê o desenvolvimento do mundo da música nos próximos cinco anos?

Nos próximos cinco anos? É, parece que todo o cenário do que conhecemos como internet está mudando a cada dia, e muitos de nós clamamos por regulamentação e reforma. Mas, apesar de toda essa confusão, não importa o quão ruins as coisas fiquem, sempre haverá aquela criança trancada no quarto com uma canção no coração, um sonho na cabeça e um instrumento musical vagabundo de segunda mão para realizá-lo. Pode ser romântico, mas às vezes a esperança é tudo o que temos.

Como a música te ajuda nesses momentos difíceis?

Pode parecer ridículo, mas não me importo. A música salvou minha vida. Ela me conectou a todos os momentos mais importantes da minha vida e, mais importante ainda, me apresentou a algumas das pessoas mais importantes e significativas que já conheci. Tornou-se meu canal de cura e minha arma contra o caos interminável que acontece em todo o mundo. Por exemplo, certa noite, eu estava navegando pelo meu feed de notícias e me deparei com uma publicação da Al Jazeera em que uma enfermeira segurava uma criança palestina. Aquela criancinha era mais osso do que carne, e isso me despedaçou. As consequências horríveis desse genocídio em Gaza se apresentaram diante de mim em toda a sua glória e me impactaram de uma forma nunca antes vista. Não consegui dormir por três dias. Eu tinha esboços da minha música "Halo", onde falo sobre minhas lutas internas com codependência e transtorno de personalidade borderline, mas o refrão não saía da minha cabeça, e comecei a aplicá-lo à situação na Palestina. Você acha que tem uma auréola, mas não sabe quem você é... Isso me fez pensar em Netanyahu e nos sionistas que justificam o genocídio e toleram o assassinato de civis inocentes, especialmente crianças, como vítimas da guerra. Me fez pensar no nosso presidente e nos muitos crimes que ele cometeu, e ainda assim ele permanece altivo e orgulhoso, personificando cada grama do seu apelido, "O Don de Teflon". A hipocrisia está em toda parte, a injustiça está em toda parte. A música sempre foi uma arma do povo. Uma ferramenta para conscientizar e despertar nosso senso de certo e errado. Decidi que não poderia viver em um mundo onde eu não estivesse ativamente escolhendo melhorá-lo, então mudei a essência da música para ser dedicada especificamente às crianças famintas de Gaza. No que diz respeito a declarações políticas, não acho que seja tão controverso não querer que crianças inocentes morram de fome desnecessariamente. Mas, na verdade, eu estava simplesmente fazendo a pergunta: "O que vamos fazer?"«

Ao final de cada mensagem, vejo: "Não é preciso ter laços de sangue para ser família". Quero acreditar que um dia poderemos viver em um mundo onde esse ideal se torne uma verdade universal para todas as pessoas deste planeta. Não sei, enquanto não tivermos um inimigo comum vindo do espaço, esta guerra nunca terminará. Mas ainda assim, devemos continuar tentando. Então, sim, a música tem sido minha espada e meu escudo. Sou grato todos os dias por ter fôlego para gritar, para liberar toda a minha energia interior. No fim, é tudo o que podemos fazer. Gritar juntos na escuridão.

Foto cedida por Gabagool.

Gabagul

Parece que: O Rapture, se eles tivessem se dedicado mais ao new jack swing. Uma ótima volta aos velhos tempos da antiga DFA Records no Brooklyn, no início dos anos 2000.

Entrevista:

Descreva sua abordagem à música e como você descreveria seu som para outras pessoas.

Minha abordagem à música é rebelde, mas também demonstra como diferentes gêneros podem se influenciar e enriquecer mutuamente. Gosto muito de tentar levar o ouvinte a lugares inesperados, criando interseções entre elementos e estilos que parecem simultaneamente familiares e inevitáveis. Nunca hesito em mostrar minhas influências musicais no meu trabalho, mesmo correndo o risco de ser rotulado como derivativo, mas isso nunca me incomodou. É difícil para mim definir o som do Gabagool, mas costumo dizer que é um rock alternativo pesado com elementos de funk, jazz, soul e muitos outros gêneros.

Como você chegou ao título da sua apresentação?

«"Gabagul", embora seja na verdade um apelido para uma linguiça italiana, sempre me soou estranho e maravilhoso. Me vêm à mente imagens de fantasmas e duendes. Eu queria que minha música incorporasse vibrações estranhas e poderosas, e "Gabagul" de alguma forma se encaixou perfeitamente.

Quais artistas e álbuns tiveram a maior influência na sua direção criativa?

Como você já deve ter percebido se ouviu minhas músicas, minhas influências musicais são muito diversas. Já fui comparado a bandas como Modest Mouse e Mr. Bungle, mas me inspiro em tudo, desde The Gap Band e Steely Dan até o indie mais moderno de bandas como Givers e IDLES. Aqui estão alguns álbuns que considero grandes influências:

• Cara, a vida é fantástica.

• Os doadores estão na luz.

• Íncubo – CIÊNCIA

• Marvin Gaye - O que está acontecendo?

• Modest Mouse – Estávamos mortos antes do navio afundar

• Sr. Bungle - Califórnia

Qual é a coisa mais interessante acontecendo na indústria da música neste momento?

Estou ficando mais velho (completei 45 anos este ano), então sinto que estou perdendo um pouco o contato com o que está acontecendo ao meu redor. As últimas coisas que realmente me cativaram foram a recente onda de artistas de neo-soul como Anderson .Paak, Steve Lacy e Ari Lennox (para citar alguns), bem como as novas bandas de rock 'n' roll/pós-punk como IDLES e Viagra Boys, que estão ganhando popularidade atualmente. Tenho certeza de que existem muitos artistas para admirar na cena underground ao redor do mundo, mas simplesmente não estou mais tão por dentro do assunto.

Como você vê o desenvolvimento do mundo da música nos próximos cinco anos?

Sinceramente, não posso afirmar com certeza. Sei que, para o bem ou para o mal (narrador: para o mal), a música gerada por IA está ganhando popularidade no mundo do streaming, mas não acho que isso impedirá artistas talentosos de criarem músicas únicas que atraiam públicos diferentes. Acredito que produtores e artistas eventualmente encontrarão uma abordagem autêntica para usar a IA como mais uma ferramenta, e a música criada exclusivamente com IA se tornará apenas mais um gênero a ser filtrado. Artistas que não usam IA terão mais dificuldade para se destacar, mas qual a novidade? Adoraria ver o rock com guitarra voltar ao mainstream. Acho que uma coisa é certa: os próximos cinco anos serão diferentes de tudo que alguém possa prever — no mundo da música ou em qualquer outra indústria.

Como a música te ajuda nesses momentos difíceis?

A música sempre foi uma válvula de escape para mim, além de uma lente através da qual enxergo o mundo. Meu momento ideal para mim mesmo é bebendo/fumando e trabalhando seriamente em melodias estranhas no meu estúdio no porão. Mas se eu puder usar esse trabalho para falar e compartilhar um pouco sobre como vejo as coisas no mundo, isso é sempre um bônus. Além disso, espero que minha música possa inspirar a mim e a outros a dançar em um mundo que não tem sido exatamente propício à dança ultimamente.

Foto cedida por Flowanda.

Flowanda

Parece que: Hip-hop consciente de uma yogini do Bronx cujo som lembra uma colaboração fracassada entre Kid Cudi e os Beastie Boys.

Entrevista:

Descreva sua abordagem à música e como você explicaria aos outros a sonoridade do seu trabalho.

Essa talvez seja a resposta mais estranha que você já recebeu para essa pergunta, mas mesmo assim:

Eu nunca planejei ser músico. Sou um ex-roteirista que se tornou psicoterapeuta no Bronx, e depois de anos trabalhando com luto e trauma — juntamente com imersões profundas em ioga, meditação e minha própria terapia — tive uma experiência mística profunda e desestabilizadora que mudou completamente minha relação com a criatividade.

Quase da noite para o dia, melodias, letras e músicas completas começaram a surgir na minha cabeça, de forma totalmente inesperada. Eu não tinha formação musical formal, então, em um momento de pânico, aprendi a usar o Logic Pro sozinho e comprei um teclado MIDI, porque a experiência era tão estranha e emocionalmente avassaladora que eu precisava de uma maneira de documentá-la.

Isso aconteceu há cerca de 18 meses e não parou desde então. Como profissional de saúde mental licenciada, entendo o quão estranha essa história pode parecer. Mas o que vivenciei não me pareceu patológico — foi significativo, transformador e surpreendentemente lógico. Estudo o lado esotérico do Kundalini Yoga e do Tantra há cerca de 15 anos, e uma parte de mim realmente se pergunta se não teria descoberto algo muito além da minha compreensão.

Assim, minha relação com a música é percebida menos como uma "ambição de carreira" e mais como uma observação e interpretação de uma experiência que ainda está se desenrolando em tempo real.

Quanto ao som em si, francamente, acho difícil compará-lo a algo puramente musical. É hip-hop alternativo psicodélico, mas também cinematográfico, onírico, emotivo, espiritual, engraçado, vulnerável e, às vezes, um pouco insano. Imagine um festival de música transformador acontecendo em um túnel do metrô do Bronx às 2 da manhã.

Como você chegou ao título da sua apresentação?

«"Ananda" é uma palavra sânscrita frequentemente traduzida como êxtase espiritual. Por volta da época em que essa música começou a surgir, eu realmente me sentia menos como se estivesse "compondo músicas" e mais como se algo estivesse fluindo através de mim. Em vez de me concentrar demais nos resultados, simplesmente me entreguei ao processo e continuei a seguir a música aonde quer que ela me levasse. Essa prática é FLOWANANDA.

Quais artistas e álbuns tiveram a maior influência na sua direção criativa?

Meus gostos musicais são, honestamente, muito diversos, então provavelmente é difícil categorizar este projeto em um único gênero. Definitivamente, sou influenciado por Coheed & Cambria, Kid Cudi, Leonard Cohen, DMX, The LOX, Alt-J, Loreena McKennitt e muitos outros. Mas todos eles têm uma coisa em comum: suas músicas são inconfundivelmente reconhecíveis. Nenhum deles seguiu tendências. Eles criaram universos emocionais completos e confiaram que as pessoas eventualmente os encontrariam. Essa é provavelmente a coisa mais importante que aprendi criativamente.

O primeiro CD que minha mãe me comprou foi "» Está escuro e o inferno é quente» do DMX, e eu não conseguia tirar meus fones de ouvido por meses. Isso pode soar estranho, considerando a música que estou fazendo agora, mas se você ouvir DMX, vai entender o quão espiritual ele era.

Qual é a coisa mais interessante acontecendo na indústria da música neste momento?

Sinceramente, acho que Coheed & Cambria é uma das bandas mais criativamente inspiradas da atualidade. Eles vêm fazendo isso há anos, trabalhando dentro de uma narrativa complexa, e sua música está em constante evolução. E essa história épica que eles estão contando está chegando ao fim!

Talvez eu seja criticado por isso, mas aos 30 e poucos anos, me afastei bastante do hip-hop porque o conteúdo das letras simplesmente não evoluía comigo. Claro, o rap consciente existe e sempre existiu, mas sacrifica muito o ritmo. Parecia que ninguém estava criando o tipo de hip-hop que eu queria ouvir: desenvolvimento espiritual e emocional com batidas e melodias legais.

Havia algo de errado em ser um hippie de 40 anos usando tênis Saucony e ouvindo "Oochie Wally". E não estou tentando ser maldoso. The LOX e DMX me protegeram emocionalmente e me ajudaram a sobreviver em Nova York quando precisei, mas agora tenho que regar minhas plantas.

Acho também que existe uma crescente necessidade de música que toque a espiritualidade de uma forma mais profunda e vívida. Não a ostentosa "espiritualidade estética" que vemos em todas aquelas pessoas com chapéus fedora enormes, mas a sabedoria genuína transmitida através da arte. Alguém como Leonard Cohen conseguia transmitir verdades espirituais profundas através da música porque ele as vivia. Eu o vi se apresentar no Madison Square Garden antes de ele falecer, e foi honestamente como estar na presença de alguém que havia tocado algo transcendente. Não vejo mais isso na música popular, especialmente no hip-hop, e parte do FLOWANANDA é minha tentativa de trazer essa profundidade de volta para uma música que ainda soe emocionalmente vibrante e sonoramente cativante.

Como você vê o desenvolvimento do mundo da música nos próximos cinco anos?

Acredito que a música criada por inteligência artificial levará os artistas humanos a uma especificidade emocional, estranheza, imperfeição e originalidade ainda maiores. Se os algoritmos aprenderem com combinações de elementos existentes, o que um artista humano poderá oferecer de mais valioso será a experiência de vida genuína e a verdade emocional inesperada. Talvez o futuro da música seja quando os humanos voltarem a ser estranhos.

Como a música te ajuda nesses momentos difíceis?

A música realmente salvou minha vida. Ela me deu a capacidade de expressar experiências e emoções que pareciam mais profundas do que as palavras. Para mim, como alguém com TDAH, a música também parece muito mais imediata e tangível do que, digamos, escrever roteiros, onde os projetos podem levar anos. Uma música pode transmitir um sentimento da noite para o dia.

Mas, acima de tudo, a música me dá esperança. Vivemos numa época em que quase tudo parece polarizado e hostil, mas a música ao vivo ainda cria momentos em que estranhos se dissolvem numa experiência emocional compartilhada. Ela permite que as pessoas parem de competir por um instante e simplesmente sejam humanas juntas.

E juro que não trabalho no Coheed & Cambria, mas ouçam "Tethered Together" e me digam se essa música não lhes dá um pouco de esperança de que as pessoas podem encontrar o caminho de volta umas para as outras!

Foto cedida por Carson Bull.

Touro Carson

Parece que: Uma mistura funky de country e rebeldia no estilo de "Thin Wild Mercury" de Bob Dylan, imbuída de atmosfera. arranha-céu de Nashville .

Entrevista:

Descreva sua abordagem à música e como você explicaria aos outros a sonoridade do seu trabalho.

Você pode dançar e pode chorar.

A vida é uma luta constante para aceitar o que não podemos controlar e focar no que podemos. Sempre acreditei que a catarse de compor e ouvir música reside em algum lugar entre esses dois extremos.

Minha abordagem para compor música sempre foi diferente. Acho que se eu não fosse músico, gostaria de ser escritor. Sempre gostei de poesia na escola e adorava Shakespeare quando lia. Sei que isso pode parecer estranho para alguns. Eu não sabia como combinar poesia, narrativa e autoexpressão com música até meus 15 anos, quando comecei a ouvir Bob Dylan. Acho que, para mim, compor sempre foi como uma terapia e uma forma de entender meus sentimentos quando não consigo compreender o que se passa na minha cabeça.

Como você chegou ao título da sua apresentação?

Bem, Carson Bull é meu nome legal. Nunca me interessei por um nome artístico. Pelo menos não ainda... No entanto, embora toda a minha música seja lançada com meu nome, Carson Bull, eu queria que minha banda, com a qual toco, também tivesse um nome. Acho que eles são alguns dos melhores músicos do mundo e merecem. Sou muito fã de Tom Petty and the Heartbreakers, Jason Isbell and the 400 Unit e Allman Brothers; então, por um tempo, achei que seria legal nos apresentarmos como "Carson Bull e (nome em branco)" quando tocássemos ao vivo. James Haynes (teclados) e Josh Norfleet (guitarra solo) constantemente recebiam comentários do público nos shows dizendo que pareciam irmãos ou primos. Achei engraçado, então Jim sugeriu que nos apresentássemos como "Carson Bull e os Primos". Achei uma ótima ideia e pegou. Nos conhecemos há tanto tempo, um pouco mais que amigos, mas um pouco menos que irmãos de sangue, que o título "primos" pareceu apropriado. Eu também sentia culpa e constrangimento no final dos shows quando as pessoas vinham até mim ou aos outros integrantes da banda e perguntavam: "Qual o nome da banda?" Ao que eu respondia sem jeito: "Carson Bull..." Depois de algumas dessas experiências, me convenci de que minha banda precisava de um nome.

Quais artistas e álbuns tiveram a maior influência na sua direção criativa?

Eagles, Creedence Clearwater Revival, The Beatles, Waylon Jennings, Bob Dylan, Tom Petty, Chris Stapleton, Bon Iver e Tyler Childers são apenas alguns exemplos. Ainda não consigo parar de ouvi-los. Caçador de Atiradores Sou fã de Tyler Childers desde que lançou o álbum, e provavelmente ouço pelo menos um álbum dos Eagles por dia. Desperado и Uma dessas noites — dois dos meus álbuns favoritos de todos os tempos. As novas gravações ao vivo que eles lançaram em Anaheim em 1975 têm estado constantemente no meu aparelho de som ultimamente.

Qual é a coisa mais interessante acontecendo na indústria da música neste momento?

A demanda e o ressurgimento da mídia física. Um agradecimento especial a Sturgill Simpson pelo novo álbum do Johnny Blue Skies, que ele lançou gratuitamente no YouTube sem anúncios, e depois removeu a versão impressa, lançando apenas cópias físicas. O trabalho que Jack White vem fazendo com a Third Man há tantos anos também é incrível. APOIE SUA LOJA DE MÚSICA LOCAL. Nada muda mais a sua vida do que encontrar o disco perfeito, chegar em casa, ouvi-lo e ser transportado para um lugar onde nada pode te atingir. Além disso, cada vez mais artistas estão brigando com a Live Nation e a Ticketmaster. Acho que o que Olivia Dean faz nesse sentido é um exemplo a ser seguido por todos os artistas. E ela simplesmente faz música muito boa.

Como você vê o desenvolvimento do mundo da música nos próximos cinco anos?

O niilismo é um traço de personalidade e um mau hábito que estou tentando desesperadamente abandonar, então deixe-me responder com esperança... Acho que a autenticidade está em alta demanda agora, e essa tendência só vai aumentar. Acho ótimo que, para combater a pressão constante de lançar músicas e se conectar com fãs e pessoas ao redor do mundo, as pessoas estejam menos interessadas em músicas de alta qualidade produzidas em estúdios renomados e mais interessadas em algo autêntico que as faça sentir algo. Acho que, na maioria das vezes, as pessoas conseguem detectar uma mentira a quilômetros de distância. Pessoas são pessoas. Elas querem ouvir a humanidade na sua música. As pessoas são constantemente lembradas de suas falhas, fracassos e imperfeições. A última coisa que eu quero oferecer a elas é algo superproduzido e falso para parecer perfeito. Há conforto na intimidade. Acho que a música pode mover montanhas na mente e no coração das pessoas nesse sentido. Sei que a música fez isso por mim. Acho que, em um mundo cheio de falsidade, ganância, excesso de estímulos e capitalismo corrupto, as pessoas estão desesperadas por algo real e autêntico, e eu concordo com elas.

Como a música te ajuda nesses momentos difíceis?

Escapar. A música sempre foi uma forma de escapar da realidade para mim. A vida e os acontecimentos ao nosso redor podem, por vezes, parecer um fardo insuportável. A música sempre foi uma ferramenta para dar sentido ao mundo que nos cerca. Isso nunca mudará. As palavras têm um poder ilimitado, e combiná-las com melodia e ritmo só as fortalece. Espero que as pessoas sejam resilientes e saibam que sempre podem lutar por aquilo em que acreditam ser certo. A música é apenas uma das ferramentas no arsenal da humanidade para isso.

Foto cedida por The Hedgehogs.

Ouriços

Parece que: Uma interpretação nebulosa e lacônica do estilo blues criado por Peter Green durante seu álbum Nos Céus , mas mais perto de Slint.

Entrevista:

Descreva sua abordagem à música e como você explicaria aos outros a sonoridade do seu trabalho.

Stephen Schoner: John e eu somos fãs dos Beatles. As primeiras gravações estéreo dos Beatles tinham uma separação intrigante entre instrumentos e vocais. E embora no álbum Os Ouriços/Inverno Não chegamos a tanto; preferimos distribuir os sons pelo campo estéreo de forma equilibrada, adicionando acentos que lhe conferem energia cinética.

Aprendemos muito com John Squire, do Stone Roses, e Noel Gallagher, do Oasis, que criam partes de guitarra lindamente equilibradas. Você se sente como se estivesse suspenso no espaço que eles definiram para você. Estamos trabalhando cada vez mais no desenvolvimento de nossas guitarras nessa direção.

John Peyton: Sempre foi importante para mim entender "como a salsicha é feita". Ouvindo meus artistas favoritos, fiquei curioso para saber como diferentes sons eram criados. No início, tentei copiá-los com o equipamento rudimentar que eu tinha.

Acho que todos nós compartilhamos o amor pela boa música dos anos 60, 70 e início dos anos 80, e tentar emular esse espírito foi exatamente a nossa abordagem. Não se tratava de uma cópia direta.

Steven: Com o primeiro álbum, você ainda é muito inexperiente e talvez um pouco mais pragmático, e às vezes, olhando para trás, você pensa: "Bem, eu poderia ter feito isso ou aquilo com aquela guitarra ou aquela parte". Mas acho que as nuances estão se destacando mais agora. O som está ficando mais rico. Há menos aspereza nas gravações. E embora tenhamos senso de humor, vamos moderá-lo e deixar as coisas mais elevadas.

E este álbum de estreia é um verdadeiro golpe duplo. "Yours For the Asking" é uma canção romântica, ensolarada e primaveril. Já "Lonely" não tem nada de humorístico, mas sim um ar fantasmagórico e belo. Essas duas últimas canções foram gravadas junto com as três últimas, e é possível perceber a evolução delas.

Como você chegou ao título da sua apresentação?

Steven: É do esquete do Spinny Norman no Monty Python, onde um dos personagens pensa que está sendo observado por um ouriço gigante. Eu absorvi Monty Python da mesma forma que absorvi muita música rock ótima desde cedo, por influência dos meus irmãos mais velhos. Todos nós corríamos cross-country em Ironton, e meus irmãos tinham um time chamado Ouriços. Mesma fonte. Acho que estava copiando meus irmãos mais velhos quando sugeri esse nome.

Quais artistas e álbuns tiveram a maior influência na sua direção criativa?

Stephen: Em relação ao nosso novo single "Lonely", adoramos a combinação de guitarras de Peter Green, Danny Kirwan e Jeremy Spencer, do Fleetwood Mac. E também de Buckingham, pelo equilíbrio entre os solos acústicos e elétricos no álbum. Rumores , que aparecem e desaparecem da mixagem na medida certa. E ultimamente, tenho ouvido muito Jorma Kaukonen… o fuzz da guitarra elétrica dele se tornou uma fonte de inspiração muito útil para músicas futuras.

John: Para mim, tudo começa com os Beatles, e especificamente com aquele período mais experimental depois dos shows ao vivo. Eles são a base de tudo o mais para mim. Eu me inclino mais para a música pop, mas não para o bubblegum house em geral. Depois deles, eu diria Pink Floyd. Novamente, o experimentalismo e a melancolia deles me tocam profundamente.

Stephen: Álbum The Dark Side Of The Moon O álbum estabelece um padrão fenomenalmente alto em termos de produção, composição e performance. Mas também adoramos os primeiros singles, e acho que é daí que vem o deslize divertido do John em "Yours For the Asking". Assim como em "Point Me At the Sky".

John: Quando cheguei ao último ano do ensino médio, comecei a apreciar mais a música new wave.

Steven: Stewart Copeland tem um ótimo senso de humor. Sua bateria tem aquela suavidade percussiva que usamos em "Yours For the Asking". O The Police é uma banda excelente para criar atmosfera usando poucos instrumentos, mas também para criar a atmosfera certa. «Sincronicidade» - Este é um exemplo de uma execução simples no teclado que pode realmente adicionar atmosfera.

John me apresentou ao Genesis dos primórdios. Eles têm uma instrumentação tão rica. E, de novo, o humor, aquelas ervas daninhas gigantes e tudo mais. Os trabalhos posteriores do Genesis foram uma lição de economia musical. Tony Banks conseguia sobrepor várias partes simples para criar algo poderoso e rico, mas também com tanto... de novo... espaço.

Álbum do Led Zeppelin «Presença» Isso me fez parar de perceber os vocais como o instrumento dominante em uma mixagem. Um som mais equilibrado entre vocais e instrumentos pode produzir melhores resultados.

Gostei muito da música do Dungen. Ela consegue transitar de algo verdadeiramente belo e bucólico para algo que lembra uma caixa de brinquedos caindo da escada. Também gosto do Sigur Rós pela atmosfera que criam. E o Dead Meadow também é muito atmosférico e assustador. Gosto muito deles.

Qual é a coisa mais interessante acontecendo na indústria da música neste momento?

John: Uma coisa interessante sobre a música moderna é que o processo de descobrir novas músicas se tornou muito menos centralizado. O rádio e os videoclipes costumavam ser os principais meios de distribuição de novas músicas e de descoberta de sons novos (e, em alguns casos, antigos). Agora, as redes sociais reinam absolutas, e a música é descoberta por meio de trechos de 15 segundos de músicas em vídeos curtos no Instagram e no TikTok. Vídeos do YouTube podem transformar em megaestrelas pessoas que simplesmente fazem música por diversão em seus quartos. Com tanto conteúdo disponível, pode ser difícil encontrar algo novo que você realmente goste.

Como você vê o desenvolvimento do mundo da música nos próximos cinco anos?

John: Parece que as fronteiras entre os gêneros musicais estão se tornando cada vez mais tênues. Talvez isso se deva, em parte, ao uso de novas músicas por criadores de conteúdo nas redes sociais. Diferentes estilos e sons estão saindo de seus nichos e se tornando acessíveis a diferentes públicos, e isso é ótimo.

Outra coisa que tenho notado, e como alguém que consome muito conteúdo no YouTube, tenho visto isso com cada vez mais frequência... Há muita música gerada por IA surgindo, e não sei o que pensar disso. Canais inteiros são dedicados a diferentes estilos musicais que nunca foram tocados por um ser humano. Nossa música pode ser um pouco crua, mas pelo menos foi criada por pessoas que amaram o processo.

Steven: A inteligência artificial é uma preocupação. Mas acho que as pessoas simplesmente não ficarão satisfeitas com músicas sem ninguém por trás delas. O que uma máquina pode dizer a uma pessoa sobre a vida? Máquinas e humanos não formam uma comunidade. Acho que as pessoas se importarão menos com uma música bem produzida por uma máquina e muito mais com a opinião de outras pessoas.

Como a música te ajuda nesses momentos difíceis?

Steven: Tornar o mundo um lugar mais bonito. Lançar música cria uma conexão humana com pessoas do mundo todo. Você não só sente uma onda de emoção quando as palavras e a música são lançadas ao mundo, alcançando outros ouvidos, mas também a conexão com aqueles ao seu redor, que te apoiam, te traz satisfação. Você não está curando o câncer, mas está enviando algo valioso, bom e inspirador para o mundo.

É uma aventura multimídia… uma combinação de música, arte, vídeo e design gráfico, e quem sabe o que acontece depois? É estética… um esforço criativo sério e uma forma de se tornar um artista e criar algo incrível com caras que eram seus amigos muito antes de vocês começarem a gravar música juntos.

Mas também é pura DIVERSÃO. Poucas coisas se comparam a um ótimo single pop. Sério mesmo. Tipo "She Bangs the Drums" dos Stone Roses. Fazer um ótimo disco e ouvi-lo é pura alegria. Criar mundos invisíveis, medidos não em quilômetros, mas em minutos. E seu público, e pessoas do mundo todo, podem viver nesse mundo que você criou para elas, bem ao seu lado.

John: A música acalma a fera. Ela tem o poder de trazer alegria absoluta às pessoas, e o mundo está precisando muito disso agora.

Foto cedida por HAUSPOINTS.

HAUSPOINTS

Semelhante a: Os Space Kids de Mark E. Smith, de Chorley, Inglaterra, pretendem derrotar os Viagra Boys em seu próprio jogo.

Entrevista:

Descreva sua abordagem à música e como você explicaria aos outros a sonoridade do seu trabalho.

A música é um fenômeno imprevisível e deve ser abordada com extrema cautela. Mesmo quem a consome esporadicamente pode sofrer episódios maníacos e transtornos graves, e para quem a utiliza por longos períodos, as consequências podem ser fatais ou até mesmo piores.

Como você chegou ao título da sua apresentação?

Use bandnamegenerator.com

Quais artistas e álbuns tiveram a maior influência na sua direção criativa?

Tenho um bilhete da época da decimalização da moeda britânica, distribuído aos lojistas no início da década de 1970, pedindo-lhes que atirassem quaisquer xelins que tivessem fora de circulação, seja para uma gaivota que passasse ou para um balde de ovos crus, o que estivesse à mão.

Qual é a coisa mais interessante acontecendo na indústria da música neste momento?

Não sei, será que o Coldplay lançou um novo álbum?

Como você vê o desenvolvimento do mundo da música nos próximos cinco anos?

Como na maioria das indústrias, os lucros geralmente são retirados daqueles que realmente trabalham e criam música e entregues a empresários bilionários e acionistas. Portanto, é provável que isso continue acontecendo.

Como a música te ajuda nesses momentos difíceis?

Com certeza não ajuda tanto quanto muito dinheiro ajudaria.

Foto cedida por Crucifera.

Vegetais crucíferos

Parece que: Uma versão mais sombria, experimental e com mais glitches do Garbage, embora o som seja mais intenso e experimental do que o trabalho de Butch Vig nas pick-ups.

Entrevista:

Descreva sua abordagem à música e como você explicaria aos outros a sonoridade do seu trabalho.

Acho que descreveria meu som como pop-rock industrial gótico — "música industrial etérea e crocante para aranhas". Uma "feiura" industrial misturada com atmosferas etéreas e "belas", e melodias complexas. No entanto, as estruturas das músicas são mais memoráveis e coesas do que é típico para esses gêneros.

Cada música é vastamente diferente, mas meu álbum "Exostential" é uma jornada coesa. É um choque penetrante entre vulnerabilidade orgânica e uma armadura mecânica pesada — um "exoesqueleto" sonoro que protege o eu interior. Vindo de uma família pobre, inicialmente construí uma carreira em branding, marketing e design para ter estabilidade, o que agora ajuda a moldar todos os aspectos visuais e líricos dos meus projetos musicais. Essa experiência influencia meu processo criativo. Sempre compus música em instrumentos acústicos, usando caneta e papel, raramente utilizando um DAW ou equipamento de estúdio, exceto por breves períodos em que amigos me emprestavam. Mais tarde, começar a trabalhar com produção me impulsionou a desenvolver rapidamente essas habilidades técnicas.

Começo cada faixa com piano ou violão antes de passar para o computador. Meu objetivo é mesclar o soul acústico tradicional com um toque digital. Depois de criar as melodias, os acordes e as letras, parto para a produção — anotando a estrutura, adicionando sintetizadores e samples e experimentando com texturas e ritmos. Evito kits de bateria convencionais, optando por sobrepor samples processados para manter um som orgânico mesmo quando a música se torna mais eletrônica.

Utilizo a música como meio de engenharia psicológica, empregando planejamento complexo para criar experiências físicas. Crio intencionalmente momentos claustrofóbicos antes que se desdobrem em vastos espaços etéreos, evocando respostas psicológicas à transformação do ambiente. Essa abordagem é particularmente evidente em faixas como "Pity" e "Labyrinth of Fools".

Como você chegou ao título da sua apresentação?

O nome Crucifera se refere à aranha tecelã de orbes. Neoscona Crucifera . Sempre adorei insetos. Colecionava-os quando criança e, mesmo adulta, ainda não consigo matar nenhum. Ao longo dos anos, tive três tarântulas de estimação, a primeira das quais eu mesma empalhei depois que morreu. Em 2021, depois de me mudar para minha própria casa, fiz amizade com uma linda aranha tecelã de orbe na minha varanda, que repelia mosquitos.

Por curiosidade, pesquisei sua taxonomia e imediatamente notei seu nome em latim. "Crucifera" significa "portadora da cruz", uma referência à marca distintiva nas costas da aranha. Sou obcecada por história religiosa e metáforas — que uso em meus escritos, embora me considere uma pessoa gnóstica e espiritual, não tradicionalista. O peso desse símbolo ressoa profundamente em mim.

Para mim, as aranhas são como polvos terrestres em miniatura. Elas operam puramente por instinto, querendo apenas existir e serem deixadas em paz. Uma aranha experimenta o mundo através das vibrações de sua teia e do solo, diferentemente dos humanos. Isso serve como uma bela metáfora de como eu percebo a realidade. Essa conexão também inspirou o título do meu álbum de estreia, Exostential. Ele incorpora a filosofia do exoesqueleto: a necessidade biológica de criar uma carapaça externa rígida para proteger um núcleo vulnerável e vivo. Sou uma existencialista crônica. Minha música fala sobre superar o caos pesado de traumas, luto e abusos passados, e tecer essas frequências brutais em uma teia com um toque de esperança. Trata-se de criar uma armadura industrial para proteger essa centelha divina interior de um mundo que pode ser incrivelmente frio.

Quais artistas e álbuns tiveram a maior influência na sua direção criativa?

Embora eu tenha abordado este projeto de uma maneira completamente diferente (acidentalmente) e sem seguir nenhum plano específico, reconheço que certos artistas influenciaram meu som e direção criativa. Como ouvinte, sempre me senti atraído pelo lado gótico e industrial da música. Minha música apresenta elementos que remetem ao hard rock industrial e eletrônico agressivo de bandas como Skinny Puppy, Nine Inch Nails, Wumpscut, Marilyn Manson e PIG. Também admiro o rock gótico e o darkwave seminais de bandas como Bauhaus, Sisters of Mercy, Christian Death e Switchblade Symphony, bem como o synth-pop sombrio de And One. Além disso, bandas de metal como Pantera contribuem para minha compreensão de intensidade, e Ecstatic Fear me inspira a criar atmosferas sinfônicas em meu trabalho. Essas diversas influências moldam minha abordagem, mesmo que involuntariamente, criando um pano de fundo rico para a singularidade da minha música.

Agora, sobre artistas populares que eu adoro e que podem ser familiares para muitos: desde os três anos de idade, eu era obcecada por música dos anos 80 e, depois, por música alternativa dos anos 90. Sempre fui fã de The Cure, Depeche Mode e Prince, assim como de Bush (especialmente o álbum Razorblade Suitcase), Hole e Nirvana. Definitivamente, fui inspirada por mulheres como Madonna, Cyndi Lauper, Stevie Nicks e Dolores O'Riordan, do The Cranberries.

Hoje em dia, não são muitos os artistas que realmente me emocionam, mas tenho um imenso apreço por aqueles que conseguem: mulheres incríveis como Halsey, Bishop Briggs e Lady Gaga, e adoro Bright Eyes. Respeito essas criadoras porque elas definem sua própria direção criativa, compõem suas próprias músicas e são instrumentistas que controlam seus próprios universos visuais e sonoros. É exatamente assim que trabalho como produtora solo, gerenciando cada frequência e cada pixel da transmissão. Dá para perceber quando uma artista realmente sente algo em sua voz e em seu olhar. Essa dor bela se torna rara e é sacrificada em prol do domínio técnico ou da imagem. Admiro profundamente a maneira como elas afirmam com ousadia sua direção criativa, escrevem sua verdade e moldam mundos inteiros a partir de suas visões. Inspirada por sua dedicação, trago a mesma intensidade para minha vida como produtora solo, guiando cada aspecto dos meus projetos com convicção.

Qual é a coisa mais interessante acontecendo na indústria da música neste momento?

O mais empolgante no momento é o ressurgimento criativo da música dark, que é inegavelmente humana e crua. Tenho notado faixas com DNA gótico e industrial surgindo aqui e ali. Nunca teria ouvido esses sons no mainstream antes. Alguns góticos da velha guarda podem querer limitar isso, mas eu acolho com entusiasmo. Este mundo é para o futuro, e devemos nos esforçar para criar o melhor ambiente possível em todos os sentidos, incluindo o artístico e o criativo, para que as futuras gerações tenham fácil acesso a ele. Estamos vendo uma mudança em direção à música visceral e sem filtros. É o contraponto perfeito para o medo de que a IA tenha "limpado" a indústria. Ao mesclar arquitetura digital com minhas raízes acústicas, estou tentando trazer de volta uma abordagem mais humana e realista para a música. Espero que muitos sigam meu exemplo. Isso prova que, embora os instrumentos mudem, a essência de uma canção deve permanecer uma mensagem humana pura e genuína.

Como você vê o desenvolvimento do mundo da música nos próximos cinco anos?

Prevejo que os próximos cinco anos serão definidos por um movimento global em direção à independência interdisciplinar. A autenticidade se tornará o valor primordial. À medida que a IA se torna mais difundida, o valor do artista individual, capaz de tudo, desde a primeira nota escrita à mão no piano até a gravação master final, crescerá. Do meu estúdio caseiro em Nova Jersey, espero inspirar músicos aspirantes. Quero mostrar que não é preciso uma grande gravadora ou um orçamento enorme para criar uma experiência verdadeiramente imersiva e de nível internacional.

Acredito que estamos caminhando para um "híbrido orgânico-digital", onde a tecnologia aprimora o espírito humano em vez de substituí-lo. Meus planos para os próximos anos refletem essa mudança. Tenho um EP com lançamento previsto para o final deste ano e quase dois álbuns de músicas em produção. Também estou focado em expandir minha presença na cena por meio de colaborações com outros artistas independentes de música gótica e industrial. Isso inclui tudo, desde composição e participações vocais até apresentações ao vivo e remixes. Em última análise, vejo a indústria caminhando para uma "grande descentralização". A soberania criativa será a única maneira de manter uma conexão pura e genuína com o público.

Como a música te ajuda nesses momentos difíceis?

Para mim, a música é terapia, sobrevivência e ascensão. Passei 26 anos construindo minha carreira de designer simplesmente para sobreviver. Finalmente, arriscar e compartilhar esse meu lado vulnerável significa tudo para mim. Em um mundo que parece cada vez mais difícil — onde somos bombardeados pelo ruído da guerra, pela negatividade sistêmica e por uma falta geral de empatia — a música é uma forma de processar tudo isso. É um meio que uso para transformar a dor, a perda e o isolamento da alienação em algo valioso.

Lembro-me vividamente de como era difícil lutar como uma jovem mulher, não apenas pela sobrevivência física, mas também por me sentir completamente perdida em um mar de pessoas que pareciam interessadas apenas no lado superficial da vida. Pode ser um estado muito solitário, sentir profundamente a dor do mundo e, simultaneamente, encontrar beleza em cada pequena coisa. Espero que minha música ressoe com aqueles que estão vivenciando a mesma escuridão. Penso especialmente nas jovens mulheres, porque muitas das letras de seus ídolos parecem apenas arranhar a superfície dos relacionamentos, do sexo ou do amor. Quero mostrar a elas que existem maneiras mais profundas e complexas de compreender sua realidade e encontrar sua própria voz. Minha arte é minha armadura, uma forma de me manter firme quando o mundo parece estar perdendo sua humanidade, e espero que ajude outros a encontrar a força para criar a sua própria.

Foto cortesia de Chavar Donte.

Chavar Dontey

Parece que: Soul indie cosmopolita vindo do coração de Echo Park, no espírito de Nourished by Time e Twin Shadow.

Entrevista:

Descreva sua abordagem à música e como você explicaria aos outros a sonoridade do seu trabalho.

Minha abordagem à música é ser eu mesmo — honesto, vulnerável e simplesmente tentando capturar o que ouço. Vejo a música como várias camadas e como elas podem se unir para contar uma história. Penso em cada música como um filme. Na maioria das vezes, toco todos os instrumentos sozinho, mas às vezes colaboro com compositores em partes que escrevi. Sempre foi assim. No início da minha carreira, vários colegas da minha banda da faculdade tocaram no que chamo de "o álbum perdido" (perdi os discos rígidos), e pretendo fazer algo semelhante novamente algum dia.

Também tive a sorte de trabalhar com pessoas incríveis na pós-produção. Finalizei todas as minhas músicas com meu grande amigo Dylan no Portia Street Studio, em Echo Park. Dylan Ely faz a mixagem e nós dois gravamos as músicas — algumas lá e outras no meu próprio estúdio. Steve "B" Baughman cuida de toda a masterização e dos retoques finais. Também trabalho com Seffan Hale "TrippieSteff" na arte e na animação — temos um sistema bem azeitado.

Descrevo minha música como uma jornada cinematográfica multigenérica e em constante evolução — uma trilha sonora multidimensional para as histórias e emoções por trás de cada canção. Em termos de gênero, sou influenciado por tantas músicas que transito facilmente entre jazz e música clássica, assim como new wave, industrial, eletrônica, rock e soul.

A música “I've Got My Mind Made Up” soa como pop alternativo/R&B alternativo/electro-pop atmosférico. Honestamente, sempre tive dificuldade em definir o gênero da minha música porque existem muitas nuances que a tornam única. Para contextualizar, eu me imagino em turnê com Dijon, Blood Orange, Mk.gee e Clairo. Também seria legal dividir o palco com Thievery Corporation e Nourished By Time.

Já estive nos bastidores com o Thievery Corporation duas vezes — o gerente de turnê deles, Jeffrey Travatan, é um grande amigo e um gerente de turnê fantástico. No ônibus da turnê, eu e o baixista deles, Dan Africano, tivemos uma conversa maravilhosa sobre relógios mecânicos. São momentos como esses que me inspiram e tornam a ideia de fazer turnê juntos ainda mais significativa.

Como você chegou ao título da sua apresentação?

Chavar Dontey é meu primeiro e segundo nome; é assim que minha família me chama desde sempre. Reza a lenda que foi minha tia quem me deu esse nome, embora eu não tenha certeza se é verdade.

Quais artistas e álbuns tiveram a maior influência na minha direção criativa?

Fui muito influenciado na minha juventude. «Chuva Roxa» и «Filme de ação» . A cinematografia dos lançamentos do Prince e do Michael Jackson era simplesmente de tirar o fôlego. Kraftwerk, Duran Duran, Wham!, Culture Club, Thomas Dolby, Zapp and Roger, Run DMC, LL Cool J, Beastie Boys, Jackson 5, Al Green e Marvin Gaye. Aprendi muito disso com membros da minha família. Quando comecei a tocar guitarra, descobri Jimi Hendrix, Sly and the Family Stone, Nirvana, Rage Against the Machine, Radiohead, A Tribe Called Quest, 2Pac, Biggie, Wes Montgomery, Pat Metheny, Jim Hall, Bill Frisell, Maurice Ravel e inúmeros outros.

Qual é a coisa mais interessante acontecendo na indústria da música neste momento?

Acho que as pessoas anseiam por autenticidade na música e, como alguém que sempre seguiu seu próprio caminho autêntico, fico muito feliz com isso. É ótimo ver as pessoas querendo comprar vinil, CDs e outras mídias físicas de artistas, além de ir a shows para desenvolver uma conexão mais profunda com a música e as bandas. Também acho incrível como artistas independentes estão encontrando maneiras de trilhar seu próprio caminho diretamente para os fãs de música — como o crescimento inicial algorítmico e os salvamentos que estamos vendo com este novo single.

Como você vê o desenvolvimento do mundo da música nos próximos cinco anos?

Vejo cada vez mais bandas e fãs de música buscando locais alternativos e acesso direto ao público. Isso não significa que os caminhos tradicionais desaparecerão, mas métodos não convencionais tornarão as bandas em turnê mais acessíveis e permitirão que elas ganhem a vida. As coisas estão mudando rapidamente agora, mas acredito que artistas e bandas que se apresentam ao vivo terão uma oportunidade real de alcançar sucesso a longo prazo por meio de uma conexão genuína com seu público.

Como a música te ajuda nesses momentos difíceis?

A música sempre foi parte integrante da minha vida, até o nível molecular. Ela me dá um senso de propósito e paz. Completar músicas pode ser um pouco angustiante — há uma sensação de realização. Não consigo imaginar minha vida sem ela. Receber mensagens sobre como a música que crio ajuda outras pessoas faz tudo valer a pena. É incrível ver fotos de pessoas escrevendo minhas letras em suas calças jeans. É muito importante para mim que essas músicas cheguem ao máximo de pessoas possível. Sinto que muitas pessoas precisavam dessas músicas para ajudá-las a lidar com seus problemas, assim como eu precisei e ainda preciso.

Foto cedida por Moondrive.

Moondrive

Parece que: Uma sinfonia de sintetizadores lo-fi sobreposta a um pop eletrônico de evolução lenta, que soa como uma transmissão perdida, perdida na atmosfera.

Entrevista:

Descreva sua abordagem à música e como você explicaria aos outros a sonoridade do seu trabalho.

Sou fascinado por contrastes. Elegância encontrando esqueletos no armário: tudo fica visível se você olhar com atenção. Acho que é uma ótima analogia para um ser vivo, para a vida cotidiana, para a própria vida, para a sociedade como um todo. Francamente, não sou muito fã de descrever minhas próprias obras de arte. Sempre acreditei que, se isso for necessário, ou a arte é fraca ou você está se dirigindo ao público errado. E se uma obra passa nesses dois testes, então talvez ela levante a questão: como posso responder a isso? Seria terrível.

Como você chegou ao título do seu álbum?

Em relação ao título do álbum Tudo que se foi É essencialmente uma coleção de perspectivas, pessoas, impressões, pensamentos, observações e reflexões sobre tudo. E a maioria delas se foi — não necessariamente no passado, apenas se foi. Gosto de brincar que é o completo oposto de um álbum conceitual. Não há conceito além do nascimento, da morte e do que há entre eles, antes e depois. Ou talvez esse seja o conceito, já que aparentemente engloba tudo. Uma ótima desculpa, não é?

Quais artistas e álbuns tiveram a maior influência na sua direção criativa?

Eu ouço de tudo, mas quando comecei a compor este álbum a sério, tinha uma direção clara: música clássica contemporânea, orquestrações, cantores pop, vanguarda eletrônica, música experimental. Essa combinação me pareceu a linguagem certa para o que eu queria dizer. Pela primeira vez, não estava buscando inspiração específica em discos específicos — simplesmente aconteceu ao longo da minha vida, através de milhares de álbuns. Eu só precisava seguir as direções. Foi estranho. Acho que tive sorte — voltei a gostar de ouvir música porque não senti necessidade de copiar ninguém.

Qual é a coisa mais interessante acontecendo na indústria da música neste momento?

Sinceramente, não tenho ouvido muita música nova ultimamente. Pelo que vejo, muita coisa parece monótona — as mesmas texturas, as mesmas estruturas, o mesmo clima. Mas acho que o mais interessante é que artistas que se recusam a competir ainda existem, trabalhando na periferia, e são mais interessantes do que nunca justamente por não estarem lutando por um lugar no centro. O trabalho de verdade acontece nos bastidores.

Como você vê o desenvolvimento do mundo da música nos próximos cinco anos?

Inteligência artificial. Essa é a resposta curta. Fazer música se tornará tão fácil que qualquer um poderá fazê-lo — já é possível, e só vai ficar mais fácil. Então, acho que duas coisas serão importantes: a capacidade de apresentar música ao vivo, porque as pessoas continuarão buscando uma conexão empática com uma pessoa real no palco, ou com um herói com quem possam sonhar e compartilhar. Estamos caminhando para um mundo onde a habilidade mais importante será a direção artística — saber o que criar, ter bom gosto para moldá-lo e ter a coragem de mostrar a própria imagem na obra e dizer: "É isso que eu quero dizer". A máquina fará o resto. A questão é se isso será libertação ou capitulação. Eu ainda não sei.

Como a música te ajuda nesses momentos difíceis?

Espero que sim.

Foto cedida por Pryti.

Preeti

Soa mais ou menos assim: Uma mistura cativante de metal alternativo ao estilo Deftones e pop inspirado em Halsey, criando um projeto crossover único.

Entrevista:

Descreva sua abordagem à música e como você explicaria aos outros a sonoridade do seu trabalho.

Componho música para pessoas que não se encaixam em padrões, e isso sempre esteve no cerne da minha música. Não tento ser algo que não sou, apenas me concentro no que flui de mim. Não me importo com as últimas tendências; um acorde de guitarra está em uma música quando a escrevi porque me tocou profundamente. É para me emocionar. Meu som é melancólico, cinematográfico, sombrio, mas esperançoso. Minha música combina elementos de alternativo, emo e metal com influências eletrônicas. Também apresenta elementos de metalcore e post-hardcore.

Como você chegou ao título da sua apresentação?

Foi uma decisão muito simples, meu nome é Priti.

Quais artistas e álbuns tiveram a maior influência na sua direção criativa?

O Linkin Park me apresentou ao metal quando eu ainda estava no ensino médio. Álbum Hybrid Theory Foi lançado quando eu era adolescente e mudou tudo para mim. Eu adoro música pop, mas nunca senti que ela me cativasse, mas esse álbum sim. Deftones também teve uma enorme influência na direção criativa da minha música. A melancolia do álbum Caminhando às cegas em direção ao êxtase Sarah McLachlan me emocionou. Finch – O que é queimar , Mancha – 14 tons de cinza . Eu também ouço muito metalcore. O primeiro álbum foi Bury Tomorrow., Retratos, Foi produzido pelo meu produtor, Justin Hill. Eu era obcecado por aquele álbum e queria muito trabalhar com ele, e ele produziu todas as minhas músicas desde que comecei a compor. O álbum autointitulado do Saosin sempre foi um dos meus favoritos; é cheio de alma e memorável. John Mayer tem sido uma grande influência para mim em termos de composição; a qualidade das letras dele é incrível, e embora seja tão diferente do que eu faço, sempre quero melhorar como compositor.

Qual é a coisa mais interessante acontecendo na indústria da música neste momento?

Estou muito empolgado com o atual renascimento do rock e do metal. Sempre existiu, mas como tudo na indústria, ela é movida por tendências, e nós somos os criadores das nossas próprias tendências.

Como você vê o desenvolvimento do mundo da música nos próximos cinco anos?

Acredito que o talento será, mais uma vez, o fator determinante. Penso que haverá ainda mais resistência à inteligência artificial e às empresas que lucram com a publicação de faixas geradas por IA em plataformas digitais. Acredito que a indústria musical terá que se adaptar constantemente, dado o atual cenário global, pois, com o aumento dos preços da energia, será viável a realização de grandes turnês por artistas renomados em caso de escassez prolongada?

Como a música te ajuda nesses momentos difíceis?

Eu amo tanto música que tenho bandas e artistas que me animam e me ajudam a lidar com situações difíceis. "An Ending in Itself", do Sleeping with Sirens, chegou bem na hora que eu precisava; é incrível quando essas coincidências acontecem. Também adoro ouvir bhajans e mantras (ou, como eu os chamo, mantras). Descobri que isso me ajuda a manter a calma.

Foto cedida por Thirsty Curses.

Com sede de uma maldição

Parece que algo intermediário Tratamento térmico por Graham Parker e O Rumor e Anódino Originária de Uncle Tupelo, o berço do rádio universitário, Raleigh, Carolina do Norte.

Entrevista (o vocalista Wilson Getchell responde):

Descreva sua abordagem à música e como você explicaria aos outros a sonoridade do seu trabalho.

A música do Thirsty Curses abrange uma ampla gama de gêneros, mas geralmente se enquadra no amplo gênero rock 'n' roll.

O jornalista musical Jeff Yerger escreveu certa vez algo como: "Thirsty Curses tem um som cru, inspirado no indie rock dos anos 80, como se The Replacements tivesse mais piano". Sempre gostei dessa descrição.

O Thirsty Curses tem um som cru de rock 'n' roll que mistura punk, power pop, alt-country, grunge e rock progressivo. Grande parte do seu material tem claras nuances punk. Além do The Replacements, também ouvimos coletâneas com Dresden Dolls, Elvis Costello, Marshall Crenshaw, The Old 97s, The Hold Steady, Jeff Rosenstock, Ramshackle Glory e Queen.

As pessoas também costumam dizer que minha voz lembra a do Adam Duritz. (Também já me compararam algumas vezes ao Tom Petty, mas sempre achei que fosse só por causa do meu cabelo loiro.).

Cresci ouvindo muita música dos anos 60 e 70, o que certamente teve uma grande influência na minha composição. Embora eu nunca nos compare aos Beatles ou aos Beach Boys, essas duas bandas certamente tiveram uma enorme influência na minha escrita e no som do Thirsty Curses.

Como você chegou ao título da sua apresentação?

Há anos que brinco que... «"Sede de Maldição"» — É basicamente uma forma espirituosa de dizer «"alcoolismo"» . Mas isso não é tudo.

Nome Maldições Sedentas Reflete como o desejo, o apetite, a ansiedade, etc., nos atraem para aquilo que pensamos precisar, mas que muitas vezes também contém as sementes da nossa própria destruição. Maldições Sedentas — Isso se refere aos padrões de comportamento que nos assombram ao longo da vida e aos quais resistimos em vão (ou aceitamos abertamente).

O título Thirsty Curses (Maldições Sedentas) se encaixa perfeitamente neste projeto, refletindo a filosofia subjacente ao material. Muitas das canções do Thirsty Curses combinam alegria e desespero, frequentemente com um fio condutor de crises existenciais que permeia grande parte da música. Mas também há um considerável desdém pelas dificuldades, acompanhado de um otimismo irônico e humor.

Embora haja certamente um toque de fatalismo pessimista (ou realismo, dependendo de quem você perguntar) em muitas das músicas, também há um bom senso de humor e diversão desenfreada.

Quais artistas e álbuns tiveram a maior influência na sua direção criativa?

O punk rock definitivamente influenciou muito minhas composições ao longo dos anos. Quando comecei na música, ouvia principalmente bandas punk. No ensino médio, eu curtia muito Operation Ivy, Less Than Jake, Crass, The Dead Kennedys, Against All Authority e por aí vai. Mas para mim, tem os Beatles, Brian Wilson e depois todos os outros.

Nos últimos dois anos, tenho estado obcecado por Brian Wilson e os Beach Boys desde o álbum Pet Sounds. Sempre fui fã dos Beach Boys, mas até recentemente só ouvia as músicas deles. Sons de animais de estimação . Álbuns Amigos , Amo você , Adulto/Criança и Sorriso As músicas de Brian Wilson se tornaram minhas favoritas e provavelmente tiveram uma influência significativa em minhas composições recentes.

Mas ao longo dos anos, algumas das minhas bandas favoritas e influências incluem Modest Mouse, Deer Tick, The Replacements, The Silver Jews, Dresden Dolls, Ramshackle Glory, Wilco, The Old 97s, Guided by Voices, Bomb the Music Industry, Ween, Jonathan Richman, Sonic Youth, Velvet Underground, etc.

Meu álbum do ano de 2024 foi O passado ainda está vivo grupo Hurray for the Riff Raff (o segundo lugar foi conquistado por Fogos de artifício Manning (De MJ Lenderman) (Eu também sou da Carolina do Norte!).

Meu álbum de 2026 foi Lily Allen, a garota do West End. Recentemente, também descobri uma banda indie/punk pouco conhecida, mas muito legal, chamada Ugly Cowboys. Eles são incríveis. Ouçam a música "Nancy".

Qual é a coisa mais interessante acontecendo na indústria da música neste momento?

O ressurgimento das mídias físicas (vinil, cassetes e CDs) é um fenômeno bastante empolgante. Fiquei surpreso ao ver tantos estudantes comprando CDs ultimamente. Certamente não esperava tal tendência. É claro que esse aumento nas compras de música física parece estar restrito principalmente aos amantes da música, mas ainda assim é um desenvolvimento bem-vindo.

Nos últimos anos, tenho notado que uma parcela significativa do público também anseia por música reflexiva e autêntica. Talvez isso seja em parte uma reação à música de baixa qualidade criada por IA. No entanto, isso é apenas um palpite, sem qualquer embasamento em dados.

Mas histórias individuais, espalhadas aqui e ali, inspiram otimismo. Por exemplo, eu já era bastante fascinado pelo trabalho de Brian Wilson quando ele faleceu no ano passado. Mas fiquei surpreso com a avalanche de condolências, agradecimentos e outras manifestações de carinho, vindas de todos os cantos, da vida real ao TikTok.

Se conseguirmos fazer com que os jovens voltem a frequentar bares de rock e a beber mais, aí sim estaremos no caminho certo.

Como você vê o desenvolvimento do mundo da música nos próximos cinco anos?

Sinceramente, não faço ideia, mas é claro que o mundo da música e a "indústria musical" (cartel da música?) enfrentam muitos problemas e desafios num futuro próximo, e o mais óbvio e urgente deles é o desenvolvimento da inteligência artificial.

Gostaria de acreditar que a maioria das pessoas não gostaria de ouvir uma música tão insípida e sem alma, mas, por outro lado, tenho notado que, nos últimos anos, muita música mainstream criada por humanos se tornou bastante desprovida de alma e significado. A maioria dos consumidores de música não se importa mais se seus artistas favoritos compõem suas próprias canções ou tocam seus próprios instrumentos. Essencialmente, isso não importa. Portanto, não estou muito otimista de que o público rejeitará a música gerada por máquinas. Ao mesmo tempo, percebi certa resistência, como mencionei anteriormente, mas não tenho certeza se isso reflete uma tendência geral. Talvez seja simplesmente um fenômeno da contracultura. Mas veremos.

Sei que sempre haverá músicos se esforçando para criar e um público ávido por música reflexiva, inspiradora e orgânica. Só não sei qual porcentagem do mundo da música será consumida por IA, etc. Sei que não será o mundo inteiro da música, e pode acabar sendo muito pequena. Também sei que, em qualquer caso, há pouco que eu possa fazer a respeito, a não ser continuar fazendo o que faço. Então, vou continuar fazendo música e torcer pelo melhor (e aproveitar todas as oportunidades para tirar sarro da música gerada por IA).

Há um verso em nosso novo single, "Starting to Remember How Much I Forgot", que parece muito apropriado: "Só nos resta esperar para ver como tudo termina. Só nos resta esperar para ver onde vamos parar quando aterrissarmos.".

Como a música te ajuda nesses momentos difíceis?

Para mim, compor sempre foi terapêutico e uma forma de processar questões da minha vida pessoal e do mundo ao meu redor. Nos últimos anos, tenho notado que cada vez mais das minhas músicas se concentram neste último aspecto. Definitivamente, há algum tempo sinto que a sociedade está se desintegrando.

Algumas faixas do nosso próximo álbum Thirsty Curses'’ Frank-N-Stein — essas são essencialmente minhas tentativas de dar sentido à incerteza e ao caos da nossa era (por exemplo, «Starting to Remember How Much I Forgot», «Fifths/Minors», «Dramatic Moments»). Do nosso álbum anterior ( «"A música é uma farsa" »As músicas "Bombs Away", "Foot in the Door" e "Reading & Writing" abordam temas semelhantes.

Eu também percebo a música como algo transcendental e atemporal. Nesse sentido, a música serve como uma espécie de âncora ou apoio quando tudo o mais parece instável.

A música também me proporciona algo útil e positivo em que me concentrar. É uma âncora saudável. Quanto mais me concentro na música e me envolvo com ela, menos propenso estou a comportamentos autodestrutivos.

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