¡Feliz Día del Orgullo! Ya sea que cuenten historias directamente relacionadas con temas LGBTQ+ o que se hayan ganado el cariño del público queer, las películas han desempeñado un papel fundamental en la cultura queer. Algunas de estas películas han roto barreras, otras han generado debate y otras han adquirido un significado completamente nuevo gracias a quienes las han acogido. Por eso, en honor al Mes del Orgullo, aquí les presentamos algunos datos interesantes sobre películas clásicas LGBTQ+ y películas populares que no pertenecen a la comunidad LGBTQ+:
Cuando Philadelphia se estrenó en 1993, se convirtió en la primera gran película de Hollywood en abordar la crisis del SIDA. En la película, Tom Hanks interpreta a un abogado exitoso que es despedido después de que su empleador descubre que tiene SIDA, lo que refleja la discriminación que muchas personas con la enfermedad enfrentaban en ese momento. A lo largo de la década de 1980 y principios de la de 1990, el SIDA siguió estando fuertemente estigmatizado, y Hollywood evitó en gran medida tratar la epidemia en el cine comercial.
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Como resultado, Filadelfia se consideró un proyecto arriesgado, y muchos en la industria dudaban de que el público aceptara un drama sobre el SIDA con un protagonista gay. Estas preocupaciones resultaron infundadas cuando la película se convirtió en un éxito de crítica y público. Hanks ganó un Óscar a Mejor Actor, y Bruce Springsteen ganó el Óscar a Mejor Canción Original por "Streets of Philadelphia". Hoy en día, se le atribuye a la película haber contribuido a visibilizar temas como el SIDA, la discriminación y los derechos LGBTQ+ ante un público más amplio.
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2. Bottoms, escrita y dirigida por Emma Seligman y coescrita y protagonizada por Rachel Sennott, fue concebida como una reinterpretación de las comedias clásicas para adolescentes, pero con un estilo más exagerado y absurdo. En entrevistas, Seligman ha declarado que se inspiró en comedias de instituto directas como Superbad y American Pie, ya que exploran temas como la adolescencia incómoda, la jerarquía social y el humor caótico propio de la adolescencia. También ha citado películas más estilizadas e hiperbólicas como Fight Club y Scott Pilgrim vs. the World como inspiración para la estructura de Fight Club y su escalada exagerada, casi caricaturesca.
United Artists / Cortesía de la Colección Everett
En lugar de copiar directamente estas películas, el objetivo era combinar sus tonos para crear algo intencionadamente salvaje e impredecible. Esta combinación de influencias es la razón principal por la que la película alterna tan rápidamente entre la torpeza adolescente realista y escenas extremas, casi surrealistas.
United Artists Releasing / Cortesía de Everett Collection
Véase también: Cómo eran ahora los eventos de apoyo a la comunidad LGBTQ+ en las grandes empresas en comparación con hace diez años; algunos de estos retrocesos son enormes.
3. Llámame por tu nombre fue concebida originalmente no como una historia independiente, sino como el inicio de una serie más larga que narraría la vida de los personajes a lo largo del tiempo. El director Luca Guadagnino ha declarado en entrevistas que quería retomar la historia de Elio y Oliver en diferentes etapas de sus vidas, ambientando la siguiente película varios años después de los acontecimientos de la primera. Los planes iniciales describían el proyecto como parte de una trilogía, donde cada película seguiría a los personajes a medida que maduraban, con una estructura similar a la de las películas de Richard Linklater, "Antes del amanecer".
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Guadagnino también sugirió que la secuela se extendería más allá de Italia y mostraría a los personajes explorando nuevos lugares y momentos históricos, incluyendo la epidemia del VIH/SIDA y el cambiante panorama cultural y político de finales del siglo XX. André Aciman, autor del libro en el que se basa la película, incluso escribió una secuela que ampliaba la misma historia. Sin embargo, por diversas razones, incluyendo la controversia en torno a Armie Hammer, es probable que nunca se realice una secuela.
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4. Magnolias de acero es, sin duda, una de las mejores películas de todos los tiempos en cuanto a reparto y un verdadero clásico. Pero si una leyenda de Hollywood hubiera estado al mando, la película habría sido completamente diferente, aunque con un reparto igualmente icónico. Antes de convertirse en película, fue un éxito off-Broadway del dramaturgo Robert Harling, que rápidamente llamó la atención de Hollywood. Tras ver la obra, Elizabeth Taylor la elogió efusivamente y, según se cuenta, la recomendó a otros profesionales de la industria, incluida Bette Davis. Según Harling, Davis lo llamó un día y lo invitó a tomar el té en el hotel donde se hospedaba en Nueva York. Al principio, pensó que era una amiga gastándole una broma, hasta que Davis se presentó de nuevo, momento en el que se dio cuenta de que realmente era ella.
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Harling se reunió con Davis para tomar el té, donde le expresó su deseo de interpretar a Weezy e incluso sugirió otras opciones de reparto, como Elizabeth Taylor para el papel de M'Lynn y Katharine Hepburn para el de Claire. Al despedirse, Davis le dijo a Harling: «Puedes darle el papel de Weezy a otra actriz. Pero tanto tú como ella tendrán noticias de Bette Davis». Por supuesto, los papeles finalmente fueron para Olympia Dukakis, Shirley MacLaine y Sally Field, y, como escribió Huffington Post, «Por suerte para Harling, fue otra persona quien le comentó a Davis que habría actrices más jóvenes en la película».
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5. La película «But I'm a Cheerleader» recibió inicialmente una calificación NC-17 por parte de la MPAA, lo que, según la directora Jamie Babbitt, la sorprendió dado el tono y la premisa del filme. En aquel entonces, la calificación NC-17 solía considerarse restrictiva comercialmente, ya que muchos cines y videoclubes se negaban a proyectar este tipo de películas. En una entrevista, explicó que la película pretendía ser una comedia satírica y estilizada, pero la junta de clasificación se centró en breves escenas de contenido sexual entre mujeres.
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Babbitt también comentó cómo sentía que la película había sido tratada con mayor severidad por centrarse en personajes homosexuales y relaciones entre personas del mismo sexo, especialmente en comparación con las comedias heterosexuales para adolescentes de la misma época. Citó películas como American Pie, con contenido sexual similar o incluso más explícito, que aun así recibieron una clasificación R. Para asegurar un estreno en cines más amplio, tuvo que realizar pequeños cambios, como suavizar una escena de sexo y eliminar una breve frase. Esta experiencia influyó en su visión del sistema de clasificación y cómo este controlaba la representación de los personajes LGBT en el cine en aquel entonces.
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6. Moonlight hizo historia en la 89.ª edición de los Premios Óscar, convirtiéndose en la primera película con un reparto completamente negro y la primera película con temática LGBTQ+ en ganar el Óscar a la Mejor Película. Dirigida por Barry Jenkins, la película narra la vida de Chiron en tres etapas, sus luchas con su identidad, su sexualidad y su crianza en Miami.
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El guion se adaptó de la obra semiautobiográfica inédita de Tarell Alvin McCraney, "In the Moonlight Black Boys Look Blue", con quien Jenkins compartió muchas experiencias de vida, incluyendo haber crecido en el mismo barrio de Miami. McCraney había escrito la obra aproximadamente diez años antes de proponérsela a Jenkins para colaborar. Jenkins aportó una historia sobre la lucha de la madre de Chiron contra la drogadicción, basándose en su propia vida. Este clásico moderno se filmó en los barrios donde creció Jenkins y costó menos de cinco millones de dólares, convirtiéndose en una de las películas de menor presupuesto en ganar el Óscar a la Mejor Película de la historia.
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7. El diablo viste de Prada no es solo una de las películas de moda más icónicas de la década de 2000; es un hito en la historia del cine de moda en general. A pesar de que la película se ambienta en el mundo de la moda, el presupuesto de vestuario fue modesto —tan solo 100 000 dólares—, lo que llevó a la legendaria diseñadora de vestuario Patricia Field (conocida por su trabajo en Sex and the City) a recurrir a sus extensos contactos en la moda. Field sabía que tendría que pedir prestada muchísima ropa y accesorios, pero se encontró con resistencia, ya que los diseñadores temían que proporcionar piezas para la película molestara a Anna Wintour. Sin embargo, Prada les prestó las piezas, afirmando que creían que Wintour no se molestaría.
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Field también imaginó a Andi Sachs como la "chica Chanel" y contactó personalmente con la casa de modas, aprovechando sus contactos de larga data y compartiendo el guion. Chanel respondió con entusiasmo, deseosa de ver sus diseños en un personaje más joven (algo inusual para la época). Esta colaboración, por supuesto, dio lugar al famoso momento de Andi con las botas Chanel. Field llegó a comprar casi un millón de dólares en ropa para la película. Su trabajo en la película también le valió una nominación al Óscar al Mejor Diseño de Vestuario.
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8. Cuando The Rocky Horror Show se estrenó en 1975, fracasó en taquilla y tuvo dificultades para encontrar público en los cines tradicionales. Adaptada de la obra de Richard O'Brien, esta comedia musical combinaba ciencia ficción, terror, kitsch y humor transgresor de una manera muy adelantada a su tiempo, lo que desconcertó a muchos críticos y espectadores.
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Por supuesto, en lugar de desaparecer por completo, la película resurgió gracias a las proyecciones nocturnas, donde el público se disfrazaba de personajes, gritaba frases a la pantalla y representaba escenas cómicas junto con la película. Estas proyecciones interactivas transformaron The Rocky Horror Picture Show de un fracaso de taquilla en un fenómeno cultural y ayudaron a definir qué constituye una "película de culto". Como resultado, más de 50 años después de su estreno, The Rocky Horror Picture Show sigue siendo una de las películas con mayor permanencia en cartelera de la historia del cine, y aún se proyecta regularmente en todo el mundo.
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9. El documental Paris Is Burning surgió casi por casualidad cuando la directora Jennie Livingston estaba cursando un programa de fotografía y cine de verano en la Universidad de Nueva York. Paseaba por Washington Square Park y vio a un grupo de jóvenes bailando con un estilo que nunca antes había visto. Quiso fotografiarlos, pero le dijeron que no, que estaban haciendo voguing. Intrigada, Livingston empezó a hablar con ellos y pronto descubrió la escena underground de los salones de baile neoyorquinos. La invitaron a asistir a un mini salón de baile si quería aprender más. Tenía un trabajo de documental para el curso, así que pensó que podría filmar el mini salón de baile para él.
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A todos en la clase les encantó lo que filmó. Animada por la reacción de sus compañeros y cautivada por la cultura y el sentido de comunidad, comenzó a asistir a más y más bailes y a conocer artistas, muchos de los cuales se convirtieron posteriormente en figuras centrales del documental. Un amigo, becario en la radio WNYC, editó su material en un tráiler en VHS y se lo mostró a su jefe, quien a su vez se lo mostró al director de la emisora, Madison Davis Lacy. Impresionado por lo que vio, Lacy le dio a Livingston financiación para realizar un documental de larga duración.
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10. Antes de convertirse en una de las películas más aclamadas de David Lynch, Mulholland Drive se concibió originalmente como una serie de televisión para ABC. En 1999, Lynch filmó un episodio piloto que pretendía ser el inicio de un drama policíaco al estilo de Hollywood sobre una aspirante a actriz y una mujer con amnesia cuyas vidas se entrelazan. Sin embargo, según se informa, los ejecutivos de ABC quedaron desconcertados por el enfoque narrativo poco convencional y finalmente decidieron no producir la serie.
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En lugar de desechar el material, Lynch consiguió financiación adicional de la productora francesa StudioCanal y reelaboró el episodio piloto hasta convertirlo en un largometraje, filmando nuevas escenas y creando un final diferente. Aunque el episodio piloto original de Mulholland Drive no está disponible para su visualización legal, se ha filtrado en internet durante años, a pesar de que a Lynch no le gustó, declarando: «Lo único que sé es que disfruté haciéndolo, a ABC no le gustó y a mí tampoco me gusta la versión que presenté. Estuve de acuerdo con ABC en que la versión más larga era demasiado lenta, pero tuve que estropearla porque teníamos una fecha límite y no teníamos tiempo para hacer nada».
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11. Mucho antes de que La Bruja Malvada se convirtiera en uno de los musicales de Broadway más populares de todos los tiempos, Universal ya había adquirido los derechos de la novela de Gregory Maguire de 1995, Wicked Witch: The Life and Times of the Wicked Witch of the West, y planeaba adaptarla para la pantalla. El productor Marc Platt pasó años intentando encontrar la manera de trasladar la compleja trama del libro al cine, pero sentía que algo no terminaba de encajar. Como recordó más tarde, al material parecía faltarle un elemento que pudiera transmitir plenamente la relación emocional entre Elphaba y Glinda.
Universal Pictures / Cortesía de la Colección Everett
El punto de inflexión llegó cuando el compositor Stephen Schwartz, al enterarse de que Universal poseía los derechos, llamó a Platt y le preguntó si alguna vez había considerado convertir la historia en un musical. Platt afirmó que quedó inmediatamente cautivado, describiéndolo como un momento de revelación que cambió por completo su perspectiva sobre el proyecto. Se asoció con Schwartz para desarrollar "Wicked Witch" para el teatro, convencido de que, si el musical tenía suficiente éxito, podría adaptarse al cine.
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12. Cuando se estaba desarrollando el proyecto de Julie Newmar a mediados de los 90, varias estrellas importantes de Hollywood, como Robert Downey Jr., Kyle McLaughlin, Robin Williams, John Cusack y Willem Dafoe, mostraron interés e incluso audicionaron para el papel de Vida Bohème. Finalmente, el papel fue para Patrick Swayze, quien lo consiguió gracias a su peculiar forma de caminar. Él se tomó el papel muy en serio.
Laurie Sebastian / © Universal / Cortesía de la Colección Everett
A pesar de la participación de estrellas tan reconocidas como Swayze, Wesley Snipes y John Leguizamo, y del respaldo de un importante estudio de Hollywood, la producción se topó con la resistencia de algunas empresas que no querían que sus productos se asociaran con artistas drag. Según los involucrados en la producción, varias marcas se negaron a incluir sus productos en las películas por temor a la reacción negativa del público conservador.
© Universal / Cortesía de la Colección Everett
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13. Cuando se estrenó en 1996 The Watermelon Woman, de Cheryl Dunye, la película logró difuminar de forma tan efectiva la línea entre ficción y documental que algunos espectadores creyeron que el personaje histórico central era real. La película sigue una versión ficticia de Dunye mientras explora la vida de una actriz negra poco conocida de las décadas de 1930 y 1940, conocida simplemente como "La Mujer Sandía", un apodo arraigado en los estereotipos racistas de "mammy" que definieron muchos papeles para las actrices negras en Hollywood.
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Para que la historia resultara creíble, Dunye creó fotografías de archivo falsas, fragmentos de películas, entrevistas y documentos históricos para el personaje, construyendo desde cero toda una historia de fondo de Hollywood. La actriz ficticia, Faye Richards (interpretada por Lisa Marie Bronson), estaba tan convincentemente integrada en la historia del cine real que algunos espectadores asumieron que realmente existía y comenzaron a buscar información sobre ella. Esta confusión fue intencional, ya que Dunye quería destacar cómo muchas historias de actores negros y personas LGBTQ+ han sido borradas de la historia.
© First Run Features / Cortesía de la Colección Everett
14. Antes de que Ang Lee se uniera al proyecto, Brokeback Mountain llevaba varios años en desarrollo, y el director Gus Van Sant estuvo brevemente vinculado a la película. Según Van Sant, encontrar actores dispuestos a interpretar el papel principal romántico resultó difícil, ya que varias estrellas importantes rechazaron los papeles protagonistas. Más tarde reveló que actores como Brad Pitt, Leonardo DiCaprio, Matt Damon y Ryan Phillippe abandonaron el proyecto en distintas etapas.
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En aquel entonces, un drama de Hollywood centrado en la relación romántica entre dos hombres todavía se consideraba un riesgo comercial importante, y muchos en la industria dudaban de la respuesta del público. Antes de que Heath Ledger y Jake Gyllenhaal firmaran para interpretar a Ennis Del Mar y Jack Twist, el desarrollo de la película avanzó lentamente, en parte porque los estudios no estaban seguros de hasta qué punto se podría promocionar. Una vez elegidos los protagonistas, el proyecto cobró impulso y se redefinió como un drama de prestigio en lugar de un estreno de nicho.
©Focus Films/Cortesía de la Colección Everett
15. Y, por último, la canción "Somewhere Over the Rainbow" estuvo a punto de ser eliminada de El mago de Oz. Sé que cuesta creer que alguien pudiera eliminar una de las canciones más emblemáticas de la historia del cine, pero los ejecutivos de MGM consideraron quitar la escena porque sentían que ralentizaba el ritmo de la película. Temían que este momento de calma frenara la trama justo cuando empezaba a cobrar fuerza.
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Algunos también opinaron que el escenario —un simple corral— no encajaba con el grandioso y colorido espectáculo de la película. Además, les pareció que la canción era triste y temían que el público no reaccionara bien ante algo tan melancólico; buscaban algo cautivador y vibrante. Afortunadamente para todos, los ejecutivos finalmente tomaron la decisión correcta.
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