Ao criar um álbum dedicado em grande parte à perda e intitulá-lo "Good Grief", a cantora e compositora Sara Bareilles brinca claramente com as palavras dessa expressão comum, encontrando uma maneira de torná-la literal em vez de paradoxal. Isso ecoa o documentário de mesmo nome, "Sara Bareilles: Good Grief", que teve sua estreia mundial na quinta-feira à noite no Beacon Theatre de Nova York, como parte do Festival de Cinema de Tribeca. Este filme poderoso e envolvente é tanto o melhor documentário de bastidores de um estúdio de gravação quanto um olhar intransigente sobre as várias formas de luto e como o sofrimento pode ser transformado em arte. Durante os intervalos das gravações, assuntos difíceis são discutidos, lágrimas são derramadas, e tudo ainda é um "bom momento".
Antes da estreia no Festival de Tribeca — e com a data de lançamento de Good Grief recentemente anunciada para 28 de agosto — Bareilles e o diretor Josh Alexander concederam uma entrevista. Variedade , para discutir sua colaboração cinematográfica incomum. Ninguém confundiria o filme com um típico documentário moderno de uma gravadora sobre a produção de um álbum. Isso se deve à dedicação destemida de Bareilles ao tema, bem como à contratação de Alexander, cujo trabalho anterior como diretor, roteirista e/ou produtor de documentários (o documentário sobre Al Sharpton, Loudmouth, Prescription Thugs, o filme sobre segregação Southern Rites) tinha pouca relação com o mundo do entretenimento. Felizmente, esses vizinhos do Vale do Hudson e seus cônjuges reacenderam uma antiga amizade justamente quando Bareilles estava prestes a ir para Dreamland, uma antiga igreja transformada em estúdio no interior do estado de Nova York, com um pequeno grupo de amigos músicos, e perceberam que uma semana de sessões planejadas poderia se transformar em uma espécie de coincidência fatídica, tanto no cinema quanto na música.
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Antes de nos aprofundarmos no conteúdo emocional do filme, vale ressaltar que não existem muitos filmes que documentem o processo de criação de um álbum com tantos detalhes. Você pode citar algum exemplo de filme sobre esse tema, ou sentiu que estava explorando um território desconhecido?
Josh Alexander: Acho que era um território completamente inexplorado. No entanto, eu citaria filmes predecessores como "The Last Waltz", "The Original D.A. Pennebaker Album: Company", "Amazing Grace" e "Don't Look Back". Eu já tinha visto essa abordagem para filmar turnês e, claro, "The Last Waltz", com a brilhante maestria de Scorsese em capturar todo o show final, a experiência dos membros da banda no palco. Então eu sabia que era esse o território que eu queria explorar. Mas, frequentemente, as gravações de estúdio são feitas pelas gravadoras como material de bastidores ou promocional para ser usado posteriormente no marketing do álbum, ou então elas não gravam o som ao vivo, então o resultado final é algo como um videoclipe. A minha intenção era tentar capturar isso em um estilo verdadeiramente cinematográfico.
Sara Bareilles: Além disso, a dor é tão comovente e sincera. Eu não queria que o material se transformasse em um espetáculo. E você me conhece há muito tempo — eu gosto de me exibir. Gosto de ser observado. Gosto de estar em frente às câmeras. Gosto de fazer as pessoas rirem. E havia algum mecanismo aqui que não funcionou. Ninguém estava atuando para a câmera. Estávamos realmente tentando, como um radiestesista, chegar ao âmago do que estava sendo revelado ali — a musa, a música, o espírito, a fonte. Quero dizer, Dreamland é literalmente uma catedral. Havia algo muito sagrado no processo de gravação, como se estivesse se desdobrando por si só. Foi incrível que as câmeras estivessem lá, mas não sentimos a presença delas.
Alexandre: A chave era garantir que o público realmente sentisse o que estava acontecendo, como se estivesse lá. Por isso, não usamos faixas pré-gravadas nem nada que fosse adicionado depois da gravação no Pro Tools. Gravamos 19 faixas de áudio contínuo todos os dias, durante todo o período das filmagens. Cada local foi microfonado para que o público pudesse realmente sentir a atmosfera do que estava acontecendo. E acho que esse é um dos motivos pelos quais a câmera começa a desaparecer, porque você está realmente capturando o que está acontecendo, e não apenas adicionando algo depois. E preciso dizer que nossa diretora de fotografia, Jenna Roscher, é uma das grandes cinegrafistas de documentários. Ela trabalhou em Jesus Camp há alguns anos e filmou um documentário sobre Billie Eilish para RJ Cutler. Eu sempre quis trabalhar com ela, e por acaso ela era fã da Sarah e cancelou um trabalho na Ásia para vir fazer este projeto. Sarah pode atestar que tem uma habilidade notável para sentir quando sua presença deve ser sentida e quando deve desaparecer, o que é um dom incrível para uma diretora de fotografia.
Outra coisa que Sarah e eu discutimos desde o início foi o almoço em grupo para a equipe e os músicos. Não queríamos que houvesse uma divisão entre a equipe e os músicos. Estávamos todos envolvidos no mesmo processo de produção do filme. Parecia um acampamento de verão para todos. Você chega e coisas incríveis acontecem: você se apaixona, dá o primeiro beijo, aprende a andar de canoa e, no final, está todo mundo chorando perto do ônibus. Foi assim também para a equipe. Depois de longas tomadas, o que é bem incomum para documentários modernos, íamos para um canto, chorávamos, conversávamos sobre nosso luto e as perdas em nossas vidas. Então, todos estavam na mesma jornada durante toda a semana, o que é bem singular.
Sarah, quando conversamos no ano passado sobre seu papel no documentário de Andrea Gibson, Come See Me in the Good Light (do qual ela foi produtora executiva, co-roteirista e intérprete de uma música original), você mencionou que os temas de luto naquele filme ressoavam muito com as ideias do álbum que você acabara de finalizar. E eu me lembro de ter pensado na época que estava realmente ansiosa por esse álbum, por causa de como você lidava com o luto — mas talvez, quando chegasse a hora de apresentá-lo ao público, você não enfatizasse tanto esse aspecto por medo de assustá-los. Mas, obviamente, depois de assistir ao documentário, você não tem medo de contar às pessoas sobre o que a música trata. Houve alguma humildade, mesmo ao encomendar este filme, em permitir que as pessoas experimentassem seus sentimentos nesse nível?
Bareilles: Sim, existe uma inevitabilidade em compartilhar a essência do que está acontecendo, algo que parece estar no DNA da música. Não sei como imaginar de outra forma. Acho que não funcionaria. E o luto tem sido um professor de vida radical para mim. Sinto que vivenciei uma espécie de antes e depois. E sim, perder meu amigo Gavin foi um grande catalisador, mas é uma espécie de efeito dominó que aconteceu neste último período da minha vida — desde problemas de saúde mental, a morte de vários amigos, a odisseia com problemas de infertilidade e o luto nacional. Acho que não estou sozinho nessa sensação de desorientação e instabilidade que as pessoas sentem em geral. Não sei como descrever de outra forma. Parece que é assim que as coisas querem ser.
Papel Sinto um pouco de ansiedade por estar prestes a compartilhar tudo isso pela primeira vez. As primeiras imagens serão divulgadas, o filme será lançado, a música começará a surgir aos poucos. Lembro-me de uma conversa com minha querida amiga Renée Elise Goldsberry, dois anos atrás, quando ela estava prestes a lançar seu documentário no Festival de Cinema de Tribeca, e ela teve um ataque de pânico completo antes do lançamento do filme, pensando: "O que diabos eu fiz? O que eu estava pensando?" sobre como seria revelar essa experiência. Mas é a verdade. E agora, escolho acreditar que há cura nisso. É intencional, e acho que é saudável para o mundo ver as pessoas com sinceridade, mesmo que seja uma verdade bastante desconfortável e dura. Mas a verdade é que acho que precisamos de mais verdade no mundo. Mais verdade, por favor.
Alexandre: Senti isso muito intensamente durante a semana das filmagens, e minha equipe também: cinema e música são uma espécie de permissão para as pessoas vivenciarem o luto. E acho que todos anseiam por essa permissão, porque há muita vergonha nesse processo. Então, quando se dá permissão para vivenciar o luto, parte do que se vê é que ele acontece, e depois, do outro lado, há alegria. É por isso que esta semana foi repleta de lágrimas, mas também de risos. Além disso, é muito importante não apenas deixar o luto sair, mas também permitir que ele se manifeste. serra . É muito importante que o luto de alguém seja visto pelos outros, e o filme permite que isso aconteça. Quero dizer, vemos as consequências em culturas ao redor do mundo, e na nossa própria cultura, quando o luto não é superado. Vemos a violência que pode ser infligida a nós mesmos e aos outros. Então, acho que a resolução que o filme e essa música proporcionam, ao nos permitir sentir aquilo de que muitos de nós nos envergonhamos, é realmente muito especial.
Como a Sarah acabou de dizer, não se trata apenas de um tipo de luto. O filme também aborda o tema da fertilização in vitro (FIV). Já ouvi histórias de mulheres sobre FIV, mas na maioria das vezes elas falam sobre como alcançaram o resultado desejado e depois sobre as falhas e o quão difícil foi a jornada. Raramente ouvimos mulheres dizerem: "Passei por isso, não deu certo e estou tendo dificuldade em aceitar", quando tudo ainda está sem solução. E o filme aborda essa questão logo no início. Eu esperava que o filme começasse com uma descrição das sessões de embolização e depois passasse para tópicos mais sérios na segunda metade. Mas Sarah, você conversa sobre FIV com Butterfly Boucher nos primeiros 10 minutos, e isso nos envolve imediatamente em uma atmosfera emocional.
Bareilles: A primeira cena do filme [quase]. Quer dizer, foi exatamente o que aconteceu na vida real. Eu os vi (Boucher), e eles são amigos muito próximos meus, então você fica imediatamente imerso na ação com seus personagens. Nossa, estávamos chorando cinco minutos depois de começarmos a conversar. Essa foi a minha cena favorita.
Alexandre: Durante o processo de edição, seguimos rigorosamente a cronologia. Este foi um filme em que tentamos não causar nenhum dano, de forma alguma, desde a edição até o design de som e a correção de cor. Como permitir que os eventos se desenrolem naturalmente sem sobrecarregá-los com significado? Porque, se não tivermos cuidado, podemos arruinar tudo muito rapidamente. Tudo se torna forçado e implausível. Então, tudo o que aconteceu no filme aconteceu exatamente como deveria, exceto por dois momentos que interrompem a linha do tempo: quando retornamos ao encontro com Chad (o falecido amigo de Bareilles) e no final do filme, quando vemos a semana inteira. De resto, tudo segue a ordem cronológica. Portanto, o objetivo era mais filtrar os eventos do que movê-los para outros lugares.
Bareilles: Eis o que quero dizer sobre a fertilização in vitro: tive uma experiência semelhante — adoraria ouvir mais histórias sobre o período difícil dessa jornada em que me encontro agora. Compreendo perfeitamente que as pessoas estejam dispostas a falar sobre a dor do processo de tentar engravidar quando já têm um bebê saudável nos braços. Estou nessa jornada há vários anos e tenho muita dificuldade em decidir se devo tornar algo tão pessoal mais público. E a própria cronologia dos eventos parece ditar se devo ou não falar mais sobre isso. No fim das contas, é o seguinte: ainda estou nesse período difícil, não tenho um filho e, quer eu queira ou não, provavelmente falarei sobre isso em alguns dias e, em outros, pensarei: "Será que posso pular essa parte?". É uma alquimia complexa.
Em um determinado momento do filme, algumas das sessões de estúdio já terminaram e Emily King aparece, aparentemente atrasada, e as pessoas começam a apresentá-la. Solomon Dorsey descreve o material em que estavam trabalhando e então se pergunta em voz alta se todas as músicas até então abordavam, de alguma forma, a morte. Há risos diante da ideia de que, sim, o álbum é sobre a morte ou a ausência de vida, referindo-se a uma música sobre uma fertilização in vitro malsucedida. No entanto, parece que nem todas as músicas do álbum tratavam desses temas. Vemos vocês interpretando "Hands Off My Body", uma música com uma carga política maior que os fãs já conhecem. Mas, no geral, vocês sentiram que este era um álbum conceitual que estava sendo criado durante a gravação?
Bareilles: Acho que, quando escolhemos o título "Good Grief" (Boa Dor), o luto se tornou um tema recorrente. É o luto do corpo, o luto do espírito, o luto pelo país, o luto pela perda de vidas. Mas, Meu Deus , A dor não é a inimiga, e os sentimentos não são a inimiga. Essa é uma citação de Andrea Gibson. Mas, ao olhar para esses cantos escuros, você percebe que a morte está muito viva. E somos uma cultura que tem pavor da morte. Então, sim, acho que conceitualmente este álbum tenta mergulhar de cabeça na ideia da perda — e em toda a riqueza que a acompanha. Perder algo que amamos não é apenas uma coisa. É glorioso, é incrível, é terrível e tudo o que há entre esses extremos.
O álbum já tem data de lançamento definida, enquanto a data de lançamento do filme fora dos festivais ainda não foi determinada. Mas, se tudo fosse igual, você acha que seria melhor para as pessoas assistirem ao filme primeiro e depois ouvirem o álbum, ou que elas ouviriam o álbum primeiro e o filme enriqueceria a experiência?
Bareilles: Boa pergunta. Não sei. Você tem alguma ideia sobre isso, Josh?
Alexandre: Sinceramente, acho que é um pouco dos dois. Consigo imaginar as pessoas vivenciando o álbum através do filme. Consigo imaginar as pessoas vivenciando o filme através do álbum. E são coisas muito diferentes. Sabe, a Sarah continuou trabalhando neste álbum o ano todo enquanto eu estava ocupado trabalhando no filme e finalizando-o. Então, acho que as pessoas vão apreciar muito como o filme captura de forma única um momento específico no tempo e um processo, mas o álbum é algo completamente diferente. É como se estivessem entrando em um diálogo, e esse diálogo pode vir de qualquer um dos lados.
Bareilles: Acho que haverá pessoas que assistirão ao filme e depois ouvirão o álbum e dirão: "Eu gostaria que você tivesse lançado o álbum que ouvi no filme". E elas perceberão que queriam algo mais orgânico do que o que parece ser um conceito finalizado. Espero que as pessoas, como Josh disse, possam ver isso como um retrato do momento.
Foi uma experiência de gravação completamente atípica para mim. Gravamos este álbum durante um ano — não todos os dias, claro, mas nunca tinha passado tanto tempo assim antes. O segredo é que você ganha um pouco de espaço e perspectiva, e então começa a repensar suas opiniões anteriores. E há músicas no álbum que não estão no filme. Então, Josh, acho que a melhor maneira de dizer é que são fragmentos que entram em um diálogo. Para aqueles que se interessam pela história da criação, o filme é o berço de muito do que veio depois — os shows ao vivo e tudo o que se seguiu a eles. Para aqueles que amam a história da gênese do projeto, é um olhar verdadeiramente incrível e íntimo sobre como algo começa... a faísca.
Alexandre: Sim, Sarah, estou pensando no último dia em que você tocou "Forever" para a banda pela primeira vez. Tive muita sorte de ter sido filmado. Nunca mais vai acontecer como no filme, e ver a gênese de muitas dessas músicas enquanto estavam sendo criadas é realmente especial.
Por coincidência, a maioria dos fãs ouvirá o álbum primeiro, já que ele será lançado em menos de três meses, seguido pela turnê da Sarah. Algum palpite de quando eles poderão assistir ao filme?
Alexandre: A grande estreia acontecerá no Festival de Cinema de Tribeca. Atualmente, estamos iniciando as negociações com distribuidores e compradores. Nosso filme será a atração principal do festival DC Docs no próximo fim de semana e estamos nos preparando para exibi-lo em muitos outros festivais de cinema. Esperamos alcançar um público mais amplo para o filme, para que as pessoas possam assisti-lo juntas nos cinemas e para que ele se torne acessível a um público ainda maior posteriormente.
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