«Il y a 30 ans cette semaine que le film » The Cable Guy » est sorti pour la première fois sur les écrans – et avec la récente confirmation d'un reboot, il est clair que ce personnage excentrique obsédé par les écrans refuse tout simplement de quitter la culture populaire.
Réalisé par Ben Stiller (qui tient également le rôle principal dans ce drame policier à la Menendez) et produit par le grand amateur de comédie Judd Apatow, « Disjoncté » a connu un parcours atypique. Basé sur un scénario de Lou Holtz Jr., procureur adjoint de Los Angeles et scénariste amateur, le film a rapidement attiré l'attention de Jim Carrey, étoile montante auréolé du succès d'« Ace Ventura », « Dumb and Dumber » et « The Mask ». Ce trio de blockbusters de 1994 l'a instantanément propulsé au rang de légende de la comédie, et la jeune star s'est soudainement retrouvée en position idéale de pouvoir faire ce qu'elle voulait pour la suite de sa carrière.
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Étonnamment, son intention n'était pas de réitérer le succès de son film précédent. Au contraire, il a décidé de surprendre ses nouveaux fans et les critiques en s'immergeant dans un rôle qui mêlait son talent comique débridé à une pointe de menace diabolique. Dans Disjoncté, Jim Carrey interprète Chip Douglas, un solitaire obsédé par la télévision. Après avoir noué une amitié maladroite avec Steven Kovacs (Matthew Broderick), fraîchement largué, Chip décide de devenir son nouveau meilleur ami, qu'il le veuille ou non.
Le film de Stiller, qui réunissait une pléiade de talents comiques de la fin des années 90 et où Apatow rencontra sa future épouse, Leslie Mann, s'attachait à créer un thriller audacieux et d'un humour noir qui a dépassé toutes les attentes. Cependant, après sa sortie, Hollywood et le public étaient perplexes face à la nouvelle comédie de Carrey, et son salaire record de 20 millions de dollars (à l'époque) a fait couler beaucoup d'encre dans la critique.
Pourtant, trente ans après sa sortie, tout cela s'est volatilisé, tel un post oublié sur les réseaux sociaux. Aujourd'hui, ce thriller à la fois drôle et sombre, signé par le trio, a non seulement résisté à l'épreuve du temps, mais est aussi reconnu comme une vision étrangement prophétique de la dystopie inquiétante et sinistre dans laquelle nous vivons désormais.
Pour célébrer l'anniversaire de The Cable Guy, les principaux membres de sa création — Stiller, Apatow, Holtz et le producteur Andrew Licht — se sont entretenus avec IndieWire au sujet de sa réalisation sans limites, des défis rencontrés lors de sa sortie et de son héritage inattendu.
Les interviews ci-dessous ont été éditées et condensées par souci de concision et d'espace.
Remarquant qu'un réparateur de télévision par câble était rentré chez lui exceptionnellement tard, Lou Holtz Jr., procureur du district de Los Angeles et scénariste, a eu l'idée d'une nouvelle histoire qui allait rapidement devenir un succès hollywoodien.
Lou Holtz Jr. (scénariste) : Au milieu des années 80, je sortais de l'appartement de ma mère un soir après 21h. J'ai aperçu le technicien du câble dans le couloir et je me suis demandé ce qu'il faisait là à une heure pareille. À l'époque, il était de notoriété publique que certains techniciens offraient toutes les chaînes de cinéma gratuitement en échange d'un bon pourboire. Pour les jeunes de mon âge, qui avaient une vingtaine d'années, c'était une aubaine, car ils louaient leur premier appartement et n'avaient pas les moyens de payer un abonnement à ces chaînes. Je me souviens avoir pensé qu'il serait amusant d'écrire quelque chose sur un de ces techniciens peu scrupuleux, mais je n'ai rien écrit à ce moment-là.
Judd Apatow (producteur) : J'ai toujours adoré les films comme « Et Bob ? », ceux où quelqu'un emménage à côté de chez vous, peut-être un collègue ou une nouvelle personne qui semble au départ être un type sympa, mais qui se révèle plus tard être votre pire cauchemar.
Holtz : Quelques années plus tard, je suis allé chez un ami pour regarder un combat de Mike Tyson sur HBO. Il nous a raconté qu'il avait donné un pourboire à son technicien la veille pour qu'il ait accès à HBO et qu'on puisse regarder le combat. Je me souviens avoir plaisanté avec lui, en lui disant un truc du genre : « Et si le technicien débarquait à l'improviste ce soir avec un pack de six bières et disait : „Mes plans pour regarder le combat de Tyson sont tombés à l'eau, alors j'ai décidé de me joindre à vous ?“ » Mon ami a haussé les épaules et a dit qu'il n'en savait rien.
C'était logique : d'un côté, il ne connaissait pas bien son fournisseur d'accès internet et ne voulait pas avoir affaire à lui ; de l'autre, il ne voulait pas l'offenser et risquer de perdre toutes ses chaînes de cinéma. Le bon sens voulait qu'en fin de compte, tout dépende du degré d'agacement que ce fournisseur pouvait lui causer. Je me suis demandé : « Jusqu'à quel point quelqu'un est-il prêt à supporter des désagréments pour avoir accès à des chaînes de cinéma gratuites ? » Et là, j'ai eu une super idée de film.
Andrew Licht (producteur) : Je connaissais Lou depuis des années et savais qu'il était un scénariste exceptionnellement talentueux. Jusque-là, il avait surtout écrit pour la télévision, et je l'encourageais à écrire un scénario de long métrage. Un jour, il m'a appelé et m'a dit qu'il avait écrit un scénario et l'avait déposé devant ma porte. Je lui ai demandé de quoi il s'agissait, et il m'a répondu : « Lis-le. » Je lui ai demandé le titre, et il a dit : « Ça te donnera la réponse. » J'ai emporté le scénario chez moi et je l'ai lu le soir même. Dès la première lecture, j'ai su que c'était une valeur sûre. C'était original, drôle, et exactement ce que nous recherchions. On comprenait immédiatement le personnage, et le concept, en plus d'avoir un potentiel énorme, était parfaitement exécuté.
Holtz : Les producteurs Andy Licht et Jeff Mueller m'ont confié que plusieurs dirigeants de studios appréciaient mon scénario, mais que, étant donné mon manque d'expérience, ils seraient plus enclins à l'acheter s'ils pouvaient y associer un comédien de renom. Il a fallu du temps, mais Licht et Mueller, qui avaient tous deux fait un travail remarquable pour promouvoir le projet dès le départ et m'aider, ont réussi à présenter mon scénario à Chris Farley et son équipe. Après que Chris Farley l'eut lu, adoré et accepté de participer au projet, une véritable guerre d'enchères s'est déclenchée entre plusieurs studios pour acquérir mon scénario, finalement acheté par Columbia Pictures.
Lumière : « Tommy Boy venait de sortir, et nous étions convaincus que Chris Farley était parfait pour le rôle de The Cable Guy. Mon associé, Jeff Mueller, et moi avons envoyé le scénario à son agent. Il a adoré, a convenu que Chris était idéal pour le rôle, et tout s'est enchaîné. Cinq studios étaient en lice pour le projet. C'est ainsi que commença l'aventure de The Cable Guy. «.
Holtz : J'ai écrit ce rôle de façon à ce qu'il puisse être interprété avec brio par de nombreux humoristes. Je me souviens avoir pensé notamment à Jim Carrey, Chris Farley, Chris Elliott et Michael Richards, sachant qu'ils seraient tous excellents.
Lumière : Ce film était visionnaire et, dans une certaine mesure, prédisait un monde où la solitude, l'obsession des médias et la technologie brouillent les frontières des relations humaines. Il traite de la connexion sans intimité, du remplacement des relations authentiques par le divertissement et du danger de la dépendance affective aux médias.
Holtz : Le scénario a été vendu fin avril 1995. Trois jours après la vente, Columbia m'a fait venir à New York pour passer quatre ou cinq jours avec Chris Farley. Le tournage devait commencer deux mois plus tard, en juillet 1995, pendant la pause estivale de Chris de « Saturday Night Live ». On m'a expliqué que Columbia voulait tourner les deux premiers actes de mon scénario tels quels, mais qu'ils souhaitaient que je réécrive le troisième pour en faire une comédie plus ambitieuse et plus polyvalente, qui conviendrait à Chris. Ils m'ont donc envoyé à New York pour le rencontrer.
Tout se passait à merveille lorsque nous étions ensemble à New York. Cependant, plus tard, les producteurs et les dirigeants du studio m'ont informé que Paramount, le studio qui avait produit Tommy Boy, disposait d'une option pour un autre film avec Chris Farley, clause inscrite dans son contrat pour Tommy Boy. La question était de savoir si Paramount avait la garantie de conserver cette option. suivant Soit le film de Chris, soit un autre film à venir. Finalement, Chris et son équipe ont décidé qu'ils seraient prêts à tourner « The Cable Guy » un an plus tard, à l'été 1996, mais qu'ils devaient tourner un autre film pour Paramount à l'été 1995 [Black Sheep] en raison de son contrat.
À ce moment-là, Columbia a envoyé mon scénario à Jim Carrey, qui, m'a-t-on dit, l'avait adoré et voulait y jouer, mais Jim souhaitait une version plus sombre de ma première ébauche, et il voulait que son ami Judd Apatow soit le nouveau producteur du film et s'occupe de toutes les révisions du scénario.
Ben Stiller (réalisateur, interprète de Sam et Stan Sweet) : Judd m'a présenté ce film et m'a en quelque sorte impliqué. Je ne connaissais pas très bien Jim avant que nous commencions à travailler dessus. Nous aimions beaucoup l'idée de donner au film cette ambiance étrange et sombre.
Apatow : À l'époque, il y avait beaucoup de films d'horreur avec ce genre d'intrigue. C'était assez courant. Je crois que Ben et moi, on s'est moqués de tous les clichés [qui y étaient associés] — et puis on s'est dit : « Imaginez Jim dans cette [situation] avec Matthew Broderick, et ce serait vraiment drôle. ».
Lumière : Malheureusement, des problèmes d'emploi du temps se sont avérés insurmontables. Chris avait des engagements avec SNL qui l'occupaient jusqu'en mai 1996, tandis que Sony tenait absolument à sortir le film en juin 1996. Le planning de production ne permettait tout simplement pas de concilier les deux. Le président de Sony, Mark Canton, nous a dit : « Si vous arrivez à convaincre Jim Carrey, nous ferons le film et le sortirons en juin. » Jim connaissait alors une période de succès incroyable, et dès qu'il s'est intéressé au projet, les choses se sont enchaînées très vite. Ce qui avait commencé comme un film conçu pour Chris s'est finalement transformé en un projet complètement différent, mais non moins mémorable, pour Jim.
Grâce à l'implication de Carrey, le projet a été accéléré. Après avoir demandé un ton plus sombre, Holtz a apporté plusieurs modifications au scénario avant qu'Apatow ne prenne le relais. Le producteur a finalement changé divers éléments narratifs, mais n'a pas été crédité comme scénariste en raison des règles de la Writers Guild.
Apatow : Je connaissais Jim depuis longtemps, depuis l'époque où on jouait dans des clubs. La première fois que je l'ai vu, je me suis dit : « C'est l'homme le plus drôle du monde. » J'en avais le pressentiment, et on est devenus très proches. Il m'a engagé, alors que j'étais tout jeune, à ses propres frais, pour écrire des sketchs pour In Living Color, afin qu'on puisse collaborer un peu. Je l'ai aidé un peu pour ses spectacles, mais il n'en avait pas vraiment besoin. On n'avait jamais eu l'occasion de travailler ensemble sur un gros projet, alors c'était vraiment génial. Jim n'avait pas fait beaucoup de stand-up – à l'époque, il trouvait tous ses sketchs excellents. Il avait une véritable passion pour l'expérimentation et la découverte.
Lumière : Jim Carrey a pris un risque. Au sommet de sa gloire après des films comme Ace Ventura, détective animalier, The Mask et Dumb and Dumber, il a choisi de ne pas se répéter et de se tourner vers un registre plus sombre et centré sur ses personnages. Il était sans doute attiré par l'opportunité de surprendre le public. Chip Douglas n'était pas un héros charmant : solitaire, tourmenté, manipulateur et parfois même effrayant. Jim y a vu l'occasion d'élargir ses horizons créatifs et d'explorer des thèmes plus sombres, tout en exploitant son remarquable talent comique.
Apatow : Ce fut une expérience très importante pour nous tous, car Jim était un homme qui n'hésitait pas à prendre des risques. Il avait vraiment à cœur de montrer qu'il ne se contentait pas de répéter les mêmes erreurs, tant qu'il en avait la possibilité. Il cherchait constamment à élargir ses horizons et à découvrir ses limites.
Stiller : J'étais enthousiaste à l'idée de développer cette idée de comédie noire sur l'amitié, dans la lignée des films qui sortaient à l'époque, comme Single White Female et Pacific Heights, qui explorent l'obsession d'une personne pour une autre. Comme nous commencions avec The Ben Stiller Show, Judd et moi y avons vu l'occasion de faire quelque chose de satirique dans ce genre.
Apatow : Dès le départ, nous nous sommes tous réunis pour discuter de la marche à suivre. Pendant les révisions du scénario, Jim était très insistant, dans le meilleur sens du terme, et suggérait toutes sortes de façons de transformer une comédie classique en une comédie policière, comme « La Main qui berce le berceau » ou « Intrusion illégale ». C'est ce qui nous faisait rire tous les trois.
Stiller : Jim avait ce personnage, et je me souviens de nos séances d'improvisation avec Judd et lui. Jim travaillait sur Ace Ventura 2 pendant le développement du film, et je me souviens que Judd et moi allions lui rendre visite à Charleston ou sur le lieu de tournage. On s'installait dans sa chambre d'hôtel pour discuter et échanger des idées.
Apatow : On sentait tous un changement dans les médias. On commençait à peine à réaliser que nos téléphones, nos ordinateurs, la télévision par câble et les films étaient sur le point de fusionner. Ce n'était pas encore tout à fait le cas, mais ça commençait. D'une certaine manière, le film « Disjoncté » est ce monstre venu du futur qui nous prévient que les choses vont vraiment mal tourner [rires]. Une partie de l'histoire montrait comment cela allait nous rendre fous, comment nous allions perdre la raison et notre capacité de concentration. Ce truc qui promettait de nous rassembler allait en réalité nous pousser à nous entretuer – et c'est ce qui s'est passé.
Holtz : Je n'ai jamais eu de réunion ni de conversation téléphonique avec Jim ou son équipe au sujet de mon scénario. Cependant, le studio m'a informé que, étant donné que j'étais encore lié contractuellement à effectuer toutes les révisions jusqu'à la finalisation des contrats de Jim et Judd, il m'a demandé d'écrire plusieurs versions plus sombres de mon scénario original avant de quitter le projet, ce que j'ai fait. La principale différence entre ma première version, celle qui a été vendue, et les versions ultérieures résidait dans le fait que le personnage de Cable Guy devenait moins bienveillant dans le troisième acte, et que le personnage de Matthew Broderick devait le combattre avec plus d'acharnement et d'intelligence pour s'en débarrasser. Mes versions ultérieures du scénario se sont finalement révélées plus proches du film final que ma première version.
Lumière : Judd a insufflé une dimension émotionnelle plus intense à l'histoire et a approfondi la relation entre Steven et Chip. Ben, quant à lui, a su trouver un équilibre remarquable entre comédie et malaise. Ensemble, ils ont donné au récit une dimension satirique, rendant les personnages plus réalistes et crédibles. Le film s'est éloigné de la comédie traditionnelle pour se muer en une étude de personnages sombre et profonde.
Apatow : Il y a de nombreuses scènes dans le film où Jim contemple l'avenir. Il dit : « La guerre du Vietnam, où tu pourras jouer aux jeux vidéo avec tes amis ! » et on comprend alors qu'il a trop regardé la télévision. Incapable de nouer des relations normales, il franchit toutes les limites. Il est tellement en manque d'attention qu'il tentera de vous ruiner la vie si vous le repoussez – je pense que c'est similaire à ce qui se passe actuellement, avec cette addiction généralisée aux téléphones et aux réseaux sociaux. Nous perdons l'essentiel pour être une bonne personne.
Lumière : Aujourd'hui, avec l'avènement des réseaux sociaux, des plateformes de streaming et la place prépondérante qu'occupent nos vies les écrans, ce film résonne plus que jamais avec l'actualité qu'en 1996. À l'époque, on s'attendait à une comédie à la Jim Carrey. Or, le travail de Ben Stiller et de son équipe s'est révélé plus sombre, plus intelligent et plus satirique que prévu.
Apatow : Jim et Ben ont toujours été fascinés par les médias et adoraient les explorer d'un point de vue psychologique. Ça peut paraître bête, mais on en a beaucoup parlé. Ben jouait une version satirique des frères Menendez, car leur procès venait de se terminer. J'étais humoriste et au chômage depuis un moment, alors je restais chez moi à regarder la retransmission du procès.
Stiller : Judd et moi avions tous deux vécu des ruptures, et nous avons donc canalisé nos propres problèmes relationnels dans cette histoire. Sur le plan personnel, c'était similaire à la façon dont nous gérions certains de ces problèmes, en nous appuyant sur nos propres expériences de forte dépendance affective dans nos relations de l'époque. Je pense que nous avions tous deux vécu des ruptures similaires, où nous nous sentions complètement perdus et vulnérables.
Le tournage a débuté en novembre 1995, sous la direction de Stiller qui y interprétait également un double rôle, dans une intrigue rappelant la relation des frères Menendez. La distribution comprenait aussi Matthew Broderick dans le rôle de Stephen Kovacs, client malchanceux et meilleur ami malgré lui de Cable Guy, et Leslie Mann, future Mme Apatow, dans celui de Robin, son ex-fiancée. Cependant, c'est Carrey qui a volé la vedette, livrant l'une de ses performances les plus sombres et les plus imprévisibles à ce jour.
Apatow : Quand l'idée a germé, j'ai proposé de réaliser le projet, car l'idée me tentait justement. J'ai été immédiatement éconduit. On m'a alors demandé : « Que faire ? » J'ai suggéré de demander à Ben, et heureusement, il a accepté avec enthousiasme.
Stiller : Je pensais aux films sombres du genre, aux films sur la possession. Je me souviens avoir vu « Le Locataire » et « Répulsion » de Polanski et m'en être inspiré pour la scène du cauchemar. J'étais vraiment fasciné par l'idée de la filmer comme un vrai film, en y intégrant des éléments de tension et de suspense.
Apatow : Je me souviens que Ben se préparait très sérieusement. Il a mis au point une superbe palette de bleus avec Sharon Seymour, notre chef décoratrice. Robert Brinkmann était notre directeur de la photographie. Ben et eux deux ont créé un style unique pour tout le film. Quand on travaillait sur The Ben Stiller Show et que Ben développait Reality Bites pour Danny DeVito, Danny lui a dit : « Tu fais ces sketches ? Tu devrais expérimenter avec la caméra et laisser libre cours à ton imagination, parce que quand est-ce que tu auras l’occasion de faire ça ? » Pendant le tournage, je me suis dit : « Voilà le fruit de toute l’expérience acquise en tournant autant de sketches. ».
Lumière : Le style visuel de Ben Stiller était réfléchi et cinématographique. Il a su habilement mêler comédie et tension psychologique, ce qui représentait le plus grand défi créatif. Si le film avait été trop sombre, le public aurait cessé de rire ; s'il avait été trop simpliste, la dimension émotionnelle aurait disparu.
Apatow : Jim était si populaire que toute la préproduction s'est déroulée très rapidement. Le studio souhaitait sortir le film pour une période estivale précise, la postproduction a donc été très courte. De ce fait, nous avons pu faire tout ce que nous voulions, car il n'y avait pas de temps pour des reshoots ou des corrections.
Stiller : Jim avait vraiment carte blanche. Je pense que comme nous connaissions mal toutes les subtilités de la réalisation d'un gros film d'été… nous étions complètement inconscients de tout cela et nous nous sommes dit : « Faisons en sorte qu'une araignée rampe sur le visage de Jim. Faisons-le, tout simplement. ».
Apatow : Tout le monde craignait que le film soit trop sombre. Il y avait une scène vraiment hilarante où Matthew conduit à toute vitesse avec Jim sur le toit. Matthew braque brusquement à droite et Jim est projeté en l'air, atterrit et tournoie sur le sol. Puis il se relève d'un bond et se met à courir comme le Terminator [rires]. Il y avait aussi une scène où Jim retient Matthew dans la boue. Il a une perceuse et s'apprête à lui percer le front. On a longuement hésité à garder l'une de ces scènes. A-t-on paniqué et les a-t-on coupées ?
Stiller : Jim adorait nous faire rire. En tant que réalisateur, je crois que notre rôle est d'être une sorte de public pour les acteurs et de réagir à leurs actions. Il faut percevoir ce qui nous fait rire et agir en conséquence. Jim a finalement fait de nombreuses prises. J'ai adoré le voir interpréter ce personnage.
Apatow : L'idée du chuchotement venait sans aucun doute de Jim. Il avait déjà des personnages dans l'émission « In Living Color » qui parlaient de la même manière. Je me souviens que le manager de Jim avait visionné nos premières images et avait demandé : « Va-t-il parler comme ça tout le temps ? » J'avais répondu : « Oui ! » Il avait rétorqué : « Oh non… » Mais cela le rendait aussi plus enfantin, et c'était justement le but recherché.
Lumière : Le réalisme de Matthew Broderick était essentiel. Le film fonctionne car son personnage réagit comme une personne ordinaire prise au piège d'un chaos grandissant. Matthew était le contrepoids idéal. Il comprenait que plus Steven restait réaliste et authentique, plus Chip devenait drôle et inquiétant. Voir Jim et Matthew travailler ensemble était captivant car ils abordaient les scènes de manière totalement différente, et pourtant leurs styles se complétaient à merveille. Leur dynamique est, en substance, le moteur du film.
Apatow : Nous avons grandi en regardant Matthew. Je l'ai vu à Broadway, et Ferris Bueller et WarGames ont marqué notre enfance. À l'époque, il n'interprétait pas beaucoup de rôles adultes. Je pense que pendant quelques années, il était quelque part entre l'image qu'il avait au lycée et celle qu'il avait adulte. Je me souviens, quand nous avons commencé à travailler avec lui, je me suis dit : « Oh, il est devenu un bel acteur. C'est le début d'une toute nouvelle ère pour Matthew. ».
Stiller : Jim a recommencé encore et encore, probablement une vingtaine ou une trentaine de prises, explorant différentes idées. On en a ri pendant des années, mais je me souviens que Matthew observait simplement Jim. Il y avait un côté méta à tout ça. rires Il observait Jim faire ces choses insensées et la façon parfaite dont il y réagissait.
Apatow : C'était un rôle très exigeant car il reposait entièrement sur les réactions. Jim est en pleine crise de folie, et Matthew doit s'efforcer d'empêcher le film de sombrer dans le chaos total. Je me souviens d'une fois, après une longue séquence où Jim était complètement déchaîné, Matthew m'a dit : « Je ne sais plus quoi faire… » C'était formidable de travailler avec quelqu'un que nous respections autant. On n'arrivait pas à croire qu'il était là.
Stiller : On le voyait comme une comédie, mais aussi comme un véritable film. Avec le recul, je me rends compte qu'il y a un peu des deux : des références satiriques au genre, comme Jack Black qui joue le meilleur ami de Matthew… On a peut-être voulu ménager la chèvre et le chou par moments. Je crois que c'était notre état d'esprit quand j'avais 30 ans ; on essayait sans doute d'en faire trop à la fois.
Apatow : Nous avons envisagé de confier le rôle à tous ceux que nous considérions comme l'avenir de la comédie. Andy Dick et Janeane Garofalo travaillent chez Medieval Times. Bob Odenkirk avait tourné une scène pornographique protégée par un mot de passe, et nous étions de grands fans de Jack Black, qui venait de commencer à jouer avec Tenacious D.
Le film Bottle Rocket était sur le point de sortir. On a vu quelques images et on a auditionné Owen [Wilson], mais son audition était catastrophique. Ben a dit : « Je ne sais pas si on peut l'avoir… » Et j'ai répondu : « C'est le gars de Bottle Rocket ! Il nous le faut absolument ! » Depuis, ils ont collaboré d'innombrables fois.
Leslie Mann, qui est devenue ma femme par la suite, est venue à l'audition [pour le rôle de Robin]. Je l'ai regardée l'autre jour, car elle est en ligne, et elle lisait le texte en même temps que moi. Quand j'ai rencontré Leslie pour la première fois, j'imitais Jim Carrey, avec un zézaiement. Notre rencontre, si touchante, est disponible en ligne.
Derrière l'interprétation vibrante de Carrie se cachait le désir d'insuffler une empathie inattendue à un personnage profondément imparfait. Rétrospectivement, il s'agissait d'un choix artistique qui a jeté les bases de la diversité des projets futurs de l'actrice.
Stiller : Jim a également apporté une certaine solitude au film. L'idée était de montrer un homme qui aspire simplement à créer des liens et à se faire un ami. Je pense que Jim a toujours gardé cela à l'esprit pendant le tournage. À ce moment-là, il était vraiment enthousiaste à l'idée d'interpréter un rôle avec une telle dimension émotionnelle. Par exemple, les scènes dans sa camionnette où il regarde la télévision seul. C'est un thème qui l'a toujours intéressé. C'est un acteur vraiment unique.
Leitch : Jim aurait pu jouer la carte de la sécurité, mais il voulait interpeller le public. Ce qui m'a le plus surpris, c'est la tristesse qu'il a insufflée à son personnage. Tout le monde s'attendait à ce que Jim soit drôle. Mais personne ne s'attendait à ce qu'il rende Chip aussi vulnérable. Derrière toute cette excentricité se cachait un homme solitaire, désespérément en quête de lien social. Jim a trouvé cette humanité, et je pense que c'est l'une des raisons pour lesquelles le film a traversé les époques.
Apatow : « Le mot de passe pour le porno » est une activité que Jim pratiquait en famille. C’est lui qui a suggéré de l’inclure dans le film.
Stiller : On cherchait comment rallonger une scène pour s'amuser, et Medieval Times était très populaire en Californie du Sud à l'époque. Ce que je préfère dans cette scène, c'est qu'on a pu faire cet hommage un peu loufoque à Star Trek [rires]. C'est un peu un clin d'œil aux fans de Star Trek, le fait qu'on soit allés aussi loin… Jim a eu l'idée de fredonner de la musique pendant le combat parce que son personnage avait passé sa vie devant la télé ; la musique était ancrée en lui. L'idée, c'était que le personnage de Jim ait la musique en tête et qu'il vive un épisode de Star Trek… et puis [on s'est dit] que ce serait cool d'avoir de la vraie musique. Je me souviens d'avoir été super enthousiaste.
Lumière : Le Moyen Âge était le cadre idéal car il accentuait l'absurdité de la vision du monde de Chip tout en offrant à Jim une plateforme incroyable pour exprimer son talent. L'alliance du côté dramatique et excessif du décor, de la tension croissante entre les personnages et du dévouement sans faille de Jim a fait de cette scène un véritable chef-d'œuvre comique. Elle est devenue l'un des moments phares du film. Une fois le tournage terminé, Jim s'est tourné vers moi et m'a dit que c'était la scène la plus drôle qu'il ait jamais tournée. Pour quelqu'un qui avait déjà joué dans Ace Ventura, The Mask et Dumb and Dumber, c'est un sacré compliment.
Apatow : Le studio nous hurlait dessus sans cesse à la moindre dépassement de budget. Je me souviens de Gary Martin, l'ancien patron de Sony Production, un homme vraiment autoritaire et dur, qui me criait dessus parce qu'on prenait trop de temps pour tourner la scène médiévale, et qu'on n'avait pas encore fini. Il m'a dit : « Coupez le courant ! » J'ai répondu « non », j'ai retiré la batterie de mon téléphone, je l'ai jetée à l'autre bout du champ, et on a continué à tourner. Ça m'a tellement traumatisé que je n'ai plus jamais dépassé le budget d'un film depuis 1996, parce que j'ai toujours peur que Gary Martin me crie dessus – et il n'est plus là.
Stiller : Judd est passé maître dans l'art de contourner les diktats du studio. Même pendant le tournage de « The Ben Stiller Show », alors qu'il n'avait que 24 ou 25 ans, il se disputait sans cesse avec le patron de la chaîne. On a continué notre chemin, on a fait le film qu'on voulait et on s'est bien amusés.
Apatow : À la fin du film, Jim pensait qu'il devait sauter, atterrir sur l'antenne satellite et mourir. Il s'est battu pour cela, mais le studio, bien sûr, n'en voulait pas. Nous avons alors imaginé une autre solution : on le croit mort, mais dans la plus pure tradition des thrillers, il ouvre les yeux et continue de se battre.
Le film « The Cable Guy » est sorti le 14 juin 1996. Malgré son succès financier, il n'a pas répondu aux attentes des fans et des critiques pour un film de Jim Carrey, beaucoup exprimant leur mécontentement quant à son salaire de 20 millions de dollars.
Stiller : Au moment de la sortie du film, compte tenu de la publicité et de la notoriété de Jim à ce stade de sa carrière… ce n'était pas vraiment un triomphe [rires]. Je me souviens m'être bien amusé pendant le tournage, mais à la sortie du film, c'était moins drôle car les réactions du public étaient très contrastées.
Lumière : Le film avait un ton difficile à commercialiser car il ne rentrait pas dans une catégorie précise et ne correspondait pas aux attentes du public vis-à-vis de Jim Carrey à l'époque. Je me souviens avoir pensé : « Nous avons créé quelque chose de vraiment original. Qu'on l'aime ou qu'on le déteste, on en parlera. » À Hollywood, c'est souvent le signe qu'on a créé quelque chose d'exceptionnel. C'était une comédie unique en son genre pour l'époque.
Apatow : Bien sûr, on a débattu du degré de noirceur que devait prendre le film, mais on n'avait pas le temps d'explorer différentes options. Ben voulait un ton très cohérent. La musique, très réaliste, ne facilite pas la tâche du spectateur. Je pense que c'est en partie pour ça que, lors du premier visionnage, le film est parfois vraiment effrayant. Au montage, on savait que Jim ne ferait de mal à personne, mais si on n'a jamais vu le film, on se dit qu'il pourrait tuer quelqu'un. Il y a eu beaucoup de moments inattendus auxquels on ne s'attendait probablement pas.
Lumière : Le fait que Jim soit devenu le premier acteur à gagner 20 millions de dollars a fait sensation dans les médias. Cela a semblé éclipser les discussions sur le film lui-même. C'est entré dans l'histoire d'Hollywood. Le salaire était la grande nouvelle, mais sur le plan créatif, le film représentait un véritable risque.
Apatow : Ben et moi n'avions pas conscience de l'ampleur du défi. Nous étions simplement ravis de tourner un film avec quelqu'un que nous admirions et d'avoir tout ce qu'il fallait pour exploiter pleinement son potentiel, car aucun de nous deux n'avait de gros succès au cinéma durant l'été. Je pense que c'est pour cela que nous étions prêts à tenter des choses aussi folles. Nous étions persuadés que ce serait un triomphe, car c'était Jim, la réalisation de Ben était incroyable et le public adorerait la nouveauté et l'originalité du film. À sa sortie, nous avons été très surpris de voir certains critiques que nous admirions nous attaquer, car nous pensions qu'ils apprécieraient notre démarche créative. Cela nous a profondément ébranlés.
Stiller : Je me souviens d'être allé à l'avant-première au Chinese Theatre [Grauman's]. Après, il y a eu un silence, et l'un des réalisateurs d'un film que Jim avait récemment réalisé m'a regardé d'un air de dire : « Mais qu'est-ce que c'était que ça ? » Rires Tout s'était si bien passé jusque-là, et puis c'était comme si j'étais revenu à la réalité.
Apatow : Je me souviens des préparatifs pour la première, et on m'a tendu deux fax. C'étaient des critiques de Time et de Newsweek, et toutes deux étaient catastrophiques. J'ai eu du mal à respirer pendant toute la projection, car je sentais ce qui allait nous arriver.
Lumière : La transformation est stupéfiante. Ce qui était autrefois considéré comme une curiosité est aujourd'hui largement reconnu comme l'une des comédies de studio les plus captivantes des années 1990. Le jeune public, en particulier, semble apprécier à quel point le film était en avance sur son temps. Les thèmes de la solitude, de l'obsession des médias, des relations parasociales et de notre dépendance à la technologie paraissent encore plus pertinents aujourd'hui qu'en 1996. C'est l'une des raisons pour lesquelles le film continue de séduire de nouveaux publics et pourquoi on en parle encore 30 ans plus tard.
Apatow : Avec le recul, tout cela paraît absurde. Le film a coûté 47 millions de dollars et a rapporté plus de 100 millions de dollars dans le monde entier, mais à l'époque, Jim subissait une telle pression pour battre des records à chaque film que certains le considéraient comme un échec. Puis, petit à petit, nous avons réalisé que le public l'adorait. À sa sortie en DVD, il semblait que tout le monde l'appréciait, mais à l'époque, c'était difficile.
Stiller : J'ai l'impression que, tout au long de ma carrière, quand je réalise des films, je suis toujours obsédé par la date de sortie ; je veux que le public l'aime et que ce soit un succès, et bien sûr, on n'a aucun contrôle là-dessus. C'était probablement la première fois que je ressentais vraiment ça, justement parce que le film n'a pas été bien accueilli. C'est curieux que je n'y aie jamais pensé comme ça pendant le tournage. Peut-être parce qu'on était si jeunes. On se disait juste : « Allez, on y va, faisons ce truc fou ! ».
Apatow : Je pense que Jim et Ben ont tous deux contribué à faire tomber les barrières [pour les humoristes qui aspiraient à des rôles plus dramatiques]. Par la suite, Jim a joué dans Eternal Sunshine of the Spotless Mind et The Truman Show. Ben, quant à lui, était à l'affiche de Your Friends & Neighbors, un film très sombre et dérangeant. Dès lors, un nouveau monde s'est ouvert, où Adam Sandler a pu jouer dans Spanglish et Uncut Gems, et où de nombreux acteurs ont pu passer de la comédie à d'autres genres. Aujourd'hui, le public comprend qu'on ne peut pas enfermer les gens dans une case.
Holtz : Personnellement, je trouve extrêmement gratifiant de savoir qu'à 31 ans, alors que je travaillais à temps plein comme substitut du procureur, j'ai eu la discipline de consacrer mon temps libre, limité, le soir et le week-end, à écrire sur des sujets qui me tenaient à cœur. Il n'est pas facile de renoncer à tous ses loisirs et aux invitations pendant des mois pour rester chez soi et travailler d'arrache-pied sur un scénario qui a peu de chances d'être vendu, surtout quand on est inconnu. C'est un excellent exemple pour mes trois enfants, qui comprennent l'importance de croire en eux.
Apatow : Évidemment, ce fut le moment le plus important de ma vie, car j'y ai rencontré ma femme, Leslie. Nous avons eu un long mariage et une famille merveilleuse. Sur le plan créatif, j'ai énormément appris de Ben. Il a toujours été un visionnaire et ne se contentait de rien de moins que la réalisation de sa vision. Jim est l'un de mes plus proches amis, et avoir été là au moment du décollage, avoir été témoin de son génie de près et avoir créé quelque chose dont nous sommes si fiers, quelque chose qui a demandé du courage – cela prend encore plus de sens avec le temps. Quand on est jeune, on pense que tout est possible. Je me souviens de notre confiance aveugle en nous, malgré la colère de tous. Nous savions ce que nous faisions. Et puis, des décennies plus tard, les gens disent : « En fait, c'est plutôt pas mal. » Rires ] Chaque fois qu'un élément culturel ne disparaît pas, c'est une immense victoire.