À l'exception peut-être de la réalisatrice Donna Deitch, d'une détermination hors du commun, même les créatrices du film d'amour lesbien Desert Hearts n'auraient jamais imaginé que, quatre décennies après sa sortie, le film ferait l'objet d'études historiques et d'essais critiques. Pourtant, au printemps et à l'été 1986, le premier long métrage de Deitch, adapté du roman Desert Hearts de Jane Ruhl, a dépassé toutes les espérances, devenant un succès commercial et un classique queer instantané – un classique dont l'écho résonne encore aujourd'hui dans le paysage culturel.
À l'occasion du Mois des Fiertés et de sa projection prochaine au festival Frameline de San Francisco, nous revenons sur la création de cette histoire d'amour lesbienne emblématique à travers le regard des trois femmes qui en sont le cœur : la réalisatrice et actrices Patricia Charbonneau et Helen Shaver, plus connues du public sous les noms de Kay Rivers et Vivian Bell. Des anecdotes sur le tournage dans le désert du Nevada aux tentatives de distribution du film en VHS, leurs récits éclairent le parcours sinueux de ce projet audacieux, né d'une initiative indépendante, jusqu'à son succès à Sundance, qui a redéfini les histoires d'amour lesbiennes au cinéma.
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Cet entretien a été modifié par souci de clarté et de concision.
Clarifier la situation
« C'est une bonne occasion de rétablir la vérité, si vous le permettez », a déclaré Deitch au début de l'une de nos premières conversations, qui a abordé des sujets aussi variés que son inspiration pour le film « Les Désaxés » de John Huston et les malentendus des journalistes concernant « Cœurs du désert » au fil des ans. « J'ai lu des choses incroyables, comme quoi j'aurais vendu ma maison pour financer le film. Je n'avais pas de maison à vendre. ».
À chaque anniversaire important et à chaque ressortie, Deitch se souvient avec émotion comment, jeune documentariste sans expérience en long métrage, elle a adapté le roman discret de Rule, paru en 1964, en un film salué par la critique. Mais elle conteste certains détails du récit, notamment ses difficultés à obtenir les droits et la quasi-perte de contrôle sur le projet, les studios souhaitant la remplacer par un homme. En réalité, explique-t-elle, il a été relativement facile de convaincre Rule de réaliser son adaptation de l'histoire d'amour passionnée entre une employée de casino et un professeur cherchant à divorcer rapidement à Reno à la fin des années 1950. Et elle n'a envisagé que brièvement d'accepter l'argent du studio avant de réaliser l'impact que cela aurait sur son travail.
« Je pensais écrire un scénario original, mais quelqu'un m'a offert le livre [« Le Désert du cœur »], et je me suis dit : « Comme métaphore centrale, ce livre englobe tout ce dont cette histoire a besoin. Le scénario que je vais écrire est, en un sens, contenu dans ce livre. » C'est ce qui m'a incité à contacter Jane Ruhl », a déclaré Deitch, ajoutant qu'à la fin des années 70, il suffisait d'envoyer une lettre avec la mention « Jane Ruhl, Canada » sur l'enveloppe pour contacter la célèbre habitante de l'île Galiano, en Colombie-Britannique.
Deitch, qui avait interprété le thème central du livre comme « qui ne joue pas ne peut gagner » et avait intégré cette phrase au film, se souvient que Ruhl avait reçu une ou deux offres pour adapter « Le Désert du cœur », mais qu'elle avait décidé dès le début des négociations qu'elle « ne leur accorderait pas les droits, quels qu'ils soient ». Parallèlement, ses négociations avec l'auteure concernant l'orientation du film se sont avérées bien plus fructueuses, même si ses propres échanges avec les studios n'ont pas connu le même succès.
« Une fois les droits obtenus, ce qui a été très facile, j'ai eu quelques réunions, peut-être deux, concernant le financement du film. On n'est jamais allé plus loin », a déclaré Deitch, démentant un autre détail qui circulait dans certaines sources. « Il n'a jamais été question de me remplacer par un réalisateur. Je n'assistais jamais assez longtemps aux réunions car ils voulaient changer la fin. ».
N'étant pas intéressée par les conditions liées à l'offre de financement, Deitch, désormais sans agent, entreprit une campagne de deux ans pour lever des fonds pour le film grâce à des soirées de parrainage. La jeune réalisatrice était convaincue que le soutien de Gloria Steinem serait essentiel pour attirer des investisseurs potentiels à ces réunions, où elle vendait des parts du film à 15 000 dollars l'unité. Ayant rencontré Steinem par l'intermédiaire d'un ami commun, Deitch la persuada – qui avait projeté son film de fin d'études, « Woman to Woman : A Documentary About Prostitutes, Housewives, and Other Mothers », dans les locaux du magazine Ms. – de rejoindre le projet.
Grâce à des invitations à des soirées à New York, San Francisco et d'autres villes, où figuraient les noms de Steinem, Lily Tomlin et Stockard Channing, Deitch parvint à réunir environ un million de dollars pour le film. Plusieurs années restaient avant le début du tournage : le recrutement, le casting et les révisions du scénario étaient encore en cours. Mais en 1984, elle avait finalisé le scénario avec l'aide de la scénariste Natalie Cooper et avait réussi à trouver non seulement les actrices principales – la jeune comédienne new-yorkaise Charbonneau et la Canadienne Shaver, plus expérimentée – mais aussi Audra Lindley pour le rôle secondaire important de Frances Parker.
Avant la fin de l'année, le réalisateur et les acteurs se lancèrent dans un tournage d'un mois dans le désert, accompagnés d'une équipe dirigée par le futur directeur de la photographie Robert Elswit (Boogie Nights et There Will Be Blood) et la chef décoratrice Jeannine Oppewall (Tender Mercies). Forts de sources d'inspiration telles qu'un livre de photos du Far West intitulé « Vanishing Breed » et le roman tragique de Huston, paru en 1961 et consacré à Reno, ce groupe de créatifs enthousiastes était prêt à donner vie à l'histoire d'amour atmosphérique de Deitch. Mais seul l'avenir dirait s'ils parviendraient à concrétiser leur vision avec un budget modeste et l'énergie de jeunes cinéastes en herbe.
La vie au Grand Motor Lodge«
Lorsque l'équipe de tournage s'est réunie pendant quelques jours à leur base, le Grand Motor Lodge de Reno, pour faire connaissance avant le début du tournage intensif, Deitch a donné le ton de ce qui allait devenir l'une des expériences de tournage les plus mémorables de leur carrière.
« À mon arrivée à Reno, un énorme bouquet de glaïeuls m’attendait dans ma chambre au Grand Motor Lodge, accompagné d’un mot de Donna : „J’ai besoin de toi. De ton expérience, de ton intelligence. Nous n’avons pas le temps pour les rancœurs, alors quand nous avons des désaccords, il faut les régler tout de suite.“ C’était un début fantastique », a déclaré Shaver, qui a joué dans plusieurs films et séries télévisées avant et après « Desert Hearts » et est finalement devenue une réalisatrice primée.
« C’était l’esprit : nous créions quelque chose ensemble – les acteurs, l’équipe technique, tout le monde – et chacun avait le sentiment d’être impliqué », a déclaré Shaver, ajoutant : qu'il ne lui était même pas venu à l'esprit de demander à Deitch s'il n'y avait pas un soupçon de syndrome de l'imposteur dissimulé derrière son assurance.
Au fil des ans, y compris dans les bonus Criterion , La collaboration de Deitch avec l'équipe de Desert Hearts a mis en lumière la clarté de sa vision et le soutien remarquable qu'elle a reçu de tous les participants. Une partie de son succès avec ses collègues semble tenir à la chance et à un flair pour les talents, comme en témoignent les prometteurs Elswit et Oppewall, qui ont fait office de producteurs officieux durant le tournage.
« Je me souviens d'une fois sur le plateau où Jeannine est venue me voir et m'a dit : "Tu es visiblement encore en train de répéter cette scène. Prends ton temps." Franchement, quel chef décorateur dirait ça à un réalisateur ? „ a déclaré Deitch en riant, décrivant le lien exceptionnellement fort qui unissait toutes les trois et comment elle s'est rendu compte plus tard à quel point elles l'avaient aidée à s'orienter dans le processus de tournage.
Mais Deitch a aussi fait preuve de prévoyance en logeant toute l'équipe sur place pendant quatre semaines. Ainsi, entre les prises, ils pouvaient se retrouver dans un motel – discuter, visionner les rushes ou se détendre – tout en restant immergés dans l'univers du film. « C'était un peu comme une petite troupe de théâtre en pleine campagne qui monte une pièce », a expliqué Deitch, décrivant le motel, que Shaver avait surnommé « Le Motel Pas Si Grand », comme un de ces établissements en forme de U autour d'une piscine. « Bien sûr, tous les films sont des projets collaboratifs, mais ici, il y avait une ambiance de petite communauté, presque familiale. Et aucun agent ne venait présenter ses clients – rien de tout ça. ».
Comme ses partenaires plus expérimentés, Charbonneau, qui avait jusqu'alors travaillé exclusivement au théâtre, se sentait à l'aise dans ce cadre intimiste. « Comme nous vivions tous ensemble – nous n'étions pas à Hollywood, pas dans le milieu du cinéma de Los Angeles, mais dans un hôtel près de Reno – nous formions en quelque sorte notre propre petit microcosme. Et il n'y a jamais eu cette impression de se dire : "Bon, il faut se dépêcher, se dépêcher, se dépêcher. Ça ne marchera pas" „, a expliqué l'actrice, qui avait 25 ans et était enceinte au début du tournage. “ Je n'avais aucun point de comparaison à l'époque, mais mon Dieu, ensuite… Enfin, tous les autres tournages étaient intenses. ».
À l'instar d'Oppewall, qui avait repéré les lieux de tournage en amont, Charbonneau, originaire de New York, arriva à Reno plus tôt que prévu pour préparer ses débuts à l'écran en travaillant comme changeuse de monnaie. Mais les soirées passées au casino n'étaient que la première étape de son parcours pour incarner Kay, une sculptrice à l'esprit libre qui perturbe Vivian dès la première scène. Une fois sur le plateau, vêtue d'un jean et d'une chemise à col choisis par la costumière Linda M. Bass, et entourée des décors impressionnants d'Oppewall, la superbe brune s'immergea pleinement dans un personnage inspiré des figures romantiques du western, comme le cow-boy tourmenté de Clark Gable dans « Les Désaxés » et un jeune Elvis.
« Je n'ai jamais eu l'impression une seule seconde que nous étions en 1959. Rien ne me laissait penser que nous étions en 1985. C'était définitivement… » 1959 » «, a déclaré Charbonneau, faisant notamment référence au mobilier de la petite maison de Kay, au ranch qu'Oppewall a transformé en logements pour les Francis divorcés, et à l'hôtel abandonné qui servait de casino fictif au Golden Circle.
« Je veux dire, connaissant les décors de Jeannine, les costumes, le travail de Robert comme directeur de la photographie, je comprenais déjà très bien — même à 25 ans — qu'il s'agissait d'un groupe de personnes extraordinaires. J'étais donc remplie d'excitation : « Qu'est-ce qu'on va tourner ? », a-t-elle déclaré.
Charbonneau n'était pas la seule à attendre avec impatience le début du tournage. Lorsque l'univers poussiéreux et onirique du film, peuplé d'éléments d'époque mais détaché de la réalité, commença à prendre vie dans les rushes, « tout le monde était ravi », se souvient Shaver. « On se disait : "Tu sais qui va voir ce film ? Scorsese va le voir." On dressait la liste de tous ceux qui allaient le voir „, dit-elle en riant avec nostalgie.
« Mais qui aurait pu le prévoir ? » a-t-elle ajouté. « Quarante ans plus tard, les gens découvrent ce film pour la première fois ou pour la quinzième, et y trouvent un écho. Je ne m'y attendais certainement pas. Je crois que personne ne l'avait anticipé. ».
Créer une scène d'amour innovante
Bien que le tournage de Desert Hearts ressemble souvent à une escapade d'un mois au bord de la piscine, il y a inévitablement eu des moments difficiles pour le réalisateur et les acteurs, notamment la création de la scène d'amour culminante qui définit le film — encore plus difficile que la conception de la production spectaculaire et les paysages à couper le souffle.
Deutch a attendu la dernière semaine de tournage pour filmer la scène en deux parties où Kay et Vivian, exilées du ranch, cèdent enfin à l'intimité. Mais depuis qu'elle rêvait de son premier long métrage, bien avant de lire le roman plutôt chaste de Rule, elle savait que le sexe en serait le thème central. « Je ne voulais pas faire un autre film qui se termine par un triangle amoureux bisexuel ou un suicide. Rien de tout cela ne m'intéressait. J'ai simplement fait le film que j'avais envie de voir – et il fallait absolument qu'il y ait une scène d'amour torride », a déclaré Deutch, plaisantant sur le fait que les films lesbiens sans sexe semblent plaire à beaucoup de gens parce que « tout le monde en fait », mais pas à elle.
En plus d'être très séduisante, elle était déterminée à ce que ce moment soit significatif, contrairement à nombre de scènes de sexe qu'elle avait visionnées pour se préparer. Cela impliquait que la scène ait un début, un milieu et une fin, comme toute séquence soigneusement élaborée. Mais il fallait aussi une alchimie entre les deux acteurs pour la rendre vraiment captivante.
« Dans la plupart des films hollywoodiens, les acteurs vedettes ne passent pas d'audition. Par conséquent, la fameuse "alchimie" n'apparaît que pendant le tournage ; elle est présente ou non. Tout le monde essaie, mais il n'est pas toujours possible d'obtenir le résultat escompté «, a déclaré Deitch.
« C'est ce qui m'enthousiasmait le plus : je devais le voir, car si je ne l'avais pas perçu lors de l'audition, cela n'aurait peut-être pas abouti », a-t-elle ajouté, expliquant comment elle avait d'abord choisi Charbonneau, relativement inexpérimentée, puis Shaver, séduite par l'alchimie entre les deux actrices lors du casting à Los Angeles. « Lors de l'audition qu'elle [Charbonneau] a passée avec Helen, c'était évident, sans aucun doute. ».
Charbonneau et Shaver comprenaient tous deux l'importance de ce moment captivant entre Kay et Vivian pour la vision de Deitch et n'avaient aucune hésitation à le filmer, malgré les mises en garde de leurs agents. (« On pensait que ce film ne devait comporter personne, même si les acteurs n'avaient pas à se déshabiller et à faire l'amour avec une personne du même sexe », se souvient Deitch.) Mais lorsque vint le moment de se déshabiller pour le tournage à huis clos avec Deitch, Elswit, le magicien [Martin J. Leighton] et les acteurs principaux, la scène se révéla plus complexe que prévu.
« Après avoir tourné cette scène — après m'être sentie incroyablement intime, incroyablement vulnérable — je suis rentrée dans ma petite chambre d'hôtel, j'ai pris un bain et j'ai fondu en larmes », a confié Charbonneau, qui, contrairement à son partenaire, n'avait jamais tourné de scène intime auparavant, hormis sa grossesse. « C'était il y a longtemps, bien sûr, mais je me souviens très clairement de ce moment. C'était un véritable soulagement, un sentiment d'accomplissement. ».
« C'était difficile pour moi. Je voulais que ce soit parfait. J'étais entre de très bonnes mains, donc ce n'était pas tant ça le problème. Il s'agissait de trouver cette sensualité et d'être à l'aise avec quelques autres personnes dans la pièce — vous savez, à 25 ans », a-t-elle dit, marquant une brève pause. « C'était tellement important de réussir, car à quoi bon faire un film si c'est pour gâcher leur moment de véritable amour ? »
Pour Shaver, 33 ans, le tournage de cette scène fut peut-être un peu moins stressant, en partie grâce à son expérience de la nudité devant la caméra, et en partie parce qu'elle avait du mal à se détacher de ses propres pensées pour entrer dans le personnage. Elswit lui fut d'une aide précieuse sur ce dernier point, lui apprenant à se détacher des petits détails imperceptibles pour le spectateur, comme un air fatigué en gros plan. Et au moment de filmer l'éveil sexuel orgasmique de Vivian, elle s'est pleinement investie dans la dynamique de la scène, qu'elle a décrite comme « émotionnellement épuisante » mais aussi « satisfaisante et excitante », et dans le fait que Vivian se soit laissée emporter par son désir pour Kay et par l'exploration des conséquences possibles.
« Pour moi, la différence entre une très bonne performance, irréprochable, et une performance magistrale, qui captive le spectateur, réside dans la capacité de l'acteur à être pleinement présent, à accepter les circonstances imaginaires tout en s'exprimant avec authenticité. Mais, comme dans toute relation intime, cela ne se produit pas dès le premier rendez-vous », a déclaré Shriver, en évoquant l'évolution de Vivant au fil des semaines de tournage.
Lors d'une scène d'amour, elle a déclaré : « Je réalisais que je n'avais jamais eu d'orgasme avec quelqu'un d'autre… Et à un moment donné, [ma main] se lève, et on voit mon petit doigt… tressaillir », décrivant ce geste subtil et involontaire qu'elle a vécu comme une révélation. « Je ne sais pas si le public le perçoit maintenant, mais je l'ai ressenti sur le moment, et je me suis laissée aller. ».
Après une autre conversation sur des moments intimes survenus pendant le tournage et quelques blagues sur les tétons, Shaver a orienté la discussion vers un autre sujet, l'animant à sa manière. « Je dois vous dire que la scène la plus difficile, celle qui m'a donné le plus de fil à retordre, aussi étrange que cela puisse paraître, c'était la marche à cheval », a-t-elle déclaré, faisant référence à la séquence où Vivian et Kay mènent les chevaux à travers un plateau pour des raisons logistiques. « Je me suis dit : "Pourquoi on ne monte pas à cheval ?" – c'est la première chose qui m'a gênée. Mais il y a eu un passage dans le dialogue qui m'a vraiment posé problème. Et puis, un des chevaux m'a marché sur le pied. „.
Cigarettes et cassettes vidéo
Après le tournage de la scène d'amour et des dernières prises, l'équipe de « Desert Hearts » a quitté Reno, pleine d'espoir mais encore incertaine du sort du film. Deitch devait désormais relever le défi le plus important : vendre le film. Mais avant cela, il lui fallait trouver un monteur, ce qui impliquait de lever des fonds supplémentaires. « Je n'avais pas les moyens de payer un monteur pendant le tournage », a expliqué Deitch, précisant qu'elle avait dû se débrouiller seule en post-production. « C'est très inhabituel. Mais sans argent, on ne peut pas. ».
Deitch retourna vendre des parts du film pour lever des fonds – notamment auprès de Lindley, qui lui remit un chèque de 15 000 $ lors de la fête de fin de tournage – et ses efforts furent couronnés de succès. Robert Estrin, monteur de Badlands, qui avait lancé une nouvelle société travaillant exclusivement avec de la vidéo, était disponible, et Deitch, malgré l'incertitude, saisit l'opportunité de collaborer avec lui. « Il m'a dit : »Écoute, je monte sur vidéo maintenant. C'est mon nouveau truc… Si tu veux que je travaille, c'est inclus« „, raconta Deitch, expliquant comment elle avait réussi à convaincre Estrin de participer au projet alors que d'autres cinéastes étaient trop intimidés par le processus, qui impliquait dans son cas le transfert des masters de films 35 mm sur bande vidéo 3/4 de pouce.
« Et il a dit : „Deuxièmement, je dois vous dire que je n’étais pas là, comme vous le savez, pendant votre tournage. Je dois donc faire quelque chose qui risque de vous perturber un peu. Je dois prendre ces bandes 3/4 de pouce, toutes vos images, et les raccorder d’une bande à l’autre. Je dois regarder le film exactement comme ça… car je dois vérifier la continuité de toute la scène“ », a raconté Deitch, plaisantant : « Si vous voulez vraiment vivre un cauchemar, remettez-moi les bandes originales de votre film et regardez-les se raccorder sur bande vidéo, qui se dégrade au passage. ».
« Il l'a fait, et nous avons commencé. Je ne pense pas avoir terminé la première vidéo, car elle était trop difficile à regarder. Mais c'est comme ça que tout a commencé », a-t-elle déclaré.
Finalement, Deitch surmonta le choc de la projection vidéo et se résigna à l'idée que tout irait bien une fois le montage finalisé. À l'approche de la fin du tournage, elle et Estrin – dont les transitions vintage ajoutent une touche de romantisme aux paysages panoramiques et aux gros plans intimes d'Elswit – étaient satisfaites du résultat. La réalisatrice, pour son premier film, décida donc de le projeter à un groupe restreint de distributeurs avant les festivals. Ce fut une première difficile pour Desert Hearts, mais elle confirma au moins à Deitch qu'elle avait réalisé le film lesbien sensuel qu'elle ambitionnait.
« C'était terrifiant, car ils n'avaient jamais rien vu de pareil », a déclaré Deitch, faisant référence à la réaction du public au montage vidéo, ce qui l'a convaincue d'attendre la ressortie du film en 35 mm avant de le proposer aux salles. « Mais le plus drôle, c'est que nous étions dans cette salle, et dès le début de la scène d'amour, certains ont allumé des cigarettes. ».
Se remémorant l'époque où l'on fumait encore dans les salles de cinéma, elle a ajouté : « C'était drôle. Mais au-delà de ça, c'était terrifiant. Parce que, vous savez, on est assis dans la salle, on regarde son film, et on ressent ce qui se passe. ».
Cependant, lorsque la version finale de Desert Hearts arriva aux studios, tout changea. Après sa projection au Festival du film de Telluride à Toronto à l'automne 1985, puis son triomphe à Sundance quelques mois plus tard, le film déclencha une véritable guerre d'enchères pour les droits de distribution – sans parler, selon le réalisateur, de la réalisation du rêve des acteurs d'être vus par les plus grands noms du cinéma. Finalement, la Samuel Goldwyn Company obtint les droits de distribution du film pour 20 ans, et au printemps 1986, le succès commercial dépassa largement les prévisions. Dès l'été, le film fut salué comme une première par le public et la critique de la communauté LGBT pour sa qualité cinématographique, sa scène d'amour bouleversante et sa fin porteuse d'espoir.
Bien sûr, une romance lesbienne explicite mettant en scène deux femmes hétérosexuelles n'a pas été sans susciter des critiques. Charbonneau, revenue à Reno avec Shaver et Deitch quelques semaines seulement après son accouchement pour la séance photo de l'affiche, a été vivement critiquée pour avoir amené son bébé aux conférences de presse. (Charbonneau se souvient d'un journaliste, probablement du Village Voice, qui avait écrit quelque chose comme : « Est-ce là sa preuve d'hétérosexualité ? », en référence à la présence de son enfant.) Mais contrairement à de nombreux films classiques à thématique queer, même la réaction initiale à Desert Hearts fut extrêmement positive. La réalisatrice et les actrices commencèrent à réaliser qu'elles avaient créé une œuvre d'une importance culturelle majeure, qui allait largement marquer les quarante années suivantes de leur vie.
« D’une certaine manière, c’était le début de tout pour moi : la réalisation d’un rêve, l’opportunité de faire un film, le début de la maternité », a déclaré Charbonneau, qui regarde maintenant le film avec de fortes émotions, s’imaginant à 25 ans et pensant à des personnes comme Lindley qui ne sont plus parmi nous.
« Que dire ? C'est l'un des plus beaux moments de ma vie et assurément l'un des plus marquants de ma carrière », a-t-elle déclaré.
Comme son partenaire à l'écran, Shaver a décrit la création du film comme un moment charnière, un tournant décisif qui a eu des répercussions sur sa carrière et sa vie personnelle. Ce film l'a aidée à se lancer dans le cinéma et lui a permis de rencontrer son second mari, avec qui elle a un fils. « Aucun de nous ne l'a fait pour l'argent. Aucun de nous ne l'a fait en pensant : „Voilà un film qui traversera les âges, un film à fort potentiel.“ Ce n'était pas du tout comme ça. C'était beaucoup plus simple, plus profond : „Je dois le faire. J'ai envie de le faire. Ce film doit être réalisé“ », a déclaré Shaver, ajoutant que cette expérience « a transformé sa vie à tous les niveaux ».
« Quand j’ai ouvert le scénario et lu le deuxième paragraphe – c’était quelque chose comme : „Le train entre en gare et une femme, Vivian Bell, en descend“, suivi d’une description d’elle – j’ai su que j’allais jouer dans ce film. C’était d’une évidence incroyable », a-t-elle déclaré. « Alors, quand je repense à ce moment, je me dis : „Tiens, c’était elle, la cloche !“ Mais je n’aurais jamais imaginé que 40 ans plus tard, je serais là, grand-mère d’un petit garçon de 14 mois, à vous parler. ».
Deitch, qui parle souvent du film à des inconnus et les invite à des projections, est sans doute la moins surprise par le succès retentissant de son premier long métrage. Dès le départ, la réalisatrice, qui réalisera plus tard « Les Femmes de Brewster Place », a adhéré au principe « qui ne tente rien n'a rien », comme si elle avait toujours su que le pari serait gagnant. Et sa conviction que ce film méritait d'être diffusé n'a fait que se renforcer au fil des ans.
« Je pense être la gardienne de ce film. Je n'en suis ni la productrice ni la réalisatrice, mais j'en suis la gardienne car ce film nous survivra tous », a déclaré Deitch, résumant ainsi sa position et celle de Desert Hearts quatre décennies plus tard.
La projection spéciale du film Desert Hearts, à l'occasion de son 40e anniversaire, aura lieu au cinéma Frameline le jeudi 18 juin.