«Der Cable Guy feierte vor 30 Jahren in dieser Woche sein Leinwanddebüt – und mit der kürzlich erfolgten Bestätigung eines Reboots ist klar, dass dieser bildschirmbesessene Sonderling sich einfach weigert, die Popkultur zu verlassen.
Unter der Regie von Ben Stiller (der auch in dem an Menendez erinnernden Krimidrama mitspielt) und produziert vom Comedy-Experten Judd Apatow, beschritt «Cable Guy» einen ungewöhnlichen Weg. Basierend auf einem Drehbuch des stellvertretenden Bezirksstaatsanwalts von Los Angeles und Hobby-Drehbuchautors Lou Holtz Jr. erregte der Film schnell die Aufmerksamkeit des aufstrebenden Stars Jim Carrey, der gerade mit «Ace Ventura», «Dumm und Dümmer» und «Die Maske» große Erfolge gefeiert hatte. Dieses Trio von Megahits aus dem Jahr 1994 machte ihn über Nacht zur Comedy-Legende, und der junge Star befand sich plötzlich in der einzigartigen Lage, seine nächsten Karriereschritte nach Belieben gestalten zu können.
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Interessanterweise war es nicht seine Absicht, den Erfolg seines vorherigen Films zu wiederholen. Stattdessen wollte er sowohl seine neuen Fans als auch die Kritiker schockieren, indem er sich in eine Rolle vertiefte, die sein ungezügeltes komödiantisches Talent mit einer Prise diabolischer Bedrohlichkeit verband. In «Cable Guy» spielte Carrey einen fernsehbesessenen Einzelgänger namens Chip Douglas. Nachdem er eine etwas unbeholfene Freundschaft mit dem kürzlich verlassenen Steven Kovacs (Matthew Broderick) geschlossen hat, beschließt Chip, Stevens neuer bester Freund zu werden – ob er will oder nicht.
Stillers Film, der eine ganze Reihe von Comedy-Talenten der späten 90er-Jahre vereinte und in dem Apatow seine zukünftige Frau Leslie Mann kennenlernte, konzentrierte sich darauf, einen gewagten und schwarzhumorigen Thriller zu schaffen, der alle Erwartungen übertraf. Nach dem Kinostart waren sich Hollywood und Publikum jedoch unsicher, wie sie auf Carreys neue Komödie reagieren sollten, und seine (damals) rekordverdächtige Gage von 20 Millionen Dollar sorgte in Kritikerartikeln für Schlagzeilen.
Doch in den drei Jahrzehnten seit seiner Veröffentlichung ist all das spurlos verschwunden, wie ein längst vergessener Social-Media-Beitrag. Heute hat dieser humorvolle, düstere Thriller des Trios nicht nur die Zeit überdauert, sondern gilt auch als eine seltsam prophetische Vision der beunruhigenden, trostlosen Dystopie, in der wir uns heute befinden.
Anlässlich des Jubiläums von «The Cable Guy» sprachen wichtige Mitglieder des Entstehungsteams – Stiller, Apatow, Holtz und Produzent Andrew Licht – mit IndieWire über die grenzenlose Entstehungsgeschichte, die Herausforderungen bei der Veröffentlichung und das unerwartete Vermächtnis des Films.
Die folgenden Interviews wurden aus Gründen der Kürze und des Platzes bearbeitet und gekürzt.
Als der Bezirksstaatsanwalt von Los Angeles und Drehbuchautor Lou Holtz Jr. bemerkte, dass ein Kabelfernsehtechniker ungewöhnlich spät nach Hause gekommen war, kam ihm die Idee zu einer neuen Geschichte – einer Geschichte, die schnell zu einem Hollywood-Erfolg werden sollte.
Lou Holtz Jr. (Drehbuchautor): Mitte der 1980er-Jahre verließ ich eines Abends nach 21 Uhr die Wohnung meiner Mutter. Ich sah den Kabeltechniker im Flur und dachte mir: «Was macht der denn so spät noch hier?» Damals war es allgemein bekannt, dass man von einigen Kabeltechnikern gegen ein gutes Trinkgeld alle Filmkanäle kostenlos bekam. Für Jungs in meinem Alter, Anfang 20, war das eine große Sache, da wir gerade unsere ersten eigenen Wohnungen bezogen hatten und uns die Filmkanäle nicht leisten konnten. Ich erinnere mich, dass ich dachte, es wäre witzig, etwas über so einen skrupellosen Kabeltechniker zu schreiben – aber ich habe damals nichts geschrieben.
Judd Apatow (Produzent): Ich habe Filme wie «Was ist mit Bob?» immer geliebt. Die, in denen jemand nebenan einzieht, vielleicht ein Arbeitskollege oder eine neue Person in deinem Leben, die zunächst nett erscheint, sich später aber als dein schlimmster Albtraum entpuppt.
Holtz: Ein paar Jahre später besuchte ich einen Freund in seiner Wohnung, um mit ihm einen Mike-Tyson-Kampf auf HBO zu sehen. Er erzählte uns, er hätte seinem Kabeltechniker am Abend zuvor Trinkgeld gegeben, damit wir HBO empfangen und den Kampf sehen konnten. Ich erinnere mich, dass ich ihn scherzhaft fragte: «Was würdest du machen, wenn der Kabeltechniker heute Abend ungeladen mit einem Sixpack Bier vor der Tür stünde und sagte: „Meine Pläne, den Tyson-Kampf zu sehen, sind geplatzt, also habe ich beschlossen, mich euch anzuschließen“?» Mein Freund zuckte nur mit den Achseln und meinte, er wisse es nicht.
Es ergab Sinn, denn einerseits kannte er seinen Kabeltechniker nicht besonders gut und wollte keinen Ärger mit ihm – andererseits wollte mein Freund ihn auch nicht beleidigen und riskieren, all seine Filmkanäle zu verlieren. Logischerweise würde es letztendlich darauf ankommen, wie nervig sein Kabeltechniker war. Ich dachte: «Wie viel Ärger ist man bereit für kostenlose Filmkanäle in Kauf zu nehmen?» – und da hatte ich eine geniale Idee für einen Film.
Andrew Licht (Produzent): Ich kannte Lou schon seit Jahren und wusste, dass er ein außergewöhnlich talentierter Drehbuchautor war. Bis dahin hatte er hauptsächlich fürs Fernsehen geschrieben, und ich hatte ihn immer wieder dazu gedrängt, ein Drehbuch für einen Spielfilm zu verfassen. Eines Tages rief er an und sagte, er hätte ein Drehbuch auf Spekulation geschrieben und es mir vor die Tür gelegt. Ich fragte, worum es ginge, und er sagte: «Lies es einfach.» Ich fragte nach dem Titel, und er meinte: «Der verrät schon alles.» Ich nahm das Drehbuch mit nach Hause und las es noch am selben Abend. Schon beim ersten Lesen wusste ich, dass es ein Volltreffer war. Es war originell, witzig und genau das, was wir gesucht hatten. Man verstand die Figur sofort, und das Konzept hatte nicht nur enormes Potenzial, sondern war auch hervorragend umgesetzt.
Holtz: Die Produzenten Andy Licht und Jeff Mueller erzählten mir, dass mehrere Studiobosse mein Drehbuch gut fanden. Da ich aber ein unbekannter Autor war, würden die Studios eher bereit sein, es zu kaufen, wenn sie einen gefragten Komiker für das Projekt gewinnen könnten. Es dauerte eine Weile, aber Licht und Mueller, die das Projekt schon früh hervorragend vorgestellt und mich unterstützt hatten, konnten mein Drehbuch schließlich Chris Farley und seinem Team präsentieren. Nachdem Chris Farley es gelesen, begeistert und zugesagt hatte, entbrannte ein Bieterwettbewerb zwischen mehreren Studios um mein Drehbuch, das schließlich von Columbia Pictures erworben wurde.
Licht: «Tommy Boy war gerade erschienen, und wir waren überzeugt, dass Chris Farley perfekt für die Rolle des Cable Guy war. Mein Produktionspartner Jeff Mueller und ich schickten das Drehbuch an Chris« Manager. Er war begeistert, stimmte zu, dass Chris ideal für die Rolle war, und plötzlich passte alles zusammen. Fünf Studios buhlten um das Projekt. Und so begann die Geschichte von Cable Guy.».
Holtz: Ich habe die Rolle so geschrieben, dass viele Komiker sie gut spielen könnten. Ich erinnere mich, dass ich dabei speziell an Jim Carrey, Chris Farley, Chris Elliott und Michael Richards dachte, weil ich wusste, dass sie alle großartig wären.
Licht: Der Film war seiner Zeit voraus und sagte gewissermaßen eine Welt voraus, in der Einsamkeit, Mediensucht und Technologie die Grenzen menschlicher Beziehungen verwischen. Er handelt von Verbundenheit ohne Intimität, dem Ersatz echter Beziehungen durch Unterhaltung und der Gefahr, dass Menschen emotional von Medien abhängig werden.
Holtz: Das Drehbuch wurde Ende April 1995 verkauft. Drei Tage später flog mich Columbia nach New York, um vier oder fünf Tage mit Chris Farley zu verbringen. Die Dreharbeiten sollten nur zwei Monate später, im Juli 1995, während Chris' Sommerpause von «Saturday Night Live» beginnen. Mir wurde gesagt, Columbia wolle die ersten beiden Akte meines Drehbuchs unverändert verfilmen, aber den dritten Akt solle ich überarbeiten, um eine größere, vielseitigere Komödie daraus zu machen, die besser zu Chris passen würde. Deshalb schickten sie mich nach New York, um ihn zu treffen.
Alles lief wunderbar, als wir zusammen in New York waren. Später teilten mir die Produzenten und Studiobosse jedoch mit, dass Paramount, das Studio, das «Tommy Boy» produziert hatte, eine Option für einen weiteren Film mit Chris Farley besaß, die in Chris« Vertrag für »Tommy Boy“ festgehalten war. Die Frage war, ob Paramount diese Option auch tatsächlich garantieren konnte. nächste Chris' Film oder nur ein weiterer Film in der Zukunft. Letztendlich entschieden Chris und sein Management-Team, dass sie ein Jahr später, im Sommer 1996, bereit wären, «Cable Guy» zu drehen, aber aufgrund seines Vertrags im Sommer 1995 noch einen weiteren Paramount-Film [«Black Sheep»] drehen mussten.
Zu diesem Zeitpunkt wurde mein Drehbuch von Columbia an Jim Carrey geschickt, der es angeblich liebte und die Hauptrolle spielen wollte. Jim wünschte sich jedoch eine düsterere Version meines ersten Entwurfs und wollte, dass sein guter Freund Judd Apatow der neue Produzent des Films wird und alle Drehbuchüberarbeitungen übernimmt.
Ben Stiller (Regisseur, spielte Sam und Stan Sweet): Judd hat mir die Idee zu diesem Film vorgestellt und mich irgendwie mit ins Boot geholt. Ich kannte Jim nicht besonders gut, bevor wir mit der Arbeit an dem Film begannen. Uns gefiel einfach die Idee, dem Film diesen seltsamen, düsteren Ton zu geben.
Apatow: Damals gab es viele Horrorfilme mit dieser Art von Handlung. Das war ziemlich üblich. Ich glaube, Ben und ich haben über all die Klischees [die damit verbunden waren] gelacht – und dann dachten wir: «Wenn man Jim in diese [Situation] mit Matthew Broderick stecken würde, wäre das echt witzig.».
Licht: Leider erwiesen sich Terminschwierigkeiten als unüberwindbares Hindernis. Chris war bis Mai 1996 durch seine Verpflichtungen bei SNL stark eingespannt, während Sony den Film unbedingt im Juni 1996 veröffentlichen wollte. Der Produktionsplan ließ beides einfach nicht zu. Sony-Chef Mark Canton sagte uns: «Wenn wir Jim Carrey gewinnen können, drehen wir den Film und bringen ihn im Juni heraus.» Jim befand sich damals auf dem Höhepunkt seines Erfolgs, und nachdem er Interesse an dem Projekt gezeigt hatte, ging alles sehr schnell. Was ursprünglich als Film für Chris gedacht war, entwickelte sich schließlich zu einem völlig anderen, aber nicht weniger denkwürdigen Projekt für Jim.
Dank Carreys Mitwirkung wurde das Projekt beschleunigt. Nachdem Holtz einen düstereren Tonfall gefordert hatte, überarbeitete er das Drehbuch mehrfach, bevor Apatow es übernahm. Der Produzent änderte schließlich verschiedene Handlungselemente, wurde aber aufgrund der Regeln der Writers Guild of America nicht als Drehbuchautor genannt.
Apatow: Ich kannte Jim schon lange, seit wir zusammen in Clubs aufgetreten sind. Als ich ihn das erste Mal sah, dachte ich: «Das ist der witzigste Typ der Welt.» Ich hatte so ein Gefühl, und wir wurden richtig gute Freunde. Er hatte mich, als ich noch sehr jung war, auf seine Kosten engagiert, um Sketche für «In Living Color» zu schreiben, damit wir ein bisschen zusammenarbeiten konnten. Ich habe ihm ein bisschen bei seinem Stand-up geholfen, aber er brauchte nicht viel Unterstützung. Wir hatten noch nie die Gelegenheit gehabt, an einem größeren Projekt zu arbeiten, deshalb hat es richtig Spaß gemacht. Jim hatte noch nicht viel Comedy gemacht – die anderen waren damals einfach alle großartig. Er hatte ein richtiges Feuer im Blut, Neues auszuprobieren und zu experimentieren.
Licht: Jim Carrey ging ein Risiko ein. Nach Filmen wie «Ace Ventura – Tierdetektiv», «Die Maske» und «Dumm und Dümmer» stand er auf dem Höhepunkt seines Ruhms. Anstatt sich zu wiederholen, wandte er sich düstereren und charaktergetriebeneren Themen zu. Wahrscheinlich reizte ihn die Möglichkeit, das Publikum zu überraschen. Chip Douglas war kein charmanter Held. Er war einsam, gebrochen, manipulativ und bisweilen furchteinflößend. Jim sah darin die Chance, seinen kreativen Horizont zu erweitern und düstere Themen zu erkunden, ohne dabei sein bemerkenswertes komödiantisches Talent zu vernachlässigen.
Apatow: Es war eine sehr wichtige Erfahrung für uns alle, denn Jim war ein Mann, der gerne Risiken einging. Er hatte ein ausgeprägtes Gespür dafür, wie wichtig es war, anderen zu zeigen, dass er nicht immer wieder dasselbe tun würde – wann immer er die Möglichkeit dazu hatte. Er war stets bestrebt, seinen Horizont zu erweitern und seine Grenzen auszuloten.
Stiller: Ich war begeistert, die Idee einer schwarzen Komödie über Freundschaft aufzugreifen und sie im Geiste der damals erschienenen Filme wie «Single White Female» und «Pacific Heights», die die Besessenheit einer Person von einer anderen thematisieren, weiterzuentwickeln. Da wir gerade mit der «Ben Stiller Show» angefangen hatten, sahen Judd und ich darin die Chance, etwas Satirisches in diesem Genre zu machen.
Apatow: Ganz am Anfang haben wir uns alle zusammengesetzt und besprochen, wie wir vorgehen sollten. Während der Drehbuchüberarbeitung war [Jim] sehr fordernd – im besten Sinne des Wortes – und schlug alle möglichen Wege vor, eine reine Komödie in einen Thriller-Komödie zu verwandeln, wie etwa «Die Hand an der Wiege» oder «Unlawful Entry». Das hat uns drei zum Lachen gebracht.
Stiller: Jim hatte diese Figur im Kopf, und ich erinnere mich, wie wir – er, Judd und ich – zusammensaßen und improvisierten. Jim arbeitete an Ace Ventura 2, als wir den Film entwickelten, und ich erinnere mich, wie Judd und ich ihn in Charleston oder wo auch immer gerade gedreht wurde, besuchten. Wir saßen in seinem Hotelzimmer, unterhielten uns und tauschten Ideen aus.
Apatow: Wir alle spürten einen Wandel in den Medien. Die Menschen begannen gerade erst zu begreifen, dass unsere Handys, Computer, Kabelfernsehen und Filme bald miteinander verschmelzen würden. Es war noch nicht ganz so weit, aber es begann. In gewisser Weise ist „The Cable Guy“ dieses Monster aus der Zukunft, das uns prophezeit, dass alles noch viel schlimmer wird [lacht]. Teil dieser Geschichte war, wie uns das alles in den Wahnsinn treiben, unseren Verstand und unsere Konzentrationsfähigkeit verlieren würde. Dieses Ding, das uns eigentlich zusammenbringen sollte, würde uns tatsächlich dazu bringen, uns gegenseitig umzubringen – und genau das passierte.
Holtz: Ich hatte nie Treffen oder Telefongespräche mit Jim oder seinem Team bezüglich meines Drehbuchs. Das Studio teilte mir jedoch mit, dass ich vertraglich verpflichtet sei, alle Änderungen vorzunehmen, bis die Verträge von Jim und Judd finalisiert seien. Daher bat mich das Studio, mehrere düsterere Versionen meines ursprünglichen Drehbuchs zu schreiben, bevor ich das Projekt verließ, was ich auch tat. Der Hauptunterschied zwischen meinem ersten, verkauften Drehbuchentwurf und den späteren Versionen bestand darin, dass die Figur des Cable Guy im dritten Akt weniger wohlwollend wurde und Matthew Brodericks Figur den Cable Guy hartnäckiger und intellektueller bekämpfen musste, um ihn loszuwerden. Meine späteren Drehbuchfassungen kamen dem fertigen Film letztendlich näher als mein erster Entwurf.
Licht: Judd verlieh der Geschichte eine stärkere emotionale Note und vertiefte die Beziehung zwischen Steven und Chip. Ben bewies ein unglaubliches Gespür für die Balance zwischen Komik und Unbehagen. Gemeinsam verliehen sie dem Material eine satirische Dimension und machten die Charaktere dadurch realistischer und glaubwürdiger. Der Film wandelte sich von einer traditionellen Komödie zu einer düsteren Charakterstudie.
Apatow: Es gibt viele Szenen im Film, in denen Jim über die Zukunft nachdenkt. Er sagt: «Der Vietnamkrieg, wo man mit seinen Freunden Videospiele spielen kann!» und man merkt, dass er ein Mensch ist, der zu viel fernsieht. Er weiß nicht, wie man normale Beziehungen aufbaut, und überschreitet deshalb alle Grenzen. Er ist so verzweifelt nach Aufmerksamkeit, dass er versucht, dein Leben zu ruinieren, wenn du ihn abweist – ich denke, das ist ähnlich wie heute, wo alle von ihren Handys und sozialen Medien besessen sind. Wir verlieren das Wesentliche, um ein guter Mensch zu sein.
Licht: Heute, im Zeitalter von Social Media, Streamingdiensten und der zunehmenden Bildschirmzeit vieler Menschen, wirkt dieser Film relevanter denn je, sogar noch aktueller als 1996. Damals erwartete man eine Komödie im Stil von Jim Carrey. Doch was Ben Stiller und sein Team schufen, erwies sich als düsterer, intelligenter und satirischer, als das Publikum erwartet hatte.
Apatow: Jim und Ben waren schon immer von Medien fasziniert und liebten es, sie aus psychologischer Sicht zu erforschen. Es klingt vielleicht albern, aber wir haben viel darüber gesprochen, was das alles bedeutet. Ben spielte eine satirische Version der Menendez-Brüder, weil deren Prozess gerade zu Ende gegangen war. Ich war Komiker und eine Weile arbeitslos gewesen, also saß ich einfach zu Hause und sah mir die Gerichtsverhandlung im Fernsehen an.
Stiller: Judd und ich hatten beide Trennungen hinter uns, daher flossen unsere eigenen Beziehungsprobleme in diese Geschichte ein. Auf persönlicher Ebene ähnelte es unserer Herangehensweise an diese Probleme, da wir damals in unseren Beziehungen wahrscheinlich sehr abhängig voneinander waren. Ich glaube, wir hatten beide ähnliche Erfahrungen mit der Trennung von einer Freundin gemacht, bei der wir uns völlig verloren und verletzlich fühlten.
Die Dreharbeiten begannen im November 1995. Stiller führte Regie und spielte eine Doppelrolle in einer Handlung, die an die Beziehung der Menendez-Brüder erinnerte. Zum Ensemble gehörten außerdem Matthew Broderick als Stephen Kovacs, Cable Guys glückloser Klient und widerwilliger bester Freund, sowie Leslie Mann, die spätere Ehefrau von Apatow, als seine entfremdete Verlobte Robin. Doch Carrey stahl allen die Show und lieferte eine seiner düstersten und unberechenbarsten Darbietungen ab.
Apatow: Als die Idee aufkam, bot ich an, Regie zu führen, da ich gerade erst angefangen hatte, darüber nachzudenken, es einmal zu versuchen. Ich wurde von allen Beteiligten umgehend abgewiesen. Dann fragten sie: «Was sollen wir tun?» Ich sagte: «Fragen wir Ben», und zum Glück stimmte Ben begeistert zu.
Stiller: Ich dachte an düstere Filme dieses Genres, Filme über Besessenheit. Ich erinnere mich, wie ich Polanskis «Der Mieter» und «Ekel» gesehen und sie als Inspiration für die Albtraumszene genutzt habe. Mich faszinierte die Idee, sie wie einen richtigen Film zu drehen und Elemente von Spannung und Suspense einzubauen.
Apatow: Ich erinnere mich, dass Ben sich sehr konzentriert vorbereitete. Zusammen mit Sharon Seymour, unserer Produktionsdesignerin, entwickelte er diese großartige blaue Farbpalette. Robert Brinkmann war unser Kameramann. Ben und die beiden schufen einen tollen Stil für den gesamten Film. Als wir an der «Ben Stiller Show» arbeiteten und Ben «Reality Bites» für Danny DeVito entwickelte, sagte Danny zu ihm: «Du machst diese Skizzen? Du solltest mit der Kamera experimentieren und deiner Fantasie freien Lauf lassen, denn wann sonst hast du schon die Gelegenheit dazu?» Während der Dreharbeiten dachte ich: «Ah, das ist das Ergebnis all des Wissens, das er sich durch das Drehen so vieler filmischer Skizzen angeeignet hat.».
Licht: Ben Stillers visueller Stil war durchdacht und filmisch. Er verband gekonnt Komik mit psychologischer Spannung. Das war die größte kreative Herausforderung. Wäre der Film zu düster geworden, hätte das Publikum aufgehört zu lachen. Wäre er zu simpel gewesen, wäre die emotionale Komponente verloren gegangen.
Apatow: Jim war so beliebt, dass die gesamte Vorproduktion sehr schnell vonstatten ging. [Das Studio] wollte den Film für einen bestimmten Sommertermin veröffentlichen, daher war die Postproduktion sehr kurz. Dadurch konnten wir alles umsetzen, was wir uns vorgenommen hatten, da keine Zeit für Nachdrehs oder Korrekturen blieb.
Stiller: Jim hatte wirklich völlige Freiheit bei dem, was er machen wollte. Ich glaube, weil wir weniger Ahnung von all den Feinheiten der Produktion eines großen Sommerfilms hatten … wir waren uns dessen völlig unbewusst und sagten einfach: «Lass uns eine Spinne über Jims Gesicht krabbeln lassen. Machen wir’s einfach.».
Apatow: Alle waren besorgt, der Film sei zu düster. Es gab eine wirklich witzige Szene, in der Matthew mit hoher Geschwindigkeit Auto fährt und Jim oben drauf sitzt. Matthew reißt abrupt das Lenkrad nach rechts, Jim wird durch die Luft geschleudert, landet und dreht sich auf dem Boden. Dann springt er auf und rennt los wie der Terminator [lacht]. In einer anderen Szene hält Jim Matthew im Schlamm fest. Er hat einen Bohrer und will ihm gerade in die Stirn bohren. Wir haben lange diskutiert, ob wir eine dieser Szenen hätten drin lassen sollen. Haben wir dann in Panik geraten und sie rausgeschnitten?
Stiller: Jim liebte es, uns zum Lachen zu bringen. Als Regisseur ist es meiner Meinung nach unsere Aufgabe, eine Art Zuschauer für die Schauspieler zu sein und auf ihr Verhalten zu reagieren. Man muss ein Gespür dafür entwickeln, was man lustig findet, und entsprechend handeln. Jim hat letztendlich viele Takes gedreht. Ich habe es geliebt, Jim in dieser Rolle zu sehen.
Apatow: Das Flüstern war definitiv Jims Idee. Er hatte Figuren in «In Living Color», die ähnlich sprachen. Ich erinnere mich, wie Jims Manager unsere ersten Aufnahmen sah und fragte: «Wird er die ganze Zeit so flüstern?» Ich sagte: «Ja!» Er meinte: «Oh nein …» Aber es machte ihn auch kindlicher, und genau das war ja die Absicht.
Licht: Matthew Brodericks Realismus war entscheidend. Der Film funktioniert, weil seine Figur wie ein ganz normaler Mensch reagiert, der inmitten eines immer chaotischer werdenden Geschehens gefangen ist. Matthew bildete das perfekte Gegengewicht. Er verstand, dass je realistischer und authentischer Steven blieb, desto komischer und verstörender wurde Chip. Jim und Matthew bei der Arbeit zuzusehen, war fesselnd, weil sie Szenen völlig unterschiedlich angingen, sich ihre Stile aber dennoch wunderbar ergänzten. Ihre Dynamik ist im Grunde der Motor des Films.
Apatow: Wir sind mit Matthew aufgewachsen. Ich habe ihn am Broadway gesehen, und Ferris Bueller und WarGames waren wichtige Bestandteile unserer Kindheit. Damals spielte er noch nicht viele Erwachsenenrollen. Ich glaube, ein paar Jahre lang war er irgendwo zwischen dem jungen und dem erwachsenen Matthew. Ich erinnere mich, als wir anfingen, mit ihm zu arbeiten, dachte ich: «Wow, er ist jetzt ein attraktiver Hauptdarsteller. Das ist der Beginn einer ganz neuen Ära für Matthew.».
Stiller: Jim drehte und drehte und drehte, bestimmt 20 oder 30 Takes, um verschiedene Ideen auszuprobieren. Wir haben jahrelang darüber gelacht, aber ich erinnere mich, dass Matthew Jim einfach nur beobachtete. Es hatte etwas Meta-Bedeutendes. lacht Er beobachtete, wie Jim diese verrückten Dinge tat und wie perfekt er darauf reagierte.
Apatow: Es war eine sehr anspruchsvolle Rolle, weil sie komplett auf Reaktionen basierte. Jim drehte den ganzen Tag durch, und Matthew musste versuchen, den Film vor dem kompletten Chaos zu bewahren. Ich erinnere mich, dass Matthew einmal, nachdem Jim eine ganze Weile völlig durchgedreht war, zu mir sagte: «Mir gehen langsam die Möglichkeiten aus, darauf zu reagieren …» Es war so toll, mit jemandem zusammenzuarbeiten, den wir so sehr respektierten. Wir konnten es kaum glauben, dass er da war.
Stiller: Wir sahen es als Komödie, aber auch als vollwertigen Film. Rückblickend finde ich beides – satirische Anspielungen auf das Genre, wie Jack Black als Matthews bester Freund… vielleicht wollten wir zeitweise einfach alles auf einmal. Ich glaube, so war es, als ich 30 war; wahrscheinlich wollten wir zu viel auf einmal.
Apatow: Wir besprachen die Besetzung aller, die wir als die Zukunft der Komödie betrachteten. Andy Dick und Janeane Garofalo arbeiteten bei Medieval Times. Bob Odenkirk hatte eine Pornoszene mit Passwort gedreht, und wir waren große Fans von Jack Black, der gerade erst angefangen hatte, mit Tenacious D aufzutreten.
Bottle Rocket stand kurz vor dem Kinostart. Wir sahen einige Standbilder und luden Owen [Wilson] zum Vorsprechen ein, das jedoch katastrophal verlief. Ben meinte: «Ich weiß nicht, ob wir ihn kriegen können …» Und ich sagte: «Er ist der Typ aus Bottle Rocket – den müssen wir unbedingt haben!» Seitdem haben sie unzählige Male zusammengearbeitet.
Leslie Mann, die später meine Frau wurde, kam zum Vorsprechen [für die Rolle der Robin]. Ich habe mir das Vorsprechen neulich online angesehen, und sie liest mit mir zusammen. Als ich Leslie zum ersten Mal traf, habe ich Jim Carrey mit Sprachfehler imitiert. Unser nettes Treffen ist online zu sehen.
Hinter Carries mitreißender Darstellung verbarg sich der Wunsch, einer zutiefst fehlerhaften Figur unerwartet viel Empathie zu verleihen. Rückblickend war es eine künstlerische Entscheidung, die den Grundstein für die vielfältigen zukünftigen Projekte der Schauspielerin legte.
Stiller: Jim brachte auch eine gewisse Einsamkeit in den Film ein. Die Idee war, dass er einen Mann darstellt, der sich einfach nur nach Nähe und Freundschaft sehnt. Ich glaube, Jim hatte das während der Dreharbeiten immer im Hinterkopf. Er freute sich sehr darauf, eine Rolle mit emotionaler Tiefe zu spielen. Zum Beispiel die Szenen in seinem Van, in denen er allein fernsieht. Das ist etwas, das ihn schon immer interessiert hat. Er ist ein ganz besonderer Schauspieler.
Leitch: Jim hätte auf Nummer sicher gehen können, aber er wollte das Publikum herausfordern. Am meisten überraschte mich die Traurigkeit, die er seiner Figur verlieh. Alle erwarteten, dass Jim witzig sein würde. Aber niemand ahnte, wie verletzlich er Chip darstellen konnte. Hinter all dem exzentrischen Verhalten verbarg sich ein einsamer Mann, der sich verzweifelt nach Nähe sehnte. Jim fand diese Menschlichkeit, und ich denke, das ist einer der Gründe, warum der Film die Zeit überdauert hat.
Apatow: «Passwort für Pornos» ist etwas, das Jim früher mit seiner Familie gemacht hat. Es war seine Idee, es in den Film einzubauen.
Stiller: Wir überlegten, wie wir eine längere Szene drehen könnten, in der wir uns richtig austoben konnten, und Medieval Times war damals in Südkalifornien sehr beliebt. Das Beste an der Szene war für mich, dass wir diese schräge Hommage an Star Trek einbauen konnten [lacht]. Für Star-Trek-Fans ist das schon etwas nerdig, und dass wir das so weit getrieben haben… Jim hatte die Idee, während des Kampfes Musik zu summen, weil seine Figur ihr ganzes Leben lang fernsehen geschaut hatte – die Musik war quasi in ihr. Die Idee war, dass Jims Figur die Musik im Kopf hatte und quasi eine Star-Trek-Folge durchlebte… und dann [dachten wir], es wäre cool, echte Musik einspielen zu lassen. Ich erinnere mich, wie begeistert ich davon war.
Licht: Das Mittelalter war die perfekte Kulisse, denn es unterstrich die Absurdität von Chips Weltanschauung und bot Jim gleichzeitig eine unglaubliche Bühne für sein schauspielerisches Talent. Die Kombination aus der übertriebenen Dramatik des Settings, der sich steigernden Spannung zwischen den Figuren und Jims furchtlosem Einsatz machte die Szene zu einem wahren komödiantischen Meisterwerk. Sie wurde zu einem der prägendsten Momente des Films. Nach Drehschluss wandte sich Jim an mich und sagte, es sei die lustigste Szene gewesen, die er je gedreht habe. Für jemanden, der bereits in Ace Ventura, Die Maske und Dumm und Dümmer mitgespielt hatte, will das schon etwas heißen.
Apatow: Das Studio hat uns ständig wegen jeder Budgetüberschreitung angebrüllt. Ich erinnere mich an Gary Martin, den [ehemaligen] Chef von Sony Productions, diesen wirklich starken, harten Kerl, der mich anschrie, weil wir für die Mittelalterszene zu lange brauchten und noch nicht fertig waren. Er sagte: «Schalten Sie den Strom ab.» Ich sagte «Nein», nahm den Akku aus meinem Handy, warf es über das Feld und wir drehten einfach weiter. Das war so traumatisch für mich, dass ich seit 1996 bei keinem Film mehr das Budget überschritten habe, weil ich so große Angst davor habe, dass Gary Martin mich anbrüllt – und er ist ja nicht mehr da.
Stiller: Judd ist ein Meister darin, Studioeinflüsse abzuwehren. Selbst als wir «The Ben Stiller Show» drehten, da war er erst 24 oder 25, stritt er ständig mit dem Senderchef. Wir machten einfach weiter, drehten den Film, den wir wollten, und hatten dabei jede Menge Spaß.
Apatow: Am Ende des Films dachte Jim, er solle springen, auf der Satellitennadel landen und sterben. Er kämpfte dafür, aber das Studio wollte das natürlich nicht. Wir hatten eine andere Idee: Wir glauben, er sei tot, aber im klassischen Thriller-Stil öffnet er die Augen und kämpft weiter.
Der Film Cable Guy kam am 14. Juni 1996 in die Kinos. Obwohl er ein finanzieller Erfolg war, konnte er die Erwartungen von Fans und Kritikern an einen Jim-Carrey-Film nicht erfüllen; viele äußerten sich unzufrieden über seine Gage von 20 Millionen Dollar.
Stiller: Als der Film dann rauskam, angesichts der ganzen Publicity und Jims damaliger Karriere … fühlte es sich nicht gerade wie ein Triumph an [lacht]. Ich erinnere mich, dass ich beim Drehen Spaß hatte, aber als der Film dann rauskam, war der Spaß nicht mehr so groß, weil die Leute sehr unterschiedliche Reaktionen darauf hatten.
Licht: Der Film hatte einen Ton, der die Vermarktung erschwerte, weil er in keine Schublade passte und nicht dem entsprach, was das Publikum damals von Jim Carrey erwartete. Ich erinnere mich, dass ich dachte: Wir hatten etwas wirklich Originelles geschaffen. Ob die Leute ihn nun liebten oder hassten, sie würden trotzdem darüber reden. In Hollywood ist das oft ein Zeichen dafür, dass man etwas Besonderes geschaffen hat. Er war anders als alle anderen Studio-Komödien jener Zeit.
Apatow: Natürlich gab es Diskussionen darüber, wie düster der Film sein sollte, aber es blieb nicht viel Zeit, verschiedene Optionen auszuprobieren. Ben wollte einen durchgängigen Ton. Der Film hat einen sehr realistischen Thriller-Soundtrack – das macht ihn für das Publikum nicht leichter. Ich denke, das ist mit ein Grund, warum er beim ersten Ansehen stellenweise wirklich beängstigend ist. Wir haben ihn im Schnitt gesehen und wussten, dass Jim niemandem etwas antun würde, aber wenn man den Film noch nie gesehen hat, denkt man, er könnte jemanden umbringen. Es gab viele unerwartete Momente, mit denen wir wohl nicht gerechnet hatten.
Licht: Dass Jim als erster Schauspieler 20 Millionen Dollar verdiente, sorgte für ein riesiges Medienspektakel. Es schien die Diskussionen über den Film selbst in den Schatten zu stellen. Es ging in die Hollywood-Geschichte ein. Die Gage war die große Neuigkeit, doch kreativ gesehen war der Film ein echtes Risiko.
Apatow: Ben und ich hatten das Ausmaß der Herausforderung unterschätzt. Wir waren einfach nur begeistert, mit jemandem, den wir bewunderten, einen Film zu drehen und alles zu haben, was wir brauchten, um sein volles Potenzial auszuschöpfen, denn keiner von uns hatte einen großen Sommerfilm im Kino. Ich glaube, deshalb waren wir bereit, so viele verrückte Dinge zu wagen. Wir waren überzeugt, dass es ein Riesenerfolg werden würde, weil Jim mitwirkte, Bens Regie unglaublich war und die Leute die Neuartigkeit und Originalität des Films lieben würden. Als er dann herauskam, waren wir sehr überrascht, dass einige der Kritiker, die wir bewunderten, uns angriffen, weil wir dachten, sie würden unsere kreativen Bemühungen zu schätzen wissen. Das hat uns wirklich erschüttert.
Stiller: Ich erinnere mich daran, zur Premiere im [Grauman's] Chinese Theatre gegangen zu sein. Danach herrschte Stille, und einer der Regisseure eines Films, bei dem Jim kürzlich Regie geführt hatte, sah mich an, als wollte er sagen: «Was zum Teufel war das denn?» Lacht Bis dahin hatte alles so viel Spaß gemacht, und dann war es, als wäre ich wieder in der Realität angekommen.
Apatow: Ich erinnere mich, wie ich mich für die Premiere fertig machte und man mir zwei Faxe reichte. Es waren Kritiken aus Time und Newsweek, und beide waren vernichtend. Ich konnte während der gesamten Premiere kaum atmen, weil ich spürte, was uns bevorstand.
Licht: Die Wandlung war verblüffend. Was einst als Kuriosität galt, wird heute weithin als eine der unterhaltsamsten Studio-Komödien der 1990er-Jahre anerkannt. Vor allem jüngere Zuschauer scheinen zu schätzen, wie fortschrittlich der Film seiner Zeit war. Die Themen Einsamkeit, Mediensucht, parasoziale Beziehungen und unsere Abhängigkeit von Technologie wirken heute noch relevanter als 1996. Dies ist einer der Gründe, warum der Film auch 30 Jahre später immer wieder neue Zuschauer findet und noch immer Gesprächsstoff bietet.
Apatow: Im Rückblick wirkt das alles absurd. Der Film kostete 47 Millionen Dollar und spielte weltweit über 100 Millionen Dollar ein, doch Jim stand damals so unter Druck, mit jedem Film Rekorde zu brechen, dass viele ihn als Flop bezeichneten. Dann, nach und nach, wurde uns klar, dass die Leute ihn einfach liebten. Als er auf DVD erschien, schien ihn jeder zu schätzen – aber damals war das schwer zu erkennen.
Stiller: Ich habe das Gefühl, dass man sich während meiner gesamten Filmkarriere immer nur auf den Kinostart konzentriert hat; man wünscht sich, dass der Film den Leuten gefällt und ein Erfolg wird, und natürlich hat man das alles nicht in der Hand. Diesmal habe ich das wohl zum ersten Mal so richtig gespürt, weil der Film so schlecht ankam. Interessanterweise habe ich während der Dreharbeiten nie so darüber nachgedacht. Vielleicht, weil wir so jung waren. Wir dachten einfach: «Okay, lasst uns dieses verrückte Ding durchziehen.».
Apatow: Ich glaube, sowohl Jim als auch Ben haben dazu beigetragen, diese Barrieren [für Komiker, die dramatischere Rollen anstrebten] abzubauen. Danach drehte Jim «Vergiss mein nicht!» und «Die Truman Show». Ben spielte in «Deine Freunde & Nachbarn», einem sehr düsteren und verstörenden Film. Anschließend eröffnete sich eine Welt, in der Adam Sandler Filme wie «Spanglish» und «Uncut Gems» drehen konnte und viele Künstler zwischen Komödie und anderen Genres wechseln konnten. Heute versteht das Publikum, dass man nicht jeden in eine Schublade stecken kann.
Holtz: Ich persönlich finde es unglaublich bereichernd zu wissen, dass ich mit 31 Jahren, als ich Vollzeit als stellvertretende Staatsanwältin arbeitete, die Disziplin hatte, meine knappe Freizeit abends und am Wochenende dem Schreiben über meine Überzeugungen zu widmen. Es ist nicht einfach, monatelang auf alle Hobbys und Einladungen zu Partys zu verzichten, um zu Hause zu bleiben und intensiv an einem Drehbuch zu arbeiten, das sich wahrscheinlich nicht verkaufen wird, besonders wenn man als Autor unbekannt ist. Es ist ein großartiges Vorbild für meine drei Kinder und zeigt ihnen, wie wichtig es ist, an sich selbst zu glauben.
Apatow: Es war ganz klar der wichtigste Moment meines Lebens, denn ich lernte meine Frau Leslie kennen, und wir führten eine sehr lange Ehe und gründeten eine wundervolle Familie. Kreativ habe ich so viel von Ben gelernt. Er war immer ein Visionär und gab sich mit nichts weniger zufrieden, als seine Vision zu verwirklichen. Jim ist einer meiner engsten Freunde, und dabei gewesen zu sein, als alles begann, sein Genie aus nächster Nähe zu erleben und etwas zu schaffen, worauf wir so stolz sind, etwas, das Mut erforderte – das wird mit den Jahren immer bedeutsamer. Als junger Mensch glaubt man, alles sei möglich. Ich erinnere mich noch gut an unseren blinden Glauben an uns selbst, egal wie wütend alle anderen auf uns waren. Wir wussten, was wir taten. Und Jahrzehnte später sagen die Leute: «Eigentlich ist das gar nicht so schlecht.» Lacht ] Wenn etwas nicht aus einer Kultur verschwindet, ist das immer ein großer Erfolg.