L'an dernier, Michael Arden a transformé une comédie musicale sur deux robots en un spectacle récompensé aux Tony Awards dans la catégorie Meilleure comédie musicale. Cette année, il s'attaque aux vampires.
Un metteur en scène lauréat d'un Tony Award est aux commandes de « The Lost Boys », une adaptation théâtrale ambitieuse du film culte de 1987. Avec douze nominations aux Tony Awards, dont deux pour Arden lui-même (pour la mise en scène et la co-conception des lumières), la production s'est imposée comme favorite dans plusieurs catégories techniques et figure parmi les spectacles les plus attendus de Broadway. Mais c'est aussi un pari risqué, avec un budget annoncé de 25 millions de dollars. Après tout, les spectacles de vampires ont une histoire pour le moins terrifiante : de « Dracula the Musical » à « Lestat », aucun n'a réussi à attirer le public. « The Lost Boys » parviendra-t-il à briser le sort ?
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Les nommés aux Tony Awards répondent à une question : qu’apporteraient-ils à Broadway sans contraintes budgétaires ? Voici leurs réponses.
« Il faut faire abstraction du bruit ambiant et écouter les réactions des spectateurs dans la salle », explique Arden.
Beaucoup de choses pourraient dépendre de la performance de « The Lost Boys » aux Tony Awards dimanche, où il sera en compétition pour le prix de la meilleure comédie musicale face à « Two Strangers », « Titanic » et « Schmigadoon » !.
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Prix de la variété : Tony
Cet entretien a été modifié et condensé pour plus de clarté.
Qu'est-ce qui, dans le film « The Lost Boys », vous a inspiré à envisager la création d'une comédie musicale sur ce sujet ?
Par l'intermédiaire de mes agents, j'ai reçu une demande de renseignements de nos producteurs à ce sujet. Je n'avais jamais vu le film, alors je l'ai immédiatement regardé avec mon mari et j'ai pensé : « Eh bien, c'est absurde et drôle, pas du tout ce à quoi je m'attendais. ».
J'étais une grande fan de vampires, surtout des œuvres d'Anne Rice. Alors, quand j'ai découvert cette intrigue originale et emblématique de vampires motards sexy, je me suis dit que ce serait typiquement le matériau idéal pour une comédie musicale.
Au final, l'histoire principale racontait celle d'une famille qui tentait de se reconstruire et de rester unie malgré les changements et le temps qui passe. Ce qui était intéressant, c'était que le film n'était pas cantonné à un seul genre. Il aurait pu être une comédie, une romance, un thriller de vampires, un film d'horreur. Et il semblait avoir le potentiel d'avoir une identité sonore unique, voire atypique.
Le statut culte d'un film peut facilement virer au kitsch. Comment trouver le juste milieu ?
Tout doit reposer sur une sincérité émotionnelle. On peut regarder une comédie fantastique, et son succès sera dû au fait que les personnages croient véritablement en ce qu'ils entreprennent.
Dans ce cas précis, il s'agit littéralement d'une question de vie ou de mort, voire de vie éternelle. L'enjeu est, il faut bien le dire, extrêmement important. Il est donc crucial d'éviter tout mélodrame ou farce. Un équilibre doit être maintenu, veillant à ce que le drame comme la comédie restent ancrés dans l'authenticité.
C'est formidable d'être dans une salle de cinéma et de voir des enfants de dix ans apprécier un film autant que des personnes de soixante ou soixante-dix ans. J'espère que cela permettra à chacun de s'immerger dans un genre qu'il n'apprécie pas forcément, mais qu'à la fin, il se rendra compte que tous ces genres peuvent coexister.
Comment rendre justice au film sans surprendre les fans de longue date ?
Je pense qu'il s'agit de rendre justice au film, de mettre en valeur ses meilleurs moments et de faire en sorte que les gens aient le sentiment d'avoir été choyés – que quelque chose qu'ils ont aimé et qui a fait partie de leur vie soit valorisé.
Mais il est tout aussi important de ne pas se laisser limiter par cela. Le théâtre est un art à part entière, avec ses exigences propres. On n'a pas les mêmes besoins lorsqu'on va à Broadway et qu'on y passe deux heures et demie que lorsqu'on regarde un film de 90 minutes. Espérons que ces deux formes d'art seront complémentaires.
Qu’avez-vous appris du public lors des avant-premières de la pièce, et à quoi faites-vous attention lorsque vous observez la réaction du public ?
Ce sont simplement leurs réactions authentiques. On voit bien quand les gens sont mal à l'aise. On voit bien quand les applaudissements ne sont pas ceux qu'on aurait espérés.
J'adore me tenir au fond de la salle pour observer le public. C'est un spectacle incroyable de voir les gens assis en silence, penchés les uns vers les autres. Nous vivons dans un monde où, la plupart du temps, nous suivons tous des chemins différents, mais pendant un spectacle, nous pouvons tous sembler ne faire qu'un, riant en même temps, retenant notre souffle en même temps, ou – horreur suprême – ressentant quelque chose simultanément.
Ce que j'aime le plus dans le fait de travailler sur une émission, c'est la réaction du groupe. Nous vivons tous les émotions ensemble.
Nous souhaitons susciter chez chacun une réflexion ou une question à appliquer à sa propre vie. À travers « Les Garçons Perdus », nous espérons rappeler que la vie éternelle n'est pas garantie et que, par conséquent, nous devons chérir chaque instant.
L’adaptation de la propriété intellectuelle existante est souvent critiquée. Quels sont ses avantages ?
Il s'agit de susciter l'empathie. On va au théâtre pour voir des histoires qui dépassent notre propre expérience. Heureusement, peu de gens ont vécu la situation de Michael et de sa famille. Mais à la fin, on se dit : « Ah, c'est moi. » C'est l'empathie dans sa forme la plus simple.
Plus les communautés que nous pourrons rassembler au théâtre seront diverses, plus notre communauté commune sera forte. Ce sont peut-être des robots, peut-être des vampires, peut-être vivent-ils sur une île dévastée par une tempête, mais je suis comme eux, et donc ils sont comme moi.
D'un point de vue technique, il s'agit d'une production incroyablement ambitieuse. Y a-t-il eu des moments, pendant les répétitions, où vous vous êtes dit : « Je ne sais pas si nous allons y arriver » ?
Je veux dire, tous. Et ça reste comme ça. On a vu certaines choses sur scène et on a immédiatement dit : « Non, on ne fera pas ça. Surtout pas ça. ».
Je veux que les gens repartent en se disant : « J’ai adoré cette histoire. J’ai adoré ces personnages. J’ai adoré ces chansons. » Je ne veux pas qu’ils repartent en pensant : « Oh mon Dieu, les effets spéciaux étaient incroyables ! » Bien sûr, c’est formidable, mais les effets doivent servir l’histoire.
C'est toujours un exercice d'équilibre. Il faut vraiment se poser la question : est-ce qu'on montre quelque chose simplement parce qu'on le peut, ou est-ce une manière vraiment captivante de raconter une histoire qui fera croire aux spectateurs aux vampires ?
Quel est devenu le plus grand défi dans la création de productions théâtrales aujourd'hui ?
Monter une pièce de théâtre coûte très cher. Nous ne sommes pas un grand studio. Nous sommes trois producteurs indépendants, et pour présenter notre spectacle dans une autre ville, il faut rogner 5 millions de dollars sur le budget. Warner Bros. détenait les droits de la production, mais ce n'est pas Harry Potter. Alors on s'est dit : investissons dans une production théâtrale et faisons-le comme on l'entend, tout de suite [et renonçons aux avant-premières dans une autre ville].
New York est l'une des villes les plus chères au monde, abritant une population immense et de nombreux syndicats. Depuis la COVID-19, les prix ont explosé. Garantir une qualité élevée dans ce contexte est devenu un véritable défi.
Aujourd'hui, n'importe qui peut se faire critiquer, il suffit d'un téléphone en main. Le processus a changé. On ne développe plus un produit, on le teste, puis on attend les critiques. Désormais, on publie son travail en ligne immédiatement après la première présentation.
Ce n'est pas votre premier projet cette saison. En quoi « The Lost Boys » diffère-t-il de « The Queen of Versailles » ?
Ce sont des séries complètement différentes, et leur contenu l'est tout autant. C'est vraiment agréable de passer d'un univers à l'autre. J'adore l'univers de « La Reine de Versailles ». J'aime évoluer dans un style satirique et documentaire, puis me plonger dans celui-ci, si épique, sombre et pourtant si comique. Je suis reconnaissante de pouvoir travailler sur des projets qui me permettent de me métamorphoser complètement. Je préfère de loin les myrtilles et les fraises aux oranges et aux mandarines.
Enfin, vous travaillez également sur une adaptation théâtrale de la comédie musicale « Happy Feet ». Pouvez-vous nous en dire un peu plus ?
Ça va être hilarant ! Je ne peux pas lire les paroles sans pleurer. Après tant d'années passées à travailler sur un spectacle sombre, celui-ci sera résolument lumineux. Même la palette de couleurs est impressionnante. C'est passionnant ! Je n'ai jamais travaillé avec des animaux anthropomorphes. On adore les pingouins, ils sont tellement humains ! Le spectacle propose des marionnettes incroyables et la musique est composée de vos chansons préférées. Tous les artistes que nous avons contactés ont immédiatement accepté. C'est ça, le pouvoir des pingouins !.
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