Orchestre philharmonique royal, Royal Festival Hall
★★★★☆;
Aujourd'hui, l'idée qu'un chef d'orchestre russe soit le seul à pouvoir révéler l'âme de la musique russe paraît inconcevable. C'est un exemple de cet essentialisme nationaliste et mystique qui mène aux guerres et dont nous aurions dû nous affranchir depuis longtemps. Mais vendredi, après la superbe interprétation de deux œuvres russes par le chef d'orchestre russo-britannique Vassili Petrenko au Royal Festival Hall, j'ai senti une vieille superstition se réveiller en moi.« L'île des morts » Les symphonies de Rachmaninov et de Scriabine, la Troisième, brillaient de couleurs totalement différentes, mais tout aussi magnifiques. ».
Pourtant, le tempo de la pièce de Rachmaninov, choisi par Petrenko et inspiré du célèbre tableau d'Arnold Böcklin représentant une barque transportant un cercueil vers une île boisée, parut d'abord excessivement lent. Les répétitions musicales semblaient ainsi encore plus superflues. Mais peu à peu, la majestueuse solennité du son du Royal Philharmonic Orchestra, avec le hautbois d'une mélancolie poignante de John Roberts émergeant des vagues de cordes, dissipa mes doutes.
La Troisième Symphonie de Scriabine est une œuvre bien plus ambitieuse. Le compositeur romantique tardif cherchait à dépeindre la lutte de l'âme humaine pour s'affranchir des religions établies et trouver le divin en elle, une lutte qui traverse le monde naturel (remarquons la magnifique section de cuivres du Royal Philharmonic Orchestra). Elle culmine dans le triomphe de l'âme humaine – ou peut-être de l'ego démesuré de Scriabine – au son des trompettes (remarquons le Royal Philharmonic Orchestra, et en particulier Matthew Williams). En tant qu'œuvre philosophique, elle est absurde, mais en tant que démonstration musicale, magistralement construite par Petrenko pendant près d'une heure, elle était époustouflante.
Katie Woolley, Alexander Edmundson et Ben Hulme ont offert de superbes prestations au cor. — Sarah Louise Bennett / Orchestre philharmonique royal
Entre ces deux chefs-d'œuvre, quelque chose de si différent est apparu qu'il semblait venir d'une autre planète : Concerto pour trois cors d'harmonie Composée par le Japonais Joe Hisaishi, sous-titrée « Border », cette musique est mondialement reconnue pour sa musique émouvante et tendre, qu'il a notamment composée pour des films d'animation japonais de renom. «Mon voisin Totoro» (1988).
Mais ce concert était bien loin de cet univers sonore. Il s'inspirait des motifs frénétiques et répétitifs du minimalisme américain, avec des accents animés et irréguliers s'entremêlant aux percussions, aux violons et au piano au martèlement tendu. Au premier plan, trois superbes solistes de cor – Alexander Edmundson, Ben Hulme et Katie Woolley – se joignaient à eux, créant des motifs ascendants et superposés si étroitement imbriqués qu'ils semblaient souvent former un seul et même cor.
C'était inventif et parfois captivant, mais musicalement un peu contraint. Ce n'est que dans le mouvement lent — le meilleur des trois — que Hisaishi a laissé s'exprimer toute la richesse et le lyrisme du cor.
Écoutez ce concert sur BBC Radio 3 le 14 juillet, puis pendant 30 jours sur BBC iPlayer.
Les Arts Florissants, Wigmore Hall
★★★★☆;
Même en 1718, lorsque l'opéra de Haendel « Acis et Galatée, elle , Cela devait paraître comme une pure évasion. Le public londonien raffiné, invité à la première dans la nouvelle et luxueuse demeure du payeur de l'armée dans le Middlesex, a eu droit à un conte pastoral charmant, où le berger Acis et la nymphe marine Galatée chantaient mélodieusement et sans fin les joies de la nature et de l'amour. Les convives devaient avoir hâte de se détendre et de savourer un verre de madère, mais l'apparition du géant borgne et lubrique Polyphème a considérablement égayé l'atmosphère.
William Christie, directeur de l'ensemble français Les Arts Florissants, qui a interprété la Pastorale de Haendel à Londres lundi, saisit manifestement toute la dimension temporelle de cette œuvre. Il a veillé à un tempo vif, des rythmes précis et une sonorité d'une vivacité saisissante pour l'orchestre de dix musiciens déployé sur la scène du Wigmore Hall. Dans le premier morceau, avec son magnifique chœur célébrant une douce brise et une rosée délicate, j'ai franchement ressenti un manque de la rêverie pastorale que la plupart des interprétations de cette musique insufflent habituellement. Mais finalement, la pertinence de l'approche énergique de Christie s'est imposée. Il a su tempérer cette beauté d'une pointe d'une authentique sensualité.
L'approche dynamique du metteur en scène William Christie a porté ses fruits - Vincent Ponte
Les solistes se sont pleinement investis dans ce drame maintes fois raconté. James Way a offert une interprétation passionnée du berger, savourant les paroles autant que les mélodies gracieuses de Haendel. Richard Pittsinger a livré une performance convaincante, douce et pourtant rusée, dans le rôle de Damon, l'ami insaisissable qui change de camp dès l'apparition de Polyphème. Padraic Rowan était un Polyphème délicieusement drôle, non pas comme un monstre brutal et borgne, mais comme une présence élégante et imposante dans un costume impeccable.
Le véritable charme de cette interprétation résidait dans l'interaction entre les chanteurs et les instrumentistes. Chaque phrase chantée trouvait un écho dans les violons ou le hautbois plaintif, un effet que Christie accentua en demandant aux solistes de jouer debout. On avait l'impression que chaque personnage possédait une double personnalité : l'une chantée, l'autre instrumentale. À la fin, après que Polyphème a assassiné Acis dans un accès de jalousie, Christie passa du clavecin à l'orgue pour le chœur funèbre, qui se distingua par une solennité d'une gravité saisissante. Ce sont ces subtilités qui conféraient une profondeur mystérieuse à une œuvre qui, au premier abord, pouvait paraître vide, conventionnelle et artificielle.
Écoutez ce concert pendant 30 jours sur BBC Sounds.
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