Manche Leser erinnern sich vielleicht noch an den Hype um das Phänomen der unterschwelligen Botschaften in der Popkultur. Man vermutete, dass subtile, unhörbare Tonaufnahmen oder Reverse Masking eingesetzt wurden, um dämonische Impulse in die Köpfe der Medienkonsumenten einzupflanzen, ohne dass diese es bewusst wahrnahmen. John Carpenters Film «Sie leben!» aus dem Jahr 1989 ist ein Paradebeispiel für unterschwelligen Horror.
In den 2020er Jahren wich der unterschwellige Horror jedoch dem liminalen Horror – also furchterregenden Bildern, die in einem «liminalen» Raum stattfinden. Liminale Räume sind Orte, die unbemerkt bleiben sollen, die Zwischenräume eines Gebäudes. Ein Flur. Ein Wartezimmer. Ein Foyer. Der liminale Horror bewohnt diese Räume und verführt die Betrachter dazu, sie in ihr Bewusstsein zu integrieren. Und wenn wir in den trostlosen, leeren Zwischenraum blicken, verlieren wir allmählich jeglichen Sinn. Wenn sich nichts im liminalen Raum befindet, wird die Leere selbst zum Schrecken.
Diese Ästhetik erfreute sich im Zeitalter der sozialen Medien immenser Beliebtheit, als Amateurfotografen und -animatoren massenhaft Bilder von Zwischenwelten erstellen konnten. Kane Pixels, alias Kane Parsons, war mit seiner YouTube-Serie «Behind the Scenes» einer der Pioniere dieser neuen Welle von Horrorbildern im Grenzbereich. Die Serie adaptierte er später zu dem kürzlich erschienenen (und vielbeachteten) Spielfilm «Behind the Scenes».
Viele Horrorfilme haben diese Technik bereits eingesetzt, indem sie in unheimlichen Zwischenräumen verweilen und das Gefühl der Beklemmung den Zuschauer durchdringen lassen. Manchmal kann ein großer, leerer Flur oder ein langer, leerer Korridor furchterregender sein als jedes blutrünstige Höllenmonster oder jeder axtschwingende Mörder. Die fünf folgenden Filme gehören zu den besten Horrorfilmen, die mit dieser Zwischenwelt-Technik arbeiten. Es ist Zeit, in die Leere einzutauchen und sie zu genießen.
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5. Elephant (2003)
John geht im Film «Elephant» den Flur entlang – Fine Line Features
Gus Van Sants Film «Elephant» aus dem Jahr 2003 ist eine fiktionale Neuinterpretation des berüchtigten Amoklaufs an der Columbine High School im Jahr 1999. Van Sant beleuchtet das familiäre Umfeld und die Weltanschauung zweier Schüler (Alex Frost und Eric Deulen), die ein Massaker an ihrer Schule planen und ausführen. Sie leben in einer Welt stiller Verzweiflung und Unterdrückung und scheinen unfähig, sich anders als durch Gewalt auszudrücken.
Van Sant entwirft in «Elephant» jedoch keine traditionelle Erzählweise. Der Film wirkt vielmehr wie eine vereinfachte Analyse der Columbine-Tragödie, scheinbar ohne Kommentar. Der Titel stammt aus einer alten Parabel über mehrere Blinde, die zum ersten Mal einem Elefanten begegnen. Jeder von ihnen hält den Elefanten aufgrund seiner Berührung für etwas anderes. Keiner von ihnen weiß, wie das ganze Tier aussieht. Dasselbe gilt für Amokläufe an Schulen. Wir alle können einen Teil davon erahnen, aber keiner von uns sieht das Gesamtbild.
Ein Großteil des Films besteht aus langen Einstellungen von Teenagern, die durch lange Schulflure gehen, die Kamera direkt hinter ihnen. «Elephant» verdeutlicht, wie viel Zeit die Jugendlichen damit verbringen, von Klassenzimmer zu Klassenzimmer zu laufen und an Hunderten identischer, in den Schulfarben gestrichener Spinde vorbeizugehen. Ihre Freunde gehen vielleicht vorbei, aber scheinbar passiert nichts. «Elephant» vermittelt den Eindruck, dass Highschool-Schüler in einer Art Fegefeuer leben.
Und während sie in diesem Fegefeuer verharren, können ihre Gedanken abschweifen. Groll kann wachsen. Hass kann brodeln. Die Mörder in «Elephant» wurden nicht von Spott oder Ungerechtigkeit angetrieben, sondern von Einsamkeit. Die dunklen, leeren Flure ihrer Schule waren ein Ort, an dem sie ihre finstersten Fantasien nähren konnten. Und dann brachten sie Tod, Schüsse und Gewalt in diesen Zwischenraum.
«Elephant» ist ein erschreckender Film. Er beeinflusste übrigens auch eine andere bemerkenswerte Highschool-Horrorgeschichte, «Spontaneity».
4. The Shining (1980)
Danny betrachtet zwei junge Mädchen am Ende eines Flurs in The Shining - Warner Bros.
Stanley Kubricks «The Shining», einer der größten Klassiker des «Grenzhorrors», bedarf kaum einer Vorstellung. Der Film hat sich tief in das kollektive Bewusstsein eingeprägt und zählt zu den bekanntesten und wohl auch zu den gruseligsten Horrorfilmen aller Zeiten. Für viele prägte «The Shining» das Konzept des Grenzhorrors und bescherte ihnen alptraumhafte Visionen von langen, leeren Hotelkorridoren. Die Szene, in der der junge Danny (Danny Lloyd) mit seinem Dreirad um die Ecke eines Hotelkorridors fährt und am Ende des Flurs den Grady-Schwestern (Lisa und Louise Burns) begegnet, ist bis heute eine der einprägsamsten des Films.
Ein Großteil von «The Shining» ist von einer unheimlichen Leere durchdrungen. In einem Grandhotel, das im Winter nur von Jack (Jack Nicholson), Danny und Wendy (Shelley Duvall) Torrance betreut wird, sind es lediglich die riesigen Lobbys, die gewaltigen Ballsäle, die leeren Badezimmer und Küchen – alles ist leer. Und in dieser Leere beginnen wir, das Flüstern der Erinnerungen des Hotels zu vernehmen, die Geister seiner Vergangenheit schweben in der stillen Luft. «The Shining» führte viele in die Idee ein, dass die Leere selbst eine Art Charakter sein kann, eine Präsenz, die wir nicht genau einordnen können. Und genau das ist der Geist des Grenzbereichs zwischen Horror und Realität.
Man könnte sogar sagen, Kubrick habe sein gesamtes Schaffen der Erforschung von Zwischenräumen gewidmet. Seine langen Einstellungen und die akribisch gestalteten Interieurs rufen oft ein Gefühl der beklemmenden Ahnung hervor. «Uhrwerk Orange» spielt teilweise in solchen Zwischenräumen, während «2001: Odyssee im Weltraum» riesige, futuristische Interieurs schuf, die nahezu menschenleer waren. «Shining» ist vielleicht das beste Beispiel für Kubricks Meisterschaft in der Gestaltung ungewöhnlicher Interieurs, bis hin zu seinem rätselhaften Ende.
3. Wir fahren alle zur Weltausstellung (2022).
Caseys verzerrtes digitales Gesicht im Animationsfilm «We're All Going to the World's Fair» – «Utopia».
Jane Schoenbruns Spielfilmdebüt «We're All Going to the World's Fair» ist für eine Generation gemacht, die allein im Internet aufgewachsen ist. Der Film erzählt die Geschichte von Casey (Anna Cobb), einem Mädchen, das mit ihrem alleinerziehenden Vater lebt und an einer Online-Challenge namens «World's Fair Challenge» teilnimmt. Wie sich herausstellt, aktiviert das dreimalige Wiederholen des Satzes «Ich will zur Weltausstellung» und das Verschmieren des Computers mit Blut einen vagen Fluch, der einen psychotischen Schub und sogar körperliche Mutationen auslöst.
Casey scheint keine Welt außerhalb ihres Zuhauses zu kennen. Das Universum spielt sich entweder in ihrem Zimmer ab, wo sie das Gewehr ihres Vaters streichelt, oder im Internet, wo niemand eine Identität zu haben scheint. Sie lebt in einem Zwischenraum, aus dem es kein Entrinnen gibt. Sie schreit im Schlaf und zerreißt ihren Teddybären. Ist sie psychisch krank, simuliert sie es oder ist sie tatsächlich verflucht? In «We’re All Going to the World’s Fair» wird dieser Zwischenraum stark abstrakt. Die Geschichte spielt in einer Online-Welt, in der man in eine horrorfilmartige Atmosphäre eintauchen und rund um die Uhr «das Spiel spielen» kann. Körper sind veränderlich, und Identitäten können gewählt werden. Schönbrun, die nicht-binär und transfeminin ist, erforschte eindrücklich den Wert (und die damit einhergehenden Schrecken) dieser Räume für Teenager der frühen 2000er-Jahre (Schönbrun wurde 1987 geboren), die darüber nachdenken wollten, wer sie jenseits ihres Körpers sind.
In gewisser Weise haben soziale Medien und das Online-Leben alle in einen permanenten Zustand der Zwischenwelt versetzt. Vielleicht war es der Aufstieg der sozialen Medien, der eine ganze Generation für Bilder der Zwischenwelt empfänglich gemacht hat. «We’re All Going to the World’s Fair» ist eine faszinierende Auseinandersetzung mit diesem Thema.
2. Eraserhead (1977)
Henry Spencer steht in einem Aufzug in Eraserhead — Libra Films
Wie Stanley Kubrick hat auch David Lynch einen Großteil seiner Karriere der Erkundung von Zwischenräumen gewidmet, angefangen mit seinem ersten Spielfilm «Eraserhead» im Jahr 1977. «Eraserhead» spielt in einer staubigen, heruntergekommenen, fast dystopischen Stadtlandschaft, in der Wohnungen klein sind, Hühner Mutanten sind und Babys vielleicht gar keine Babys mehr sind. Lynchs Einsatz von Licht und Schatten unterstreicht die Theatralik der Räume, die Henry Spencer (Jack Nance) durchstreift. Wir spüren Henrys Einsamkeit schmerzlich. Die Welt ist ihrer Farben, ihrer Menschen und aller Emotionen beraubt. Nun ja, nicht aller Emotionen. Die Angst bleibt. Vor allem die Angst vor der Vaterschaft.
Henry, ein Grenzgänger, hat seine Seele im Grunde verloren. Er lebt in einer grauen, abgeschotteten, trostlosen Welt. Die Stadt ächzt, ist verraucht und bedrückend. Die Sonne existiert nicht. Alles unter dem Himmel ist ein erschreckendes, deprimierendes Grenzgebiet. Erwähnenswert ist, dass Eraserhead zu den besten Filmen aller Zeiten zählt.
Im Film «Eraserhead» existiert sogar ein unbewusster Zwischenraum. Als Henry von der Flucht träumt, starrt er in den Heizkörper seiner winzigen Wohnung und stellt sich eine kleine Bühne mit einem Guckkasten vor, auf der er eine Frau mit großen, von Krebsnarben gezeichneten Wangen (Laurel Near) tanzen und singen sieht, wie schön alles im Himmel ist. Die weite, leere Bühne ist ein Traum im Traum. Es ist eine tiefgründige Auseinandersetzung mit der Leere des Zwischenraums.
Lynch kehrte immer wieder zu Zwischenräumen zurück. Die Ästhetik quadratischer, spärlich eingerichteter Räume prägt seine Fernsehserie Twin Peaks und ist auch in den Eröffnungsszenen seines Films Lost Highway prominent vertreten. Der Horror des Zwischenraums erfordert eine gewisse Reduktion der Ästhetik, und Lynchs reduzierte Ästhetik – und der unbeschreibliche Schrecken, den sie hervorruft – hat sein gesamtes Schaffen bestimmt. Sein Andenken sei uns ein Segen.
1. Skinamarink (2023)
Ein Paar Füße steht in einem Türrahmen in Skinamarinka – BayView Entertainment
Kyle Edward Balls Skinamrink, gegründet mit nur 15.000 Dollar, startete – ähnlich wie Backrooms – als YouTube-Phänomen. Balls Kanal hieß «Bitesized Nightmares», und er stellte die Albträume seiner Zuschauer so genau wie möglich vor der Kamera nach. Albträume ähneln bekanntlich nicht den wilden Phantasmagorien aus Filmen wie «A Nightmare on Elm Street». Stattdessen spielen sie sich typischerweise an vertrauten Orten ab, die jedoch auf irgendeine Weise verändert wurden.
Skinamarink spielt nachts in einem Vorstadthaus. Wir hören das Flüstern zweier Kinder, die durch dunkle Flure und Schlafzimmer streifen, mit Spielzeug spielen und alte Zeichentrickfilme schauen. Unheimlicherweise verschwinden plötzlich alle Türen und Fenster des Hauses. Bedrohliche Worte werden über etwas gesprochen, das sich unter dem Bett befinden könnte. Ein Erwachsener wird gerufen, besorgt, dass einem der Kinder etwas zugestoßen sein könnte. Ist einer der Eltern verschwunden? Was war die Geschichte des kleinen Mädchens, das sich danebenbenommen hatte und dem der Mund entfernt wurde? Wir sehen nur wenige Gesichter, doch Ball konzentriert sich hauptsächlich auf Fragmente von Wänden, Teppichen und Spielzeug, die auf dem Boden oder an der Decke verstreut liegen. Wie in einem wahren Albtraum werden vertraute Orte furchterregend, wenn sie leergeräumt sind. Der Film präsentiert einen ganzen Zwischenraum.
Und im Zentrum von alldem befindet sich… etwas. Wie nennt man es?
«Skinamarink» zählt zu den furchteinflößendsten Filmen der Kinogeschichte. Ball spielt mit Filmkorn, Rauschen und alptraumhaften Bildern, um die Geschichte von … nun ja, es gibt Theorien, aber das Ende von «Skinamarink» könnte andeuten, dass eine der Figuren im Koma lag. Oder vielleicht ist es einfach eine Anspielung auf Jungsche Archetypen. So oder so, der Film wird Sie für immer begleiten.
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