Anmerkung der Redaktion: Diese Rezension wurde ursprünglich am 7. September 2025 auf dem Toronto International Film Festival veröffentlicht. 1-2 Special bringt den Film am Freitag, den 19. Juni, in New York City in die Kinos; weitere Veröffentlichungen folgen.
Niemand sonst macht, was Mark Jenkin macht. Mit drei Spielfilmen hat sich der Regisseur aus Cornwall als einzigartiger Auteur etabliert, und sein neuer Film «Nevada Rose» ist in vielerlei Hinsicht einfach eine Fortsetzung desselben. Sein unverwechselbarer, avantgardistischer und genreübergreifender Stil ist, zumindest von außen betrachtet, für jeden Kultfilm-Fan praktisch unwiderstehlich. Sein neuestes Werk, gedreht auf 16-mm-Film und mit nachträglich aufgenommenem Ton, ist eine monotone, in sich gekehrte Volkserzählung mit einem so lauten Soundmix, dass mir noch vier Stunden später die Ohren klingelten.
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Bei jeder Vorführung seiner Filme, die ich besucht habe, verließen Zuschauer – meist nach genau zehn Minuten – den Saal, weil ihnen klar wurde, dass alles einfach «genau so» sein würde. Es ist kurios, aber verständlich; in einer Zeit, in der der Konsumfetischismus analoges Low-Budget-Kino zu einem erstrebenswerten Ziel erhoben hat, hat Jenkin keine Kompromisse zugunsten der Zugänglichkeit gemacht. Für ihn ist dies keine kommerziell vorteilhafte Ästhetik; sie ist das Wesen seiner Arbeit, wie eine Hornhaut auf dem Filmmaterial. Es ist, als drehe er Filme in Cornwall mit einem festen Künstlerkollektiv nicht, um eine persönliche Marke zu etablieren, sondern weil er nirgendwo sonst besseren Rost, besseres Moos oder einen stärkeren Wind finden könnte. Er nutzt nicht die frenetische Intensität von Jerzy Skolimowski oder Takashi Ito als Grundlage für seine Arbeit; sie sind die fundamentalen Prinzipien seiner Filmsprache.
«Nevada Rose» ist sein verstörendster Film, auch wenn das eine harte Einschätzung ist. Die Geschichte könnte glatt eine klassische Folge der «Twilight Zone» sein. Vor dreißig Jahren verschwand ein gleichnamiges Fischerboot spurlos, nachdem es ohne Besatzung in See gestochen war. Mit ihm brach die Wirtschaft einer ganzen Küstenstadt zusammen, und der einzige überlebende Seemann stürzte sich von einer Klippe. Nun ist das Schiff auf wundersame Weise in einem verfallenen Hafen wieder aufgetaucht. Zwei Männer – ein Trunkenbold namens Liam (gespielt von Callum Turner) und ein Familienvater namens Nick (gespielt von George MacKay) – die nichts von der Vergangenheit des Schiffes wissen, werden von den Familien der verstorbenen Besatzungsmitglieder angeheuert, um es wieder in See zu stechen. Bei ihrer Rückkehr finden sie sich in der Vergangenheit wieder und schlüpfen in die Rollen der beiden Männer, die einst verschwunden waren.
Obwohl die Erzählung kurz und bündig ist, dient sie Jenkin als hervorragende Grundlage. Erstmals hat er einen abendfüllenden Film geschaffen, der weder langatmig noch bemüht wirkt, seine Länge zu rechtfertigen. Die methodische Kakophonie des Raumschiffs und der zeitliche Zusammenbruch der Stadt verdeutlichen die Prämisse. Liam, einst ziellos und obdachlos, findet schnell Sinn in diesem Spiel aus Ehemann und Vater. Nick, der verzweifelt in die Gegenwart zurückkehren will, meidet seine Eltern und seinen Bruder, die ihn um Trost bitten. Inwieweit irgendjemand sonst von der Zeitschleife weiß, bleibt unklar; der Kapitän des Raumschiffs ist ein älterer Mann, der sich nicht an seinen Namen erinnert, und es wird gelegentlich angedeutet, dass die Stadt diese Männer absichtlich eingesperrt hat.
Dieses Gefühl spiritueller Gefangenschaft lässt sich vielleicht noch anders erklären. Als ein Sturm ein Netz zerreißt, eilen etwa ein Dutzend Hafenarbeiter an Land, um es zu flicken. Als Nick, von Entsetzen überwältigt, fragt, warum sie alle so eifrig sind, ruft sein vermeintlicher Bruder: «Weil wir eine Gemeinschaft sind!», als wäre es eine Drohung. Der Kapitän sagt: «Auf jeden Mann zur See kommen fünf zu Hause, die auf euch zählen.» Nicht nur der Geist dieser Männer wird ausgebeutet, sondern auch ihre Arbeit. Nick und Liam verlieren nicht nur ihre Zukunft, sondern auch ihre Identität. Sie ergeben sich einem Leben, in dem sie immer auf die eine oder andere Weise arbeiten.
Zu Beginn des Films ist die Stadt deindustrialisiert und von Geistern heimgesucht. In den 1990er-Jahren dienen Videos über Computerchips und die globale Erwärmung als prophetische Botschaften. «Es ist noch nicht zu spät», verkündet eine solche Werbung. Dies ist nicht nur eine Geschichte von Trauer und Erinnerung; es ist eine Geschichte darüber, wie die Welt unsere Zukunft und uns selbst im Streben nach einem verwerflichen, konservativen Ideal opfert. Die subtile Enthüllung einer Art inzestuöser Beziehung zwischen Liam und dem Mädchen, das er wie seine eigene Tochter aufzieht, ist nur eines von vielen Anzeichen dafür, dass diese Welt zutiefst krank ist.
Hier tritt Jenkins' Obsession mit den Texturen seiner Werke zutage und offenbart deren Zweck. Mehr als in seinen früheren Arbeiten betont er die Dissonanz zwischen Sujet und Form. Dieser Film wurde mit fast hundert Jahre alten Techniken gedreht und mit zeitgenössischen Popsongs und iPhones durchsetzt. Als wir die Stadt zum zweiten Mal sehen, verweilt die Kamera auf veralteter Technik, Jukeboxen, alten Überwachungskameras und Lastwagen mit Schaltgetriebe. Es wäre unfair zu behaupten, dieser Film sei nicht von seinen eigenen Techniken fasziniert, doch er neigt sicherlich am wenigsten zu übertriebener Prätention. Jenkin hinterfragt unser Verhältnis zu Objekten der Nostalgie und wie wir die Texturen der Geschichte im Laufe unseres Lebens in Erinnerung rufen.
Doch all das wäre wirkungslos, wenn der Film nicht fesselnd und mitreißend wäre. Die Atmosphäre von «Nevada Rose» hat etwas Unheilvolles an sich, das den Zuschauer in eine andere Welt entführt und gleichzeitig ein Gefühl von Behaglichkeit erzeugt. Man gewöhnt sich an das ohrenbetäubende Geräusch der Fische, die zu Boden fallen, oder an das Abblättern der Farbe am Eisventil. Bedrohliche Aufnahmen von Fischinnereien verschmelzen mit kunstvoll in die Metallträger des Docks eingewobenen Kompositionslinien. Die vermeintlich kostengünstigen Spezialeffekte erzeugen ein wahres Spektakel; ich habe keine Ahnung, wie sie es geschafft haben, eine so simple Aufnahme von George MacKays Gesicht beim Anblick des herannahenden Sturms so überzeugend darzustellen. Dieser Film legt mehr Wert auf künstliche Materialien als seine früheren Werke, was aber nicht bedeutet, dass es ihm an atemberaubenden Landschaften oder seinen ikonischen Nahaufnahmen von schimmernden Poren auf dem Film mangelt.
Mackay und Turner sind beide hervorragend, zwei Filmstars, die sichtlich unbefangen wirken, wenn sie zu brutalen, schauspielerischen Leistungen aufgefordert werden. Das Auftreten dieser beiden Männer erhält eine fast metatextuelle Qualität, zwei Prominente, die in einer regionalen experimentellen Tradition gefangen sind. Die selbstreflexiven Züge des Werks reichen noch weiter, und der Film kann durchaus als Statement zu den Grenzen und Möglichkeiten einer rein analogen und rückwärtsgewandten Praxis verstanden werden. Doch Nevada Rose ist zu schwer fassbar, um sich eindeutig definieren zu lassen. Ich hätte mir gewünscht, Liams neu gefundenem Lebenssinn ebenso viel Raum zu geben wie Nicks verzweifelten Versuchen, der Stadt zu entkommen – allerdings auf eine Weise, die einen völlig anderen Film bedeutet hätte. Man könnte sich dieselbe Geschichte von einem Dutzend Menschen erzählen lassen, jeder mit anderem Akzent und kleineren Nachbearbeitungen. In diesem Sinne ist Nevada Rose wie ein Volksmärchen. Es ist die Art von Film, bei der ich jedes Mal ein völlig anderes Ende erwarten würde.
«Nevada Rose» verzichtet nicht auf Jenkins' charakteristische Merkmale und wird daher Skeptiker kaum überzeugen. Doch für eingefleischte Fans und Neugierige besticht dieses Werk durch seine hypnotisch perfekte Form und seine authentische Tiefe.
Bewertung: B+
Der Film «Rose of Nevada» feierte seine Premiere beim Toronto International Film Festival 2025.
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