Now Hear This est une série mensuelle destinée aux découvreurs de talents, dans laquelle nous vous présentons de nouvelles tendances musicales passionnantes découvertes grâce à notre plateforme innovante de découverte musicale, Groover.
Chaque mois, vous trouverez une sélection variée de chansons d'artistes du monde entier, sans distinction de genre ou de région.
Plus d'articles de Spin :
-
Weezer a annoncé son 20e album avec un titre en featuring avec Wednesday.
-
Michael Stipe a présenté en avant-première sa chanson thème "Rooster" dans l'émission Kimmel Live.
-
Sara Bareilles est de retour « chez elle » avec un nouvel album.
En juin, SPIN a sélectionné 16 artistes à suivre, parmi lesquels le country gothique et sombre d'Orange Animal, l'indie pop ultra-entraînante de Queen Anne, la musique envoûtante au piano de Sherif Dahroug, le blues acoustique moderne de Paul Louis Villani, la pop psychédélique et lumineuse de South of France, le rock alternatif entraînant de JRNXLST, le new jack swing punk de Gabagool, le hip-hop conscient et inspiré du yoga de Flowanda, le country à la Dylan de Carson Bull, le blues-punk indie vaporeux de The Hedgehogs, le post-punk impertinent de Hauspoints, la pop industrielle gothique de Crucifera, la soul indie cosmopolite de Chavar Dontae, la musique synthétique lo-fi de Moondrive, la pop métallique sombre de Pryti et le country alternatif énergique de Thirsty. Curses.
Qui sait, votre prochaine pièce préférée est peut-être à deux pas.
Photo gracieuseté d'Orange Animal.
animal orange
On dirait : une ballade country sombre et gothique dans le style de Nick Cave and the Bad Seeds L'époque de l'album Boatman's Call .
Entretien:
Décrivez votre approche musicale et comment vous expliqueriez à d'autres à quoi ressemble votre travail.
La musique naît d'un son, d'une sensation, ou simplement d'une phrase qui me trotte dans la tête. Par exemple, notre chanson « Hold On », qui sortira le 26 juin en même temps que l'EP complet, est née du simple son d'une guitare (une Orangewood avec un chevalet en caoutchouc), et la chanson s'est créée d'elle-même.
Globalement, je décrirais notre son comme un mélange de rock et de folk de motel. Il comporte des éléments blues/rock avec une touche brute et nocturne.
Comment vous est venue l'idée du titre de votre spectacle ?
Je voulais un nom qui ne dévoile rien de ce à quoi m'attendre. Je recherchais la liberté musicale et la liberté d'écriture. J'ai donc choisi ma couleur préférée, l'orange, et puis, ajouter le mot « animal » l'a rendu un peu plus vivant.
Quels artistes et albums ont le plus influencé votre direction artistique ?
Leonard Cohen, Miles Davis et Led Zeppelin ont profondément influencé ma façon de percevoir et d'appréhender la musique. Concernant notre prochain EP et son premier single, « Place for Me », je dirais que Bonnie « Prince » Billy et Feist y ont également contribué.
Quel est l'événement le plus intéressant qui se déroule actuellement dans l'industrie musicale ?
La musique live, c'est tout et n'importe quoi. Clubs, bars, groupes en tournée, ensembles locaux… Il y en a pour tous les goûts. Ce sont des lieux où la musique a toute sa place. Où l'on peut la vivre pleinement.
Ne vous méprenez pas, la musique enregistrée et le processus d'enregistrement comportent de nombreux éléments incroyables et d'une puissance infinie.
Mais c'est la musique en direct qui donne vie à cet art humain énergique, débridé.
Comment voyez-vous l'évolution du monde musical au cours des cinq prochaines années ?
Au début, on préférait la musique générée par l'IA. Puis est apparu un rejet total et rebelle de cette dernière.
Comment la musique vous aide-t-elle pendant ces moments difficiles ?
Cela me permet d'être simplement moi-même. Cela m'oblige à être honnête avec moi-même. Et cela me donne le privilège de créer aux côtés de personnes vraiment exceptionnelles.
Mes camarades de groupe, Bill Derivan et Adam Thurman, sont des musiciens incroyablement talentueux. Ils m'accompagnent depuis dix ans. Ils sont comme une famille pour moi.
Et pour notre dernier single, « Place for Me », j'ai eu la chance de collaborer avec la chanteuse incroyablement talentueuse Autumn Traub, qui a donné vie à la chanson. Quant au pianiste Rob Kovacs, il a parfaitement su restituer la profondeur sonore que je recherchais.
La musique est véritablement devenue mon salut.
Photo reproduite avec l'aimable autorisation de l'administration de la reine Anne.
Reine Anne
On dirait : De l'indie-pop incisive et entraînante, qui envoie du lourd comme The Waitresses et scintille comme Olivia Rodrigo.
Interview : (Réponses de Katie et Sandy)
Décrivez votre approche musicale et comment vous expliqueriez à d'autres à quoi ressemble votre travail.
J'ai une approche du genre « cette réunion pourrait être un e-mail » concernant les chansons. Par exemple, si une chanson pourrait être une nouvelle, j'écris une nouvelle. Si elle pourrait être une page de journal intime, j'écris un journal. Mais certaines chansons sont faites pour être des chansons, et j'essaie d'écrire ce genre de chansons. Et j'espère que cela se ressent dans notre son : si vous ne lisez que les paroles ou n'écoutez que l'instrumental, vous risquez d'être induit en erreur sur le sujet de la chanson, car une chanson est avant tout l'interaction entre ces deux éléments. L'une des raisons pour lesquelles une chanson doit être une chanson, c'est qu'elle peut avoir de multiples niveaux de lecture : dans sa composition, dans sa sonorité, dans le sens des paroles. Et contrairement à un poème, où l'on peut s'attarder sur un vers, l'analyser, puis passer au suivant, une chanson vous oblige à choisir un fil conducteur et à le suivre. Il est donc important pour notre son d'avoir plusieurs intrigues – dans les percussions, dans la ligne de basse, dans la ou les guitares, généralement avec l'ajout d'un synthétiseur, et bien sûr, dans la mélodie et les paroles – et chacune d'elles est importante pour le récit à sa manière.
Comment vous est venue l'idée du titre de votre spectacle ?
On a envisagé les noms « Queen Anne's Lacemaker » et « Queen Anne's Revenge ». Donner à son groupe le nom d'une plante est un exercice difficile, et le nommer d'après un bateau l'est encore plus. « Queen Anne's Lacemaker » semblait donc être la combinaison la plus judicieuse.
Quels artistes et albums ont le plus influencé votre direction artistique ?
Sans ordre particulier : Leonard Cohen, Joni Mitchell, Le Velvet Underground et Nico , Bob Dylan, Soit/Soit , Nick Drake, Tom Petty, Joy Division, Depeche Mode.
Quel est l'événement le plus intéressant qui se déroule actuellement dans l'industrie musicale ?
Je suis vraiment enthousiaste face à la démocratisation et à la mondialisation de la musique. Je ne pense pas que la musique doive être une entreprise commerciale ; c'est un moyen pour les gens, réunis autour d'un feu de camp, d'oublier la présence potentielle d'un ours dans les parages. Et je trouve incroyable que nous puissions tous y participer et écouter les créations des autres, et que la diffusion d'une chanson ne nécessite l'autorisation de personne. J'aime aussi le fait que n'importe qui, n'importe où dans le monde, puisse écouter ce qu'il veut. Par exemple, je me suis plongée une fois dans l'univers de la musique alternative malaisienne des années 90 sur TikTok, et c'était génial.
Comment voyez-vous l'évolution du monde musical au cours des cinq prochaines années ?
L'IA suscite beaucoup d'inquiétudes, mais je suis très sceptique quant à sa capacité à remplacer les musiciens. Je ne pense pas que le public souhaite écouter une chanson « moyenne » qui réponde à toutes les attentes ; quel que soit le genre, ce qui fait la grandeur d'une chanson, c'est son authenticité, son inspiration et le sentiment qu'une personne communique réellement de l'autre côté du micro. L'IA en est incapable. J'espère donc que la musique deviendra plus humaine, plus créative et plus expérimentale, car si l'on se contente de se demander : « Comment composer un tube de l'été ? », l'IA peut faire un bien meilleur travail.
Comment la musique vous aide-t-elle pendant ces moments difficiles ?
Parfois, je suis envahi par un sentiment de fatalisme, comme s'il n'y avait qu'une seule voie à suivre et que, malgré les nombreux signaux d'alarme, l'humanité n'avait d'autre choix que de continuer d'avancer. Écouter de la musique, et surtout découvrir de nouvelles œuvres, m'aide à prendre conscience des innombrables possibilités créatives dont l'être humain est capable. Nous sommes des êtres créatifs par nature, et je pense que cette vocation à créer et à apprécier la beauté contribuera à nous motiver à corriger les nombreux maux qui existent actuellement dans le monde.
Photo gracieuseté de Sherif Dahrug.
Shérif Dahrug
On dirait : une musique pour piano expressive inspirée par les fleurs et les parfums, scintillante de polytonalité modale, qui a permis à M. Dahroug de recevoir la médaille de platine de la prestigieuse Société Académique Arts-Sciences-Lettres de Paris.
Entretien:
Décrivez votre approche musicale et comment vous expliqueriez à d'autres à quoi ressemble votre travail.
Les années passées à vivre et étudier à Paris ont profondément marqué mon langage musical. Immergé dans la tradition classique européenne, de la polyphonie de la Renaissance à l'esthétique post-schönbergienne, j'ai peu à peu assimilé ces univers jusqu'à ce qu'ils deviennent indissociables de ma propre perception et de ma composition. Il en a résulté une interaction fluide, une constellation de structures vivantes, s'entremêlant librement.
Avec le temps, j'ai ressenti le besoin d'exprimer tout ce que j'avais assimilé sur les plans artistique et culturel. Mon travail a évolué naturellement à partir de ce cheminement, façonné à la fois par les traditions héritées à Paris et par mes propres origines et mon monde intérieur. Plutôt qu'une fusion, je le perçois comme un enrichissement organique de l'expérience musicale française, à travers le prisme de mes origines et de ma propre contribution en tant que musicienne.
La plupart de mes projets naissent d'une intuition philosophique ou symbolique avant d'aborder la structure musicale. Je m'efforce de laisser ces idées se déployer à travers une poésie sobre, une clarté structurelle logique, une exploration harmonique et la tension entre fragmentation et intensité mélodique. Pour moi, la musique est un dialogue constant entre intuition et rigueur compositionnelle.
Chaque album représente une étape supplémentaire vers la création d'une architecture et d'une syntaxe où ces éléments convergent vers un espace émotionnel unifié. Au cœur de mon travail réside le désir d'offrir une musique lumineuse et mystique, capable de faire passer l'anxiété du calme à la sérénité, tout en préservant un profond sentiment d'humanité, de désir et de présence au plus profond de l'âme de l'auditeur.
Comment vous est venue l'idée de ce projet ?
Ce projet est né d'un profond désir de dédier une œuvre à la condition de l'artiste contemporain. J'ai pensé à celles et ceux qui continuent de créer dans la solitude, à distance, en exil – que ce soit sur terre ou dans leur cœur – et qui restent fidèles à la beauté malgré le tumulte et la frénésie du monde. Il y a dans le dévouement artistique une dignité silencieuse qui me touche profondément, la résilience de la créativité même face à l'incertitude, à la perte ou à l'invisibilité.
De ces réflexions émerge l'image de l'artiste en créateur solitaire, entreprenant un voyage intérieur obscur, tel un être antique errant dans les ténèbres en quête de sens et de connaissance de soi. Dans cet état de confusion et de fragmentation, une présence féminine se manifeste, figure symbolique de beauté, de couleur, de musique et d'éveil, grâce à laquelle la créativité renaît.
Le rêve est peu à peu devenu l'espace central de l'œuvre, un état nocturne lucide où mémoire, sensation, couleur et parfum s'entremêlent. Ainsi est née « Nuit du Songe » « Aux Couleurs et aux Parfums des Fleurs » – neuf compositions instrumentales contemporaines tissées en une seule œuvre labyrinthique explorant la perception, la mémoire et la transformation intérieure à travers le langage du son.
Quels artistes et albums ont le plus influencé votre direction artistique ?
Ma démarche créative a été façonnée par plusieurs traditions musicales et artistiques, qui ont convergé progressivement au fil du temps. La tradition française demeure centrale pour moi : Debussy, Ravel, Messiaen et Dutilleux ont ouvert des perspectives entièrement nouvelles sur la couleur, la résonance, l’espace harmonique et le temps musical.
Je partage également une forte affinité avec la lignée et la pensée phénoménologique de Sergiu Celibidache en musique, selon lesquelles le son est perçu comme une présence vivante dans le temps et la conscience, plutôt que comme une structure purement formelle. Cette approche de l'écoute a profondément influencé ma compréhension de l'espace musical, de l'harmonie et de la perception temporelle.
En tant qu'interprète, j'ai également été profondément impressionné par des artistes comme Ivo Pogorelich, András Schiff et Daniel Barenboim. Leur profondeur intellectuelle, leur liberté de pensée et leur approche profondément humaine de la musique ont façonné ma perception de l'interprétation comme quelque chose d'existentiel.
Outre la musique elle-même, j'ai toujours été attiré par les univers artistiques capables de créer un état intérieur.
La peinture a également influencé ma vision du monde, notamment le surréalisme. En architecture, des figures telles que Le Corbusier, Louis Kahn, Frank Lloyd Wright et le studio japonais SANAA ont influencé ma perception de l'espace, de la lumière, du silence et des proportions.
Parallèlement, mon travail a été influencé par la philosophie, l'architecture sacrée, l'astronomie, le symbolisme et la philosophie égyptienne antique. Je crois avoir été davantage guidé par des univers artistiques et des œuvres capables de transmettre mystère, profondeur, sensualité et un sentiment persistant de présence humaine par le son que par des albums individuels.
Quel est l'événement le plus intéressant qui se déroule actuellement dans l'industrie musicale ?
Aujourd'hui, ce qui m'inspire le plus, c'est la possibilité croissante offerte aux artistes de créer des univers profondément personnels qui transcendent les catégories stylistiques rigides et les attentes industrielles. J'ai le sentiment que de nombreux musiciens recherchent à nouveau la sincérité, la profondeur, l'atmosphère et une identité artistique significative, plutôt que la consommation immédiate.
Je suis également fasciné par la manière dont la musique s'ouvre de plus en plus à d'autres formes de pensée et de perception : l'architecture, la philosophie, les arts visuels, le symbolisme et l'expérience spatiale. Certaines des œuvres les plus intéressantes d'aujourd'hui représentent des univers intérieurs complets, dotés d'une intégrité émotionnelle et symbolique propre.
Dans le même temps, je pense que les auditeurs sont de plus en plus sensibles à l'intimité et à l'authenticité. À une époque saturée de bruit et d'accélération, on observe un besoin renouvelé de musique capable de créer un sentiment de présence humaine.
Comment voyez-vous l'évolution du monde musical au cours des cinq prochaines années ?
Je pense que la musique continuera d'évoluer vers des formes toujours plus immersives et interdisciplinaires, ainsi que vers de nouveaux modes de perception. L'idée de l'album comme univers artistique autonome prendra probablement encore plus d'importance, notamment pour les artistes en quête d'une plus grande intégrité et d'une originalité plus affirmée.
Dans le même temps, je crois que nous entrons dans une période de saturation, un contexte de production constante, d'accélération et de fragmentation. Par conséquent, je pense qu'il y aura une demande croissante pour des œuvres qui restituent un sentiment de présence et de profondeur humaine. Les auditeurs sont de plus en plus attentifs à la sincérité et à la vérité émotionnelle, même au sein de formes expérimentales ou contemporaines.
Je pense également que les artistes indépendants bénéficieront d'une liberté croissante pour développer des langages artistiques uniques, en dehors des structures traditionnelles. Cela pourrait mener à l'émergence de formes de créativité plus hybrides et imprévisibles, mais aussi, espérons-le, à un regain d'intérêt pour le savoir-faire, l'écoute et l'appréciation de la musique comme une entité vivante.
Comment la musique vous aide-t-elle pendant ces moments difficiles ?
Pour moi, la musique demeure un moyen de préserver mon intégrité intérieure, ma dignité et ma profondeur dans un monde qui paraît souvent fragmenté et instable. En ces temps troublés, j'ai le sentiment que la musique contribue à restaurer un sentiment de présence et de continuité humaines.
Je puise également ma force dans la nécessité de protéger l'art lui-même. Sans ce besoin, je ne pourrais pleinement partager mon amour des rêves ni inviter autrui dans des espaces où l'esthétique suscite la réflexion et la transformation intérieure. Par la créativité, j'espère éveiller la sensibilité et la soif de connaissance, car je crois que les expériences artistiques peuvent inspirer chacun à renouer avec son être profond.
Au fil de mon propre parcours, je perçois de plus en plus l'art comme une force capable de créer une atmosphère d'inspiration et de résilience, à l'image des arbres dont les racines contribuent à prévenir l'effondrement spirituel et social. L'acte de création devient un moyen de résister à l'engourdissement, de préserver notre sensibilité et de nous rappeler que la quête de la beauté, l'expression de soi et l'art demeurent essentiels et nécessaires aujourd'hui.
Photo gracieuseté de Paul Louis Villani.
Paul Louis Villani
Cela ressemble à ceci : Une interprétation pleine d'âme du blues acoustique moderne, portée par un jeu de guitare virtuose.
Entretien:
Décrivez votre approche musicale et comment vous expliqueriez à d'autres à quoi ressemble votre travail.
Mon approche musicale se définit avant tout par une sincérité émotionnelle, loin des frontières des genres. Je n'ai jamais souhaité me cantonner à un seul style, car l'être humain ne perçoit pas la vie de manière uniforme. Certains jours sont empreints de beauté et de contemplation, tandis que d'autres sont agressifs, angoissants, solitaires, emplis d'espoir, d'amertume et d'absurdité. Il m'est plus naturel d'écrire des morceaux et des textes fidèles à cette sincérité que de me conformer à des règles invisibles dictant mon apparence ou ma musique. Mon répertoire englobe ainsi des sonorités industrielles, du blues, des morceaux acoustiques, du rock, une variété de textures vocales, des ambiances denses, et même des passages qui, pour certains, évoquent une bande originale de film. En résumé, ma musique est une alternative profondément émotionnelle, axée sur la tension, l'atmosphère et la confrontation par l'introspection.
Comment vous est venue l'idée du titre de votre spectacle ?
Je n'ai jamais envisagé la création d'un « nom de groupe » car tous mes projets récents (après 2020) sont devenus de plus en plus personnels. Utiliser mon propre nom me semble plus honnête. Si je sors quelque chose (et je suis sûre de l'avoir fait) de dur, vulnérable, agressif, déroutant, introspectif ou désagréable, je ne peux pas le cacher. C'est directement lié à moi. J'apprécie cette responsabilité. J'assume pleinement mes responsabilités. Je crée, tout simplement, et j'en subis les conséquences.
Quels artistes et albums ont le plus influencé votre direction artistique ?
Mes sources d'inspiration sont vraiment très variées, et je vais me faire un petit plaisir ici ! Andrés Segovia, Guns N' Roses ( Appétit pour la destruction ), Mr. Bungle (Mr. Bungle 1991), Placebo, Mauro Giuliani, Slayer ( Règne dans le sang ), KISS et Ace Frehley (Destroyer et l'album solo d'Ace Frehley de 1978), Yngwie Malmsteen ( Force montante ), David Bowie, Led Zeppelin, The Beatles, Jeff Buckley, The Cult, Pearl Jam ( Rendement ), Metallica ( Justice pour tous ), Prince, Steve Vai, The Smashing Pumpkins ( Machina / Les Machines de Dieu ), Living Color, Adam and The Ants, Rage Against The Machine, Russell Morris, Tim Buckley, Sepultura ( Chaos AD ), Faith No More, Powderfinger ( Internationaliste ), Ren, Jimi Hendrix et Angie de Poitrine.
Quel est l'événement le plus intéressant qui se déroule actuellement dans l'industrie musicale ?
Nous vivons à une époque où une personne, seule dans sa chambre, peut créer une œuvre puissante et la présenter au monde entier sans avoir besoin de l'autorisation d'une machine industrielle. C'est incroyable. La technologie (y compris l'IA) effraie certains, mais je la vois plutôt comme un instrument de plus, une pédale d'effet, une boîte à outils. Comme pour toute révolution technologique dans l'histoire de la musique, il y aura des résistances jusqu'à ce que l'on finisse par l'intégrer à la culture.
Comment voyez-vous l'évolution du monde musical au cours des cinq prochaines années ?
Voilà une question difficile ! Je pense que dans les cinq prochaines années, on observera un fossé grandissant entre les contenus hyperproduits et l'expression artistique profondément humaine. L'intelligence artificielle transformera sans aucun doute la production, l'instrumentation, le chant, les visuels et l'accessibilité, mais, paradoxalement, je crois qu'elle rendra une perspective humaine authentique encore plus précieuse. Le public est déjà submergé de contenus. Il ne recherche peut-être plus la perfection ni les enregistrements studio coûteux. Il recherche peut-être l'authenticité, la vérité émotionnelle, les imperfections, l'individualité et une perspective unique. Il est possible que les artistes qui connaîtront une longue carrière ne soient pas forcément les plus techniques ou les plus virtuoses. Ce seront ceux qui sauront susciter de véritables émotions.
Comment la musique vous aide-t-elle pendant ces moments difficiles ?
La musique est vraiment un moyen pour moi de faire face aux difficultés. Ma dose de dopamine, mon Valium. Je pense que beaucoup de gens (moi y compris) ressentent en ce moment, en silence, du stress, de l'incertitude, de l'isolement, des difficultés financières, une crise d'identité et une fatigue émotionnelle.
Composer de la musique me permet d'assimiler ces choses, plutôt que de les laisser ruminer sans cesse dans ma tête. Composer de la musique m'aide à rester connecté à quelque chose de tangible, d'unique, qui m'appartient en propre.
Photo reproduite avec l'aimable autorisation du Sud de la France.
Sud de la France
On dirait : De l'indie-pop psychédélique qui pulse comme une virée nocturne sur une autoroute illuminée au néon.
Entretien:
Décrivez votre approche musicale et comment vous expliqueriez à d'autres à quoi ressemble votre travail.
Un chaos sonore. Ha ! Ce que j'essaie surtout de créer, c'est quelque part entre le psychédélique, l'indie-pop et le R&B. Je compose et produis aussi beaucoup pour le cinéma et la télévision, alors j'essaie toujours d'intégrer des éléments et des textures cinématographiques inhabituels à ma musique. J'aime ajouter des instruments complètement incongrus. Une musique onirique avec une touche audacieuse, du calme avec un sample très chaotique, ou juste deux accords autour desquels se déploie un véritable chaos.
Comment vous est venue l'idée du titre de votre spectacle ?
Malgré sa situation géographique, j'ai l'impression que le Sud de la France incarne un art de vivre, un état d'esprit. Si ce lieu et l'atmosphère authentique du Sud de la France pouvaient se traduire par une musique, ce serait celle-ci que je souhaiterais créer.
Quels artistes et albums ont le plus influencé votre direction artistique ?
Les gourous Jazzmatazz , BadBadNotGood, Kenny Beats, Danger Mouse, Handsome Boy Modeling School, Gorillaz, Damon Albarn, Kevin Parker, Digable Planets, Jungle, Miike Snow, 1999 Write The Future, Mike Dean, Ennio Morricone… La liste est trop longue. Heureusement, j'apprécie beaucoup de genres musicaux différents.
Quel est l'événement le plus intéressant qui se déroule actuellement dans l'industrie musicale ?
La nouvelle musique est tellement bonne qu'elle m'émerveille presque tous les jours.
Comment voyez-vous l'évolution du monde musical au cours des cinq prochaines années ?
J'espère que la situation s'améliorera sensiblement par rapport à l'IA. Les artistes indépendants deviennent des acteurs importants du marché, et leur situation semble globalement s'améliorer, même s'il reste très difficile de percer et d'attirer l'attention. J'espère que nous verrons davantage d'artistes indépendants partir en tournée à plus grande échelle et se produire dans les grands festivals.
Comment la musique vous aide-t-elle pendant ces moments difficiles ?
Je ne peux qu'espérer que la musique continuera toujours de rassembler les gens, d'offrir des opportunités à ceux qui en ont besoin et aux personnes talentueuses qui les méritent vraiment, et de toujours s'opposer au système :)
Photo courtoisie de JRNXLST
JRNXLST
On dirait : Du rock alternatif de haut vol dans la veine de U2 et My Chemical Romance, interprété en anglais et en espagnol – parfois même dans la même chanson !
Entretien:
Décrivez votre approche de la musique et comment vous décririez votre son aux autres.
Ma mission dans ce projet est d'être brutalement honnête sur mon monde, tant intérieur qu'extérieur. De briser le voile des années passées à faire semblant que tout allait bien, à dissimuler des blessures trop profondes et terribles pour être affrontées, et de tout libérer dans l'univers. Mon combat contre la maladie mentale s'est manifesté de multiples façons : éloignement familial, relations brisées, tentatives de suicide, expulsions, enchaînement d'emplois. Toute ma vie, j'ai lutté en vain contre la maladie mentale, faisant face au néant avec pour seul espoir un espoir déclinant et une incapacité à mourir. Elle m'a tout pris. Presque tout. Même après des décennies d'épreuves, je me sentais toujours aussi perdu et seul que l'enfant de cinq ans que j'étais : un petit immigré équatorien étrange, cherchant simplement un endroit où il pourrait enfin se sentir chez lui. J'ai ramassé les morceaux de ma vie d'innombrables fois, depuis des sommets dont la plupart des gens ne font que rêver, mais ceci n'est pas une histoire glorieuse. C'est l'histoire de mon enfer et de ma libération. C'est étrange de réaliser que la seule vraie solution est d'affronter mes démons et d'accepter tous mes cauchemars et mes cicatrices, jusqu'à ce que je parvienne peu à peu à les accueillir avec la même tendresse et la même chaleur que j'offre à mes amis. Après mûre réflexion, j'ai finalement décidé de chercher une véritable aide après une vie de souffrance en silence. Thérapie individuelle, thérapie de groupe, psychiatre. J'ai toute une équipe. Un élément crucial de ce que j'appellerai mon processus de guérison a été de me poser les questions difficiles et de trouver le courage d'accepter la réalité de ma situation. Reconnaître ma part de responsabilité dans l'apocalypse. Je les appelais mes confessions. Oh, et les médicaments. Beaucoup de médicaments. J'ai commencé à exprimer ces confessions à travers la musique. Me plonger dans la musique est devenu une bouée de sauvetage, me ramenant à un monde où je croyais pouvoir survivre. J'ai tout absorbé : la douleur, la confusion, les horreurs du génocide à Gaza, et j'ai laissé la musique purifier mon âme. Non pas nécessairement pour absoudre mes péchés, mais pour les nommer afin de pouvoir enfin grandir. Et c'est ainsi que JRNXLST est né.
Comment vous est venue l'idée du titre de votre spectacle ?
Comme le titre l'indique, je voulais être d'une honnêteté brutale concernant ces schémas récurrents dans ma vie, dans l'espoir de pouvoir un jour les surmonter, ou du moins de trouver du réconfort auprès de ceux qui comprennent cette souffrance. Le pire, pour moi, c'était de souffrir seule, de me retrouver seule face à ces ténèbres. C'est paralysant. Je ne le souhaiterais même pas à mon pire ennemi, mais j'ai laissé tomber les faux-semblants et j'ai décidé de tout mettre à plat. C'était difficile, mais d'une certaine manière, nécessaire, comme remettre un os cassé en place. À la fin de l'enregistrement, je me sentais beaucoup plus légère, mais aussi vulnérable. Vivre avec ce malaise est infiniment préférable à vivre avec toute cette douleur, alors je suis reconnaissante d'avoir enfin pu m'en libérer. C'est ma première sortie officielle depuis « The Dawn » de Bedlight for Blue Eyes.
Quels artistes et albums ont le plus influencé votre direction artistique ?
Les groupes qui ont eu une influence énorme sur ma vie, tant sur le plan créatif que spirituel, sont U2, Glassjaw, Ozzy Osbourne, The Killers, Radiohead, The Clash, The Cure, The Strokes, Wilson Pickett, Otis Redding, et plus récemment, pas mal de metalcore, comme BMTH. Évidemment, je suis un ado emo. Je suis obsédé par President en ce moment, et « Are You Really Ok » de Sleep Token tourne en boucle. Je veux redonner aux concerts leur dimension théâtrale, comme l'ont fait les grands groupes du passé pour atteindre une dimension véritablement épique. Gwar, Ghost, My Chem, Sleep Token. Ces groupes ont créé leurs propres univers riches et détaillés, foisonnant d'histoires complexes. J'adore ça. JRNXLST se donnera à fond sur scène pour créer une expérience unique et cinématographique, suffisamment féroce pour vous époustoufler. J'ai expérimenté avec beaucoup de sons de synthétiseur, de tonalités de guitare, de rythmes techno, d'influences espagnoles, j'ai acheté une guitare à sept cordes pour obtenir un son plus lourd que jamais - tout ce qui pourrait m'aider à faire partager mon univers aux gens, et j'espère que ces mélodies parviendront vraiment à percer leurs défenses et à toucher leurs cœurs.
Quel est l'événement le plus intéressant qui se déroule actuellement dans l'industrie musicale ?
Ce qui est le plus passionnant dans la musique en ce moment, c'est l'évolution de la relation entre les musiciens et leurs fans. Les concerts et les « tiers-lieux » redeviennent essentiels, surtout depuis que les réseaux sociaux ont sapé toute authenticité. Ces événements ne se limitent plus aux salles de concert : ils fleurissent dans les laveries automatiques, sur les rings de boxe, dans les restaurants chinois, sur les parkings, sous les ponts – bref, partout où l'on peut installer un système son et réunir des amis pour danser. Dans l'univers numérique, le concept le plus enthousiasmant s'ouvre aux groupes (et aux marques) : les micro-dramas, ou séries verticales. Chaque épisode dure entre 60 et 90 secondes, et une saison compte une quarantaine d'épisodes. Dynamiques et captivants, ils coûtent bien moins cher qu'un concert ou un clip traditionnel. The All American Rejects ont récemment sorti un micro-drame sur Candyjar. Les micro-dramas offrent aux groupes comme le mien une formidable opportunité de faire découvrir à leurs fans nos univers créatifs plus en profondeur, tout en les tenant en haleine jusqu'au bout.
Par exemple, notre prochain morceau, « KNGDM », sortira en même temps qu'une micro-fiction que j'ai écrite : un scénario de 70 pages réparti sur 40 épisodes. C'est l'un des projets les plus ambitieux que j'aie jamais créés et, comme la musique, il est inspiré d'expériences très personnelles. J'y jouerai le rôle principal et je le réaliserai aux côtés des autres membres du groupe et d'une incroyable distribution internationale. Notre directeur de la photographie, Matthew Canada, est une véritable légende.
«L'histoire suit Liam Kincaid, une ancienne star du rock désabusée, qui reçoit un mystérieux coffret lié à son ex-petite amie disparue, Lily. Ce qui commence par le chagrin, la dépression et la paranoïa se transforme en un cauchemar surnaturel, mêlant messages cryptiques, visions sanglantes et une secte clandestine de vampires modernes se nourrissant de célébrité, d'addiction et de désespoir. Finalement, Liam découvre que Lily elle-même s'est métamorphosée en une créature monstrueuse, forçant les deux amants maudits à commettre un ultime acte de rébellion brutal.
Sur le plan de l'ambiance, c'est une musique résolument sombre et âpre, mêlant horreur et esthétique cinématographique, avec une volonté de créer des personnages complexes et nuancés. Je souhaitais composer une œuvre plus intense et captivante qu'un album classique, quelque chose de vivant.
Comment voyez-vous l'évolution du monde musical au cours des cinq prochaines années ?
Dans les cinq prochaines années ? Oui, on dirait que tout le paysage d'Internet change chaque jour, et beaucoup d'entre nous réclament une réglementation et une réforme. Mais malgré toutes ces absurdités, aussi grave que soit la situation, il y a toujours cet enfant enfermé dans sa chambre, une chanson au cœur, un rêve plein la tête et un instrument de fortune pour le réaliser. C'est peut-être romantique, mais parfois, l'espoir est tout ce qui nous reste.
Comment la musique vous aide-t-elle pendant ces moments difficiles ?
Ça peut paraître ridicule, mais je m'en fiche. La musique m'a sauvé la vie. Elle m'a permis de vivre tous les moments les plus marquants de mon existence et, plus important encore, de rencontrer des personnes parmi les plus importantes et les plus significatives que j'aie jamais connues. Elle est devenue mon vecteur de guérison et mon arme contre le chaos incessant qui règne partout dans le monde. Par exemple, un soir, je faisais défiler mon fil d'actualité et je suis tombé sur une publication d'Al Jazeera montrant une infirmière tenant un petit enfant palestinien. Ce bébé n'était plus que chair et os, et cette image m'a bouleversé. Les conséquences horribles de ce génocide à Gaza se sont offertes à moi dans toute leur horreur et m'ont frappé comme jamais auparavant. Je n'ai pas dormi pendant trois jours. J'avais des ébauches de ma chanson « Halo », où je parle de mes luttes intérieures contre la codépendance et le trouble de la personnalité limite, mais le refrain résonnait sans cesse dans ma tête et j'ai commencé à l'appliquer à la situation en Palestine. Tu te crois auréolé, mais tu ignores qui tu es… Cela m’a fait penser à Netanyahou et aux sionistes qui justifient le génocide et tolèrent le meurtre de civils innocents, notamment d’enfants, victimes de guerre. Cela m’a fait penser à notre président et aux nombreux crimes qu’il a commis, et pourtant, il reste imperturbable, incarnant à la perfection son surnom, « le Don de Teflon ». L’hypocrisie est partout, l’injustice est partout. La musique a toujours été une arme du peuple, un outil pour éveiller les consciences et notre sens moral. J’ai décidé que je ne pouvais pas vivre dans un monde sans m’engager activement à l’améliorer, et j’ai donc modifié les paroles de la chanson pour la dédier spécifiquement aux enfants affamés de Gaza. Sur le plan politique, je ne pense pas qu’il soit si controversé de ne pas vouloir que des enfants innocents meurent de faim inutilement. Mais en réalité, je posais simplement la question : « Que pouvons-nous faire ? »
À la fin de chaque message, je vois : « On n'a pas besoin d'être liés par le sang pour être une famille. » Je veux croire qu'un jour nous pourrons vivre dans un monde où cet idéal deviendra une vérité universelle pour tous les habitants de cette planète. Je ne sais pas, tant qu'un ennemi commun ne descendra pas de l'espace, cette guerre ne prendra jamais fin. Mais il faut continuer à se battre. Alors oui, la musique a été mon épée et mon bouclier. Je suis reconnaissant chaque jour d'avoir le souffle pour crier, pour libérer toute mon énergie intérieure. Au final, c'est tout ce que nous pouvons faire. Crier ensemble dans les ténèbres.
Photo gracieuseté de Gabagool.
Gabagul
On dirait : The Rapture, s'ils avaient été plus branchés new jack swing. Un excellent retour aux sources, à l'époque du label DFA Records à Brooklyn au début des années 2000.
Entretien:
Décrivez votre approche de la musique et comment vous décririez votre son aux autres.
Mon approche musicale est rebelle, mais elle démontre aussi comment différents genres peuvent s'influencer et s'enrichir mutuellement. J'aime emmener l'auditeur vers des horizons inattendus, tout en créant des intersections entre des éléments et des styles à la fois familiers et inévitables. Je n'hésite jamais à afficher mes influences musicales dans mon travail, au risque d'être qualifié de plagiaire, mais cela ne m'a jamais dérangé. Il m'est difficile de définir précisément le son de Gabagool, mais je dis souvent que c'est du rock alternatif puissant avec des influences funk, jazz, soul et bien d'autres genres.
Comment vous est venue l'idée du titre de votre spectacle ?
« Gabagul », bien qu'il s'agisse en réalité d'un surnom pour une saucisse italienne, m'a toujours paru étrange et merveilleux. Des images de fantômes et de lutins me viennent à l'esprit. Je souhaitais que ma musique incarne des vibrations étranges et puissantes, et « Gabagul » correspondait parfaitement à ce que je recherchais.
Quels artistes et albums ont le plus influencé votre direction artistique ?
Comme vous l'aurez sans doute compris si vous avez écouté ma musique, mes influences musicales sont très diverses. On m'a comparé à des groupes comme Modest Mouse et Mr. Bungle, mais je puise mon inspiration dans des genres aussi variés que The Gap Band, Steely Dan et des groupes indie plus modernes comme Givers et IDLES. Voici quelques albums qui m'ont particulièrement influencé :
-
L'homme - La vie est fantastique
-
Les donateurs sont dans la lumière
-
Incubus – SCIENCE
-
Marvin Gaye - Que se passe-t-il ?
-
Modest Mouse – Nous étions déjà morts avant que le navire ne coule
-
M. Bungle - Californie
Quel est l'événement le plus intéressant qui se déroule actuellement dans l'industrie musicale ?
Je vieillis (j'ai eu 45 ans cette année), et j'ai l'impression d'être un peu déconnecté de ce qui se passe autour de moi. Dernièrement, j'ai vraiment accroché à la vague néo-soul comme Anderson .Paak, Steve Lacy et Ari Lennox (pour n'en citer que quelques-uns), ainsi qu'aux nouveaux groupes de rock 'n' roll/post-punk comme IDLES et Viagra Boys qui gagnent en popularité. Je suis sûr qu'il y a plein d'artistes à admirer sur la scène underground du monde entier, mais je ne suis plus aussi au courant.
Comment voyez-vous l'évolution du monde musical au cours des cinq prochaines années ?
Honnêtement, je ne peux pas l'affirmer avec certitude. Je sais que, pour le meilleur ou pour le pire (narrateur : pour le pire), la musique générée par l'IA gagne en popularité sur les plateformes de streaming, mais je ne pense pas que cela empêchera les artistes talentueux de créer une musique unique qui séduira différents publics. Je pense que les producteurs et les artistes finiront par trouver une approche authentique de l'IA, comme un outil parmi d'autres, et la musique créée uniquement avec l'IA deviendra un genre comme un autre. Les artistes qui n'utilisent pas l'IA auront plus de mal à percer, mais après tout, quoi de neuf ? J'adorerais voir le rock à guitares revenir sur le devant de la scène. Une chose est sûre : les cinq prochaines années seront totalement imprévisibles, que ce soit dans le monde de la musique ou dans n'importe quel autre secteur.
Comment la musique vous aide-t-elle pendant ces moments difficiles ?
La musique a toujours été pour moi un exutoire, une façon d'appréhender le monde. Mon moment idéal ? Boire un verre, fumer un joint et composer sérieusement des morceaux un peu bizarres dans mon studio au sous-sol. Mais si je peux utiliser ma musique pour exprimer et partager ma vision du monde, c'est toujours un plus. J'espère aussi qu'elle pourra inspirer d'autres personnes à danser, même si le monde actuel ne s'y prête pas vraiment.
Photo gracieuseté de Flowanda.
Flowanda
On dirait : Du hip-hop conscient d'une yogini du Bronx dont le son rappelle une collaboration ratée entre Kid Cudi et les Beastie Boys.
Entretien:
Décrivez votre approche musicale et comment vous expliqueriez à d'autres à quoi ressemble votre travail.
C’est peut-être la réponse la plus étrange que vous obtiendrez jamais à cette question, mais bon :
Je n'avais jamais envisagé de devenir musicienne. Ancienne scénariste devenue psychothérapeute, originaire du Bronx, après des années de travail auprès de personnes souffrant de deuil et de traumatismes – et après une exploration approfondie du yoga, de la méditation et de ma propre thérapie – j'ai vécu une expérience mystique profonde et déstabilisante qui a complètement transformé mon rapport à la créativité.
Du jour au lendemain, des mélodies, des paroles et des chansons complètes ont commencé à me venir à l'esprit, de façon totalement inattendue. N'ayant aucune formation musicale, j'ai paniqué et j'ai appris à utiliser Logic Pro par moi-même, et j'ai acheté un clavier MIDI car l'expérience était si étrange et bouleversante que je ressentais le besoin de la consigner.
Cela remonte à environ 18 mois, et cela continue. En tant que professionnelle de la santé mentale agréée, je comprends à quel point cette histoire peut paraître étrange. Mais ce que j'ai vécu ne m'a pas semblé pathologique ; c'était significatif, transformateur et étonnamment logique. J'étudie l'aspect ésotérique du Kundalini yoga et du tantra depuis une quinzaine d'années, et une partie de moi se demande sincèrement si je n'ai pas découvert quelque chose qui dépasse de loin ma compréhension.
Mon rapport à la musique est donc perçu moins comme une « ambition professionnelle » que comme une observation et une interprétation d'une expérience qui se déroule encore en temps réel.
Quant au son lui-même, franchement, j'ai du mal à le comparer à quoi que ce soit de pur. C'est du hip-hop alternatif psychédélique, mais aussi cinématographique, onirique, émouvant, spirituel, drôle, vulnérable et parfois un peu fou. Imaginez un festival de musique transformateur se déroulant dans un tunnel de métro du Bronx à 2 heures du matin.
Comment vous est venue l'idée du titre de votre spectacle ?
« Ananda » est un mot sanskrit souvent traduit par béatitude spirituelle. À l'époque où cette musique a commencé à émerger, j'avais moins l'impression de « composer des chansons » que d'être traversée par un flux continu. Au lieu de me focaliser sur le résultat, je me suis simplement abandonnée au processus et j'ai continué à suivre la musique où qu'elle me mène. Cette pratique, c'est le FLOWANANDA.
Quels artistes et albums ont le plus influencé votre direction artistique ?
Mes goûts musicaux sont vraiment très variés, il est donc sans doute difficile de classer ce projet dans un genre précis. Je suis clairement influencé par Coheed & Cambria, Kid Cudi, Leonard Cohen, DMX, The LOX, Alt-J, Loreena McKennitt et bien d'autres. Mais ils ont tous un point commun : leur musique est immédiatement reconnaissable. Aucun d'eux n'a suivi les tendances. Ils ont créé des univers émotionnels complets et ont eu confiance que le public finirait par les découvrir. C'est probablement la leçon la plus importante que j'ai apprise sur le plan créatif.
Le premier CD que ma mère m'a acheté était "» Il fait sombre et l'enfer est brûlant.» J'écoutais DMX en boucle, et je n'ai pas pu me séparer de mon casque pendant des mois. Ça peut paraître bizarre, vu la musique que je fais maintenant, mais si vous écoutez DMX, vous comprendrez à quel point il était spirituel.
Quel est l'événement le plus intéressant qui se déroule actuellement dans l'industrie musicale ?
Honnêtement, je pense que Coheed & Cambria est l'un des groupes les plus créatifs et inspirés de la scène musicale actuelle. Ils font ça depuis des années, en développant une narration complexe, et leur musique est en constante évolution. Et cette histoire épique qu'ils racontent touche à sa fin !
Je risque de me faire critiquer, mais dans ma trentaine, je me suis largement éloigné du hip-hop car les textes n'évoluaient pas avec moi. Bien sûr, le rap conscient existe depuis toujours, mais il sacrifie souvent le groove. J'avais l'impression que personne ne créait le hip-hop que je voulais écouter : un développement spirituel et émotionnel porté par des beats et des mélodies entraînantes.
Il y avait quelque chose d'étrange à être un hippie de 40 ans en baskets Saucony écoutant « Oochie Wally ». Et je ne veux pas être méchant. The LOX et DMX m'ont protégé émotionnellement et m'ont aidé à survivre à New York quand j'en avais besoin, mais maintenant, je dois arroser mes plantes d'intérieur.
Je crois aussi qu'il y a un besoin croissant de musique qui touche à la spiritualité de manière plus profonde et plus vivante. Non pas cette « spiritualité esthétique » ostentatoire qu'on voit chez tous ces gens en grands chapeaux, mais une sagesse authentique transmise par l'art. Quelqu'un comme Leonard Cohen pouvait transmettre de profondes vérités spirituelles à travers ses chansons parce qu'il les vivait. Je l'ai vu jouer au Madison Square Garden avant sa mort, et c'était vraiment comme être en présence de quelqu'un qui avait touché à quelque chose de transcendant. Je ne retrouve plus cela dans la musique populaire, surtout dans le hip-hop, et FLOWANANDA est en partie ma tentative de redonner cette profondeur à une musique qui reste émotionnellement vivante et musicalement captivante.
Comment voyez-vous l'évolution du monde musical au cours des cinq prochaines années ?
Je crois que la musique créée par l'intelligence artificielle poussera les artistes humains à explorer des nuances émotionnelles encore plus profondes, une étrangeté plus grande, une imperfection plus marquée et une originalité plus affirmée. Si les algorithmes apprennent à partir de combinaisons d'éléments existants, la plus grande richesse qu'un artiste humain puisse offrir réside peut-être dans son expérience de vie authentique et une vérité émotionnelle inattendue. L'avenir de la musique est peut-être celui où l'humain retrouve sa part d'étrangeté.
Comment la musique vous aide-t-elle pendant ces moments difficiles ?
La musique m'a véritablement sauvé la vie. Elle m'a permis d'exprimer des expériences et des émotions qui semblaient plus profondes que les mots. Pour moi, qui souffre de TDAH, la musique est aussi beaucoup plus immédiate et concrète que, par exemple, l'écriture de scénarios, où les projets peuvent s'étaler sur des années. Une chanson peut transmettre une émotion en un instant.
Mais surtout, la musique me donne de l'espoir. Nous vivons à une époque où presque tout semble polarisé et hostile, mais la musique en direct crée encore des moments où des inconnus fusionnent dans une expérience émotionnelle partagée. Elle permet aux gens de cesser de rivaliser, ne serait-ce qu'un instant, et d'être simplement humains ensemble.
Et je jure que je ne travaille pas chez Coheed & Cambria, mais écoutez « Tethered Together » et dites-moi si cette chanson ne vous donne pas un peu d'espoir que les gens puissent se retrouver !
Photo gracieuseté de Carson Bull.
Carson Bull
On dirait : un mélange funky country-rebelle dans le style de « Thin Wild Mercury » de Bob Dylan, imprégné d'atmosphère gratte-ciel de Nashville .
Entretien:
Décrivez votre approche musicale et comment vous expliqueriez à d'autres à quoi ressemble votre travail.
Vous pourriez danser, et vous pourriez pleurer.
La vie est une lutte constante pour accepter ce que l'on ne peut contrôler et se concentrer sur ce que l'on peut. J'ai toujours pensé que la catharsis que procurent la composition et l'écoute musicales se situe quelque part entre les deux.
Ma façon d'écrire de la musique a toujours été différente. Je pense que si je n'étais pas musicien, je serais écrivain. J'ai toujours aimé la poésie à l'école, et j'ai beaucoup apprécié Shakespeare. Je sais que cela peut paraître étrange. Je n'ai pas su comment allier poésie, narration et expression personnelle à la musique avant l'âge de 15 ans, lorsque j'ai découvert Bob Dylan. Pour moi, écrire de la musique a toujours été comme une thérapie, une façon de comprendre mes sentiments quand je suis perdu dans mes pensées.
Comment vous est venue l'idée du titre de votre spectacle ?
Carson Bull est mon vrai nom. Je n'ai jamais été intéressé par un nom de scène. Du moins, pas encore… Cependant, même si toute ma musique sort sous mon nom, Carson Bull, je voulais que mon groupe, avec lequel je joue, ait aussi un nom. Je les trouve tout simplement parmi les meilleurs musiciens au monde, et ils le méritent. Je suis un grand fan de Tom Petty and the Heartbreakers, de Jason Isbell and the 400 Unit et des Allman Brothers ; alors pendant un temps, j'ai pensé que ce serait sympa de jouer sous le nom de « Carson Bull et (nom manquant) » en concert. James Haynes (claviers) et Josh Norfleet (guitare solo) entendaient constamment des remarques sur leur ressemblance avec des frères ou des cousins lors des concerts. Je trouvais ça drôle, alors Jim a suggéré qu'on joue sous le nom de « Carson Bull et les Cousins ». J'ai trouvé l'idée géniale, et on a gardé le nom. Nous nous connaissons tous depuis si longtemps, un peu plus que des amis, mais un peu moins que des frères de sang, que le terme « cousins » semblait approprié. J'éprouvais aussi un sentiment de culpabilité et de gêne à la fin des concerts lorsque les gens venaient me voir ou demandaient aux autres : « Comment s'appelle le groupe ? » Ce à quoi je répondais maladroitement : « Carson Bull… » Après quelques expériences de ce genre, j'étais convaincu que mon groupe avait besoin d'un nom.
Quels artistes et albums ont le plus influencé votre direction artistique ?
Les Eagles, Creedence Clearwater Revival, les Beatles, Waylon Jennings, Bob Dylan, Tom Petty, Chris Stapleton, Bon Iver et Tyler Childers ne sont que quelques exemples. Je ne peux toujours pas m'en passer. Chasseur de déniches J'écoute Tyler Childers depuis sa sortie, et j'écoute probablement au moins un album des Eagles par jour. Desperado и Une de ces nuits — deux de mes albums préférés de tous les temps. Les nouveaux enregistrements live qu'ils ont sortis à Anaheim en 1975 tournent en boucle sur mon lecteur ces derniers temps.
Quel est l'événement le plus intéressant qui se déroule actuellement dans l'industrie musicale ?
La demande et le regain d'intérêt pour les supports physiques. Un grand merci à Sturgill Simpson pour le nouvel album de Johnny Blue Skies, qu'il a mis en ligne gratuitement sur YouTube sans publicité, avant de le supprimer et de ne proposer que des exemplaires physiques. Le travail accompli par Jack White avec Third Man depuis tant d'années est également incroyable. SOUTENEZ VOTRE DISCASSEUR LOCAL. Rien ne change plus une vie que de trouver le disque parfait, de rentrer chez soi, de l'écouter et de s'évader dans un monde à part. Par ailleurs, de plus en plus d'artistes se battent contre Live Nation et Ticketmaster. Je pense que l'exemple donné par Olivia Dean à cet égard est une leçon pour tous les artistes. Et puis, sa musique est tout simplement excellente.
Comment voyez-vous l'évolution du monde musical au cours des cinq prochaines années ?
Le nihilisme est un trait de caractère et une mauvaise habitude dont je m'efforce désespérément de me défaire, alors permettez-moi de répondre avec espoir… Je pense que l'authenticité est très recherchée en ce moment, et cette demande ne fera que s'accentuer. Je trouve formidable que, pour contrer la pression constante de sortir sans cesse de la musique et de se connecter avec les fans et le public du monde entier, les gens s'intéressent moins à la musique de haute qualité issue de studios prestigieux et davantage à quelque chose d'authentique qui les touche. Je pense que, la plupart du temps, les gens repèrent un mensonge à des kilomètres. Les gens sont ce qu'ils sont. Ils veulent entendre l'humanité dans votre musique. On leur rappelle constamment leurs défauts, leurs échecs et leurs imperfections. La dernière chose que je veux leur offrir, c'est quelque chose de surproduit et de artificiel, censé être parfait. L'intimité apporte du réconfort. Je pense que la musique a un pouvoir immense sur les cœurs et les esprits. Je sais qu'elle a eu ce pouvoir sur moi. Je pense que dans un monde plein de faux-semblants, d'avidité, de surstimulation et de capitalisme corrompu, les gens aspirent désespérément à quelque chose de réel et d'authentique, et je suis d'accord avec eux.
Comment la musique vous aide-t-elle pendant ces moments difficiles ?
Évasion. La musique a toujours été une échappatoire pour moi. La réalité de la vie et ce qui se passe autour de nous peuvent parfois sembler un fardeau insupportable. La musique a toujours été un outil pour donner un sens au monde qui nous entoure. Cela ne changera jamais. Les mots ont un pouvoir infini, et les combiner à la mélodie et au rythme ne fait que les renforcer. J'espère que les gens sont résilients et savent qu'on peut toujours se battre pour ce en quoi on croit juste. La musique n'est qu'un outil parmi d'autres dans l'arsenal de l'humanité pour y parvenir.
Photo gracieuseté de The Hedgehogs.
hérissons
On dirait : une interprétation floue et laconique du style blues créé par Peter Green durant son album Dans les cieux , mais plus proche de Slint.
Entretien:
Décrivez votre approche musicale et comment vous expliqueriez à d'autres à quoi ressemble votre travail.
Stephen Schoner : John et moi sommes tous deux fans des Beatles. Les premiers enregistrements stéréo des Beatles présentaient une séparation fascinante entre les instruments et les voix. Et bien que sur l'album Les Hérissons/Hiver Nous n'allons pas jusque-là, nous aimons répartir les sons de manière équilibrée dans le champ stéréo, en ajoutant des accents qui leur donnent de l'énergie cinétique.
Nous avons beaucoup appris de John Squire des Stone Roses et de Noel Gallagher d'Oasis, qui créent des parties de guitare d'un équilibre remarquable. On a l'impression d'être suspendu dans l'espace qu'ils ont défini. Nous travaillons de plus en plus à développer nos guitares dans cette direction.
John Peyton : J'ai toujours accordé une grande importance à la compréhension des rouages de la musique. En écoutant mes artistes préférés, j'étais curieux de savoir comment ils créaient différents sons. Au début, j'essayais de les imiter avec le matériel rudimentaire dont je disposais.
Je crois que nous partageons tous un amour pour la bonne musique des années 60, 70 et début 80, et notre démarche consistait précisément à recréer cet esprit. Il ne s'agissait pas d'une simple copie.
Steven : Avec le premier album, on est encore tout nouveaux et peut-être un peu plus pragmatiques. Parfois, avec le recul, on se dit : « J'aurais pu faire ceci ou cela avec cette guitare ou cet accompagnement. » Mais je trouve que les nuances ressortent davantage maintenant. Le son est plus riche. Les enregistrements sont moins bruts. Et même si on a le sens de l'humour, on va le nuancer et donner plus de profondeur à notre musique.
Et ce premier album est une véritable double réussite. « Yours For the Asking » est une chanson romantique, ensoleillée et printanière. Quant à « Lonely », elle n'a rien d'humoristique ; elle est envoûtante et magnifique. Ces deux derniers titres ont été enregistrés parmi les trois derniers, et leur évolution est perceptible.
Comment vous est venue l'idée du titre de votre spectacle ?
Steven : Ça vient du sketch de Spinny Norman dans les Monty Python, où un des personnages croit être observé par un hérisson géant. J'ai découvert les Monty Python de la même façon que j'ai découvert beaucoup de super morceaux de rock dès mon plus jeune âge grâce à mes aînés. On faisait tous du cross-country à Ironton, et mes frères avaient une équipe qui s'appelait les Hedgehogs. Même source. Je crois que je les ai imités en leur suggérant ce nom.
Quels artistes et albums ont le plus influencé votre direction artistique ?
Stephen : Concernant notre nouveau single « Lonely », nous adorons vraiment le jeu de guitare de Peter Green, Danny Kirwan et Jeremy Spencer de Fleetwood Mac. Et celui de Buckingham aussi, pour l’équilibre qu’il apporte entre les solos acoustiques et électriques sur l’album. Rumeurs , Ces éléments apparaissent et disparaissent du mixage avec une justesse remarquable. Et ces derniers temps, j'écoute beaucoup Jorma Kaukonen… le son fuzz de sa guitare électrique est devenu une source d'inspiration précieuse pour mes compositions futures.
John : Pour moi, tout a commencé avec les Beatles, et plus précisément cette période plus expérimentale après leurs concerts. Ils sont le point de départ de tout le reste. Je suis plutôt branché pop, mais pas bubblegum house en général. Après eux, je dirais Pink Floyd. Là encore, leur esprit d'expérimentation et leur mélancolie me touchent profondément.
Étienne : Album La Face cachée de la Lune L'album place la barre très haut en matière de production, de composition et d'interprétation. Mais on adore aussi les premiers singles, et je pense que c'est de là que vient le jeu de guitare slide enjoué de John sur « Yours For the Asking ». Tout comme sur « Point Me At the Sky ».
John : Quand je suis arrivé en terminale, j'ai commencé à apprécier davantage la musique new wave.
Steven : Stewart Copeland a un excellent sens de l'humour. Son jeu de batterie possède cette douceur percussive que nous avons utilisée sur « Yours For the Asking ». The Police est un groupe formidable pour créer une ambiance avec très peu d'instruments, mais aussi pour créer l'atmosphère idéale. «Synchronicité» - Voici un exemple de jeu de clavier simple qui peut vraiment créer une ambiance.
John m'a fait découvrir les premiers albums de Genesis. Leur instrumentation est d'une richesse incroyable. Et puis, il y a cet humour, ces berces géantes et tout le reste. Les derniers albums de Genesis étaient une véritable leçon d'économie musicale. Tony Banks savait superposer plusieurs parties simples pour créer quelque chose de puissant et riche, mais aussi avec un tel… espace.
Album de Led Zeppelin «Présence» Cela m'a permis de ne plus considérer la voix comme l'instrument dominant dans un mix. Un son plus équilibré entre la voix et les instruments peut donner de meilleurs résultats.
J'ai beaucoup aimé la musique de Dungen. Elle peut passer d'une beauté pastorale absolue à quelque chose qui évoque une boîte à jouets dévalant un escalier. J'aime aussi Sigur Rós pour leur ambiance. Et Dead Meadow est également très atmosphérique et inquiétant. Je les aime beaucoup.
Quel est l'événement le plus intéressant qui se déroule actuellement dans l'industrie musicale ?
John : Ce qui est intéressant avec la musique moderne, c'est que la découverte de nouveaux morceaux est devenue beaucoup moins centralisée. Avant, la radio et les clips étaient les principaux moyens de diffuser de la musique et de découvrir de nouveaux sons (et parfois même d'anciens). Aujourd'hui, les réseaux sociaux règnent en maîtres, et on découvre de la musique grâce à des extraits de 15 secondes diffusés dans de courtes vidéos sur Instagram et TikTok. Les vidéos YouTube peuvent faire de véritables stars des musiciens amateurs qui composent chez eux. Avec une telle profusion de contenu, il peut être difficile de trouver quelque chose de nouveau qu'on apprécie vraiment.
Comment voyez-vous l'évolution du monde musical au cours des cinq prochaines années ?
John : On dirait que les frontières entre les genres musicaux s'estompent de plus en plus. C'est peut-être dû en partie à l'utilisation de nouvelles musiques par les créateurs de contenu sur les réseaux sociaux. Différents styles et sonorités sortent de leurs niches et deviennent accessibles à des publics variés, et c'est une bonne chose.
Autre chose que je remarque, et en tant que grand consommateur de contenu sur YouTube, je le constate de plus en plus souvent : on voit apparaître une quantité impressionnante de musique générée par IA, et je ne sais pas trop quoi en penser. Des chaînes entières sont consacrées à différents styles musicaux qui n'ont jamais été composés par un humain. Notre musique est peut-être un peu brute de décoffrage, mais au moins elle a été créée par des gens passionnés.
Steven : L'intelligence artificielle est préoccupante. Mais je pense que les gens ne se contenteront pas d'une musique sans âme. Qu'est-ce qu'une machine peut bien apprendre à un être humain sur la vie ? Les machines et les humains ne forment pas une communauté. Je pense que les gens accorderont moins d'importance à une chanson parfaitement léchée, produite par une machine, qu'à l'avis d'autres personnes.
Comment la musique vous aide-t-elle pendant ces moments difficiles ?
Steven : Rendre le monde plus beau. Diffuser de la musique crée un lien humain avec des gens du monde entier. Non seulement on ressent une forte émotion lorsque les paroles et la musique sont partagées et atteignent d'autres oreilles, mais le lien avec ceux qui nous entourent, et qui nous soutiennent ensuite, est source de satisfaction. On ne guérit pas le cancer, mais on apporte au monde quelque chose de précieux, de bon et d'inspirant.
C'est une aventure multimédia… un mélange de musique, d'art, de vidéo et de graphisme. Qui sait ce qui nous attend ensuite ? C'est une question d'esthétique… un projet créatif ambitieux, une façon de devenir artiste et de créer quelque chose d'exceptionnel avec des amis de longue date, bien avant de commencer à enregistrer de la musique ensemble.
Mais c'est aussi tout simplement génial. Peu de choses égalent un bon tube pop. Franchement. Prenez par exemple « She Bangs the Drums » des Stone Roses. Créer un super disque et l'écouter, c'est un pur bonheur. C'est créer des mondes invisibles, qui se mesurent non pas en kilomètres, mais en minutes. Et vos fans, et les gens du monde entier, peuvent vivre dans ce monde que vous avez créé pour eux, à vos côtés.
John : La musique apaise les bêtes sauvages. Elle a le pouvoir d'apporter une joie immense, et le monde en a cruellement besoin en ce moment.
Photo courtoisie de HAUSPOINTS.
POINTS DE VIE
Similaire à : Les Space Kids de Mark E. Smith, originaires de Chorley en Angleterre, ambitionnent de battre les Viagra Boys sur leur propre terrain.
Entretien:
Décrivez votre approche musicale et comment vous expliqueriez à d'autres à quoi ressemble votre travail.
La musique est un phénomène imprévisible et doit être abordée avec une extrême prudence. Même ceux qui en consomment occasionnellement peuvent souffrir d'épisodes maniaques et de troubles graves, et pour ceux qui en font un usage prolongé, les conséquences peuvent être fatales, voire pires.
Comment vous est venue l'idée du titre de votre spectacle ?
Utilisez bandnamegenerator.com
Quels artistes et albums ont le plus influencé votre direction artistique ?
J'ai conservé un document datant de la décimalisation de la monnaie britannique, distribué aux commerçants au début des années 1970, leur demandant de jeter les shillings qu'ils n'avaient plus en circulation soit à une mouette de passage, soit dans un seau d'œufs crus, selon ce qui leur tombait sous la main.
Quel est l'événement le plus intéressant qui se déroule actuellement dans l'industrie musicale ?
Je ne sais pas, est-ce que Coldplay a sorti un nouvel album ?
Comment voyez-vous l'évolution du monde musical au cours des cinq prochaines années ?
Comme dans la plupart des secteurs, les profits sont généralement pris à ceux qui travaillent et créent la musique pour aller dans les poches des milliardaires entrepreneurs et actionnaires. Il est donc probable que ce phénomène se généralise.
Comment la musique vous aide-t-elle pendant ces moments difficiles ?
Cela n'aide certainement pas autant qu'une grosse somme d'argent.
Photo gracieuseté de Crucifera.
Légumes crucifères
On dirait : Une version plus sombre, plus glitchée et plus gothique de Garbage, bien que le son soit plus intense et expérimental que le travail de Butch Vig aux platines.
Entretien:
Décrivez votre approche musicale et comment vous expliqueriez à d'autres à quoi ressemble votre travail.
Je décrirais mon style comme du pop-rock industriel gothique : une musique industrielle, à la fois brute et éthérée, conçue pour les araignées. Une « laideur » industrielle mêlée à des atmosphères éthérées et « magnifiques », et à des mélodies complexes. Cependant, la structure des morceaux est plus mémorable et cohérente que ce que l'on observe habituellement dans ce genre.
Chaque morceau est radicalement différent, mais mon album « Exostential » forme un voyage cohérent. C'est un choc poignant entre une vulnérabilité organique et une armure mécanique implacable – un « exosquelette » sonore protégeant mon être intérieur. Ayant grandi dans la pauvreté, j'ai d'abord bâti une carrière dans le branding, le marketing et le design pour assurer ma stabilité, une expérience qui influence aujourd'hui chaque aspect visuel et textuel de mes projets musicaux. Ce vécu nourrit mon processus créatif. J'ai toujours composé sur des instruments acoustiques, à la main, utilisant rarement un logiciel de MAO ou du matériel de studio, sauf brièvement lorsque des amis me les prêtaient. Plus tard, mes débuts en production m'ont poussé à développer rapidement ces compétences techniques.
Je commence chaque morceau au piano ou à la guitare acoustique avant de passer à l'ordinateur. Mon but est de fusionner la soul acoustique traditionnelle avec une touche numérique. Une fois les mélodies, les accords et les paroles composés, je passe à la production : j'écris la structure, j'ajoute des synthétiseurs et des samples, et j'expérimente avec les textures et les rythmes. J'évite les kits de batterie classiques et je préfère superposer des samples traités pour conserver un son organique, même lorsque le morceau prend une tournure plus électronique.
J'utilise la musique comme un outil de manipulation psychologique, en employant une planification complexe pour créer des expériences physiques. Je crée intentionnellement des moments de claustrophobie avant qu'ils ne se déploient en de vastes espaces éthérés, suscitant des réactions psychologiques face à cet environnement changeant. Cette approche est particulièrement manifeste dans des morceaux comme « Pity » et « Labyrinth of Fools ».
Comment vous est venue l'idée du titre de votre spectacle ?
Le nom Crucifera fait référence à l'araignée orbitèle. Neoscona Crucifera . J'ai toujours adoré les insectes. Enfant, j'en collectionnais, et même adulte, je suis incapable d'en tuer un seul. Au fil des ans, j'ai eu trois mygales comme animaux de compagnie, dont la première que j'ai même empaillée après sa mort. En 2021, après avoir emménagé dans ma propre maison, je me suis liée d'amitié avec une magnifique araignée orbitèle sur ma véranda, qui repoussait les moustiques.
Par curiosité, j'ai consulté sa taxonomie et j'ai immédiatement remarqué son nom latin. « Crucifera » signifie « porteur de croix », en référence à la marque distinctive sur le dos de l'araignée. Je suis fasciné par l'histoire religieuse et les métaphores – que j'utilise dans mes écrits, même si je me considère comme une personne gnostique et spirituelle, et non traditionaliste. La force de ce symbole résonne profondément en moi.
Pour moi, les araignées sont comme des pieuvres terrestres miniatures. Elles agissent par pur instinct, ne désirant qu'exister et qu'on les laisse tranquilles. Une araignée perçoit le monde à travers les vibrations de sa toile et du sol, contrairement aux humains. C'est une belle métaphore de ma propre perception de la réalité. Ce lien a également inspiré le titre de mon premier album, Exostential. Il incarne la philosophie de l'exosquelette : la nécessité biologique de se créer une carapace pour protéger un noyau vivant et vulnérable. Je suis une existentialiste convaincue. Ma musique parle de surmonter le chaos des traumatismes, du deuil et des abus passés, et de tisser ces énergies brutes en une toile d'espoir. Il s'agit de créer une armure pour protéger cette étincelle divine intérieure d'un monde parfois impitoyable.
Quels artistes et albums ont le plus influencé votre direction artistique ?
Bien que j'aie abordé ce projet de manière totalement différente (par accident) et sans suivre de plan précis, je reconnais que certains artistes ont influencé mon style et ma direction artistique. En tant qu'auditeur, j'ai toujours été attiré par les sonorités gothiques et industrielles. Ma musique comporte des éléments qui rappellent le hard rock industriel et électronique agressif de groupes comme Skinny Puppy, Nine Inch Nails, Wumpscut, Marilyn Manson et PIG. J'admire également le goth rock et la darkwave emblématiques de Bauhaus, Sisters of Mercy, Christian Death et Switchblade Symphony, ainsi que la synth-pop sombre d'And One. De plus, des groupes de metal comme Pantera contribuent à ma compréhension de l'intensité, et Ecstatic Fear m'inspire à créer des ambiances symphoniques dans mon travail. Ces influences diverses façonnent mon approche, même involontairement, créant ainsi une riche toile de fond qui confère à ma musique son caractère unique.
Pour ce qui est des artistes populaires que j'adore et que beaucoup connaissent sans doute : dès l'âge de trois ans, j'étais passionnée par la musique des années 80, puis par la musique alternative des années 90. J'ai toujours été fan de The Cure, Depeche Mode et Prince, ainsi que de Bush (surtout de l'album « Razorblade Suitcase »), Hole et Nirvana. J'ai aussi été très inspirée par des femmes comme Madonna, Cyndi Lauper, Stevie Nicks et Dolores O'Riordan des Cranberries.
Il y a peu d'artistes aujourd'hui qui me touchent vraiment, mais j'ai une immense admiration pour celles qui y parviennent : des femmes incroyables comme Halsey, Bishop Briggs et Lady Gaga, et j'adore Bright Eyes. Je respecte ces créatrices car elles définissent leur propre direction artistique, composent leur propre musique et sont des instrumentistes qui maîtrisent leurs univers visuels et sonores. C'est exactement ainsi que je travaille en tant que productrice solo, en gérant chaque fréquence et chaque pixel de la transmission. On peut ressentir, à la voix et au regard, quand un artiste ressent quelque chose de profond. Cette belle souffrance devient rare et est sacrifiée au profit de la maîtrise technique ou de l'image. J'admire profondément la façon dont elles affirment avec audace leur direction artistique, écrivent leur vérité et façonnent des mondes entiers à partir de leurs visions. Inspirée par leur dévouement, j'apporte la même intensité à ma vie de productrice solo, guidant chaque aspect de mes projets avec conviction.
Quel est l'événement le plus intéressant qui se déroule actuellement dans l'industrie musicale ?
Ce qui est le plus excitant en ce moment, c'est la renaissance créative d'une musique sombre, authentiquement humaine et brute. J'ai remarqué l'apparition ici et là de morceaux aux influences gothiques et industrielles. Je n'aurais jamais entendu ces sonorités dans le courant dominant auparavant. Certains gothiques de la première heure voudront peut-être limiter ce phénomène, mais je m'en réjouis. Ce monde est tourné vers l'avenir, et nous devons nous efforcer de créer le meilleur environnement possible à tous les niveaux, y compris artistique et créatif, afin que les générations futures y aient facilement accès. On assiste à un retour à une musique viscérale et sans filtre. C'est le contrepoids idéal à la crainte que l'IA n'ait « aseptisé » l'industrie. En mêlant architecture numérique et racines acoustiques, j'essaie de ramener une approche plus ancrée dans la réalité et plus humaine de la musique. J'espère que beaucoup suivront mon exemple. Cela prouve que, même si les instruments changent, l'essence d'une chanson doit rester un message humain pur et authentique.
Comment voyez-vous l'évolution du monde musical au cours des cinq prochaines années ?
Je vois les cinq prochaines années marquées par un mouvement mondial en faveur de l'indépendance interdisciplinaire. L'authenticité deviendra la valeur primordiale. Avec la démocratisation de l'IA, la valeur de l'artiste individuel, capable de tout faire, de la première note manuscrite au piano à l'enregistrement final, ne cessera de croître. Depuis mon studio à domicile dans le New Jersey, j'espère inspirer les musiciens en herbe. Je veux leur montrer qu'il n'est pas nécessaire d'être signé dans une grande maison de disques ou de disposer d'un budget colossal pour créer une expérience immersive et de calibre international.
Je crois que nous évoluons vers un modèle hybride, à la fois organique et numérique, où la technologie enrichit l'esprit humain au lieu de le remplacer. Mon projet pour les prochaines années reflète cette évolution. Un EP est prévu pour la fin de l'année et j'ai en préparation l'équivalent de deux albums. Je souhaite également développer ma présence sur la scène musicale en collaborant avec d'autres artistes indépendants gothiques et industriels. Cela inclut la composition, les collaborations vocales, les performances live et les remixes. À terme, je vois l'industrie musicale se diriger vers une grande décentralisation. La liberté créative sera le seul moyen de maintenir un lien authentique et direct avec le public.
Comment la musique vous aide-t-elle pendant ces moments difficiles ?
Pour moi, la musique est une thérapie, une force de survie, une ascension. J'ai passé 26 ans à bâtir ma carrière de designer simplement pour survivre. Prendre enfin ce risque et partager cette vulnérabilité est essentiel. Dans un monde qui semble de plus en plus difficile – où nous sommes assaillis par le bruit de la guerre, la négativité systémique et un manque général d'empathie – la musique est un moyen pour moi d'assimiler tout cela. C'est un médium que j'utilise pour transformer le chagrin, la perte et l'isolement en quelque chose de précieux.
Je me souviens très bien de la difficulté de lutter, jeune femme, non seulement pour survivre physiquement, mais aussi pour me sentir complètement perdue au milieu de gens qui ne semblaient s'intéresser qu'aux apparences. C'est un état de solitude intense, où l'on ressent profondément la douleur du monde tout en trouvant la beauté dans chaque petite chose. J'espère que ma musique trouvera un écho chez celles et ceux qui traversent actuellement cette même période sombre. Je pense particulièrement aux jeunes femmes, car les paroles de beaucoup de leurs idoles ne font qu'effleurer les relations, la sexualité ou l'amour. Je veux leur montrer qu'il existe des manières plus profondes et plus complexes de comprendre leur réalité et de trouver leur voix. Mon art est mon armure, un moyen de garder les pieds sur terre quand le monde semble perdre son humanité, et j'espère qu'il aidera d'autres personnes à trouver la force de créer la leur.
Photo gracieuseté de Chavar Donte.
Chavar Dontey
On dirait : Soul indie cosmopolite née au cœur d'Echo Park, dans l'esprit de Nourished by Time et Twin Shadow.
Entretien:
Décrivez votre approche musicale et comment vous expliqueriez à d'autres à quoi ressemble votre travail.
Ma façon d'aborder la musique, c'est d'être moi-même : honnête, vulnérable, et simplement essayer de retranscrire ce que j'entends. Je perçois la musique comme un ensemble de couches qui s'assemblent pour raconter une histoire. Je vois chaque chanson comme un film. Je joue de tous les instruments la plupart du temps, mais il m'arrive de collaborer avec des auteurs-compositeurs sur des parties que j'ai écrites. Cela a toujours été le cas. Au début de ma carrière, plusieurs de mes camarades de promotion ont joué sur ce que j'appelle « l'album perdu » (j'ai égaré les disques durs), et j'ai l'intention de refaire quelque chose de similaire un jour.
J'ai aussi eu la chance de collaborer avec des personnes formidables en post-production. J'ai finalisé tous mes morceaux avec mon ami Dylan au studio Portia Street à Echo Park. Dylan Ely s'occupe du mixage, et nous enregistrons tous les deux, certains titres là-bas et d'autres dans mon propre studio. Steve « B » Baughman se charge du mastering et des finitions. Je travaille également avec Seffan Hale « TrippieSteff » sur les illustrations et l'animation ; notre collaboration est parfaitement rodée.
Je décris ma musique comme un voyage cinématographique évolutif et multigenre, une bande originale multidimensionnelle qui accompagne les histoires et les émotions de chaque morceau. Côté genres, je suis influencé par une telle variété de musiques que je passe aisément du jazz au classique, en passant par la new wave, l'indus, l'électro, le rock et la soul.
La chanson “ I've Got My Mind Made Up ” sonne comme de la pop alternative, du R&B alternatif et de l'électro-pop atmosphérique. Honnêtement, j'ai toujours eu du mal à définir le genre de ma musique, car elle est riche de nuances qui la rendent unique. Pour vous donner une idée, je pourrais m'imaginer en tournée avec Dijon, Blood Orange, Mk.gee et Clairo. Ce serait aussi génial de partager la scène avec Thievery Corporation et Nourished By Time.
J'ai eu l'occasion de passer deux fois en coulisses avec Thievery Corporation ; leur tour manager, Jeffrey Travatan, est un ami proche et un excellent manager. Dans le bus de tournée, j'ai eu une conversation passionnante avec leur bassiste, Dan Africano, sur les montres mécaniques. Ce sont des moments comme celui-ci qui m'inspirent et qui rendent l'idée de partir en tournée ensemble particulièrement enrichissante.
Comment vous est venue l'idée du titre de votre spectacle ?
Chavar Dontey est mon prénom et mon deuxième prénom ; c’est ainsi que ma famille m’a toujours appelé. La légende raconte que c’est ma tante qui m’a donné ce nom, mais je n’en suis pas tout à fait sûr.
Quels artistes et albums ont le plus influencé ma direction artistique ?
J'ai été très influencé durant ma jeunesse «Pluie violette» и «Thriller» . La cinématographie des clips de Prince et Michael Jackson était tout simplement époustouflante. Kraftwerk, Duran Duran, Wham!, Culture Club, Thomas Dolby, Zapp and Roger, Run DMC, LL Cool J, les Beastie Boys, les Jackson 5, Al Green et Marvin Gaye… J’ai appris beaucoup de ces artistes grâce à ma famille. Quand j’ai commencé la guitare, j’ai découvert Jimi Hendrix, Sly and the Family Stone, Nirvana, Rage Against the Machine, Radiohead, A Tribe Called Quest, 2Pac, Biggie, Wes Montgomery, Pat Metheny, Jim Hall, Bill Frisell, Maurice Ravel et bien d’autres.
Quel est l'événement le plus intéressant qui se déroule actuellement dans l'industrie musicale ?
Je pense que les gens recherchent l'authenticité en musique, et en tant que personne ayant toujours suivi ma propre voie, authentique, je m'en réjouis. C'est formidable de voir que les gens achètent des vinyles, des CD et autres supports physiques directement auprès des artistes, et qu'ils assistent à des concerts pour approfondir leur lien avec la musique et les groupes. Je trouve également remarquable la façon dont les artistes indépendants parviennent à se faire connaître directement auprès des fans, comme en témoignent la forte progression algorithmique et les nombreux enregistrements que l'on observe pour ce nouveau single.
Comment voyez-vous l'évolution du monde musical au cours des cinq prochaines années ?
Je constate que de plus en plus de groupes et de fans de musique se tournent vers des lieux alternatifs et un contact direct avec leur public. Cela ne signifie pas que les circuits traditionnels disparaîtront, mais des méthodes non conventionnelles rendront les tournées plus accessibles et permettront aux groupes de gagner leur vie. La situation évolue rapidement, mais je pense que les artistes et les groupes qui se produisent en live auront une réelle opportunité de bâtir un succès durable grâce à une connexion authentique avec leur public.
Comment la musique vous aide-t-elle pendant ces moments difficiles ?
La musique a toujours fait partie intégrante de ma vie, au plus profond de mon être. Elle me donne un but et une paix intérieure. Composer des chansons peut être un peu éprouvant, mais la satisfaction qui en découle est immense. Je ne peux pas imaginer ma vie sans elle. Recevoir des messages me disant à quel point ma musique aide les autres, c'est ce qui me motive. C'est incroyable de voir des photos de gens qui écrivent mes paroles sur leurs jeans. Il est primordial pour moi que ces chansons touchent le plus grand nombre. J'ai l'impression que beaucoup de gens avaient besoin de ces chansons pour traverser des moments difficiles, comme j'en ai eu besoin, et comme j'en ai encore besoin.
Photo gracieuseté de Moondrive.
Moondrive
On dirait : Une symphonie synthétique lo-fi sur laquelle se superpose une pop électronique à l'évolution lente, donnant l'impression d'une transmission perdue, égarée dans l'atmosphère.
Entretien:
Décrivez votre approche musicale et comment vous expliqueriez à d'autres à quoi ressemble votre travail.
Je suis fasciné par les contrastes. L'élégance côtoie les secrets les plus inavouables : tout est visible si l'on regarde attentivement. Je trouve que c'est une excellente analogie pour l'être vivant, le quotidien, la vie elle-même, la société dans son ensemble. Franchement, je n'aime pas trop décrire mes propres œuvres. J'ai toujours pensé que si c'est nécessaire, c'est soit que l'œuvre est faible, soit qu'on s'adresse au mauvais public. Et si une œuvre réussit ces deux tests, alors la question se pose : comment y répondre ? Ce serait terrible.
Comment vous est venue l'idée du titre de votre album ?
Concernant le titre de l'album Tout ce qui a disparu C'est essentiellement un recueil de perspectives, de personnes, d'impressions, de pensées, d'observations et de réflexions sur tout et n'importe quoi. Et la plupart d'entre elles ont disparu – pas forcément dans le passé, mais simplement disparues. J'aime plaisanter en disant que c'est tout le contraire d'un album concept. Il n'y a pas d'autre concept que la naissance, la mort et ce qui se trouve entre les deux, avant et après. Ou peut-être que c'est justement le concept, puisqu'il semble tout englober. Une excellente excuse, n'est-ce pas ?
Quels artistes et albums ont le plus influencé votre direction artistique ?
J'écoute de tout, mais lorsque j'ai commencé sérieusement à écrire cet album, j'avais une direction précise : musique classique contemporaine, orchestrations, chanteurs pop, musique électronique d'avant-garde, musique expérimentale. Cette combinaison me semblait le langage idéal pour exprimer ce que je voulais dire. Pour la première fois, je ne cherchais pas l'inspiration dans des disques précis ; elle m'est venue naturellement, au fil de milliers d'albums écoutés. Je n'avais qu'à suivre le courant. C'était étrange. Je crois que j'ai eu de la chance : j'ai recommencé à apprécier la musique car je n'éprouvais plus le besoin de m'inspirer de qui que ce soit.
Quel est l'événement le plus intéressant qui se déroule actuellement dans l'industrie musicale ?
Honnêtement, je n'ai pas écouté beaucoup de nouveautés musicales ces derniers temps. De ce que j'en vois, beaucoup de morceaux semblent monotones : mêmes textures, mêmes structures, même ambiance. Mais je crois que le plus intéressant, c'est que des artistes qui refusent la compétition existent toujours, travaillant en marge, et ils sont plus intéressants que jamais précisément parce qu'ils ne se battent pas pour une place au centre. Le vrai travail se fait dans l'ombre.
Comment voyez-vous l'évolution du monde musical au cours des cinq prochaines années ?
L'intelligence artificielle. Voilà la réponse en résumé. Composer de la musique deviendra si simple que n'importe qui pourra le faire – c'est déjà possible, et ça ne fera que se simplifier. Je pense donc que deux choses seront essentielles : la possibilité de jouer de la musique en direct, car le public continuera de rechercher un lien émotionnel avec une personne réelle sur scène, ou avec une figure emblématique dont il peut rêver et qu'il peut partager. Nous évoluons vers un monde où la compétence primordiale sera la direction artistique : savoir quoi créer, avoir le goût pour le façonner et le courage de s'affirmer dans son œuvre et de dire : « Voilà ce que je veux exprimer. » La machine fera le reste. La question est de savoir si ce sera une libération ou une capitulation. Je ne sais pas encore.
Comment la musique vous aide-t-elle pendant ces moments difficiles ?
Je l'espère.
Photo gracieuseté de Pryti.
Preeti
Cela ressemble à ceci : Un mélange captivant de métal alternatif à la Deftones et de pop inspirée par Halsey, créant un projet crossover unique.
Entretien:
Décrivez votre approche musicale et comment vous expliqueriez à d'autres à quoi ressemble votre travail.
J'écris de la musique pour ceux qui ne rentrent pas dans les cases, et cela a toujours été au cœur de ma démarche. Je ne cherche pas à être quelqu'un d'autre, je me concentre simplement sur ce qui vient de moi. Je me fiche des dernières tendances ; si un accord de guitare se trouve dans une chanson, c'est parce qu'il résonne en moi. Il est censé me toucher. Ma musique est mélancolique, cinématographique, sombre, mais aussi porteuse d'espoir. Elle mêle des éléments d'alternatif, d'emo et de metal à des influences électroniques. On y retrouve également des éléments de metalcore et de post-hardcore.
Comment vous est venue l'idée du titre de votre spectacle ?
C'était une décision très simple, je m'appelle Priti.
Quels artistes et albums ont le plus influencé votre direction artistique ?
Linkin Park m'a fait découvrir le métal au lycée. Album Hybrid Theory Cet album est sorti quand j'étais adolescent et il a tout changé pour moi. J'adore la pop, mais je n'avais jamais eu l'impression qu'elle me touchait autant. Celui-ci, si. Deftones a aussi eu une influence énorme sur l'orientation créative de ma musique. La mélancolie de l'album… Tâtonnements vers l'extase Sarah McLachlan m'a touché. Finch – Qu'est-ce que brûler , Staind – 14 nuances de gris . J'écoute aussi beaucoup de metalcore. Le premier album était Bury Tomorrow., Portraits, Cet album a été produit par mon producteur Justin Hill. J'étais obsédé par cet album et je rêvais de travailler avec lui. Il a d'ailleurs produit toute ma musique depuis mes débuts. L'album éponyme de Saosin a toujours été l'un de mes préférés ; il est plein d'âme et inoubliable. John Mayer a eu une influence énorme sur moi en matière d'écriture ; la qualité de ses textes est incroyable et, même si c'est très différent de ce que je fais, je cherche toujours à progresser en tant qu'auteur-compositeur.
Quel est l'événement le plus intéressant qui se déroule actuellement dans l'industrie musicale ?
Je suis ravi du regain d'intérêt actuel pour le rock et le métal. Ce genre musical a toujours existé, mais comme pour tout, l'industrie est dictée par les tendances, et nous sommes nous-mêmes des précurseurs.
Comment voyez-vous l'évolution du monde musical au cours des cinq prochaines années ?
Je pense que le talent sera une fois de plus le facteur déterminant. Je pense également que l'intelligence artificielle et les entreprises qui tirent profit de la diffusion de morceaux générés par IA sur les plateformes numériques susciteront une opposition encore plus forte. Je pense que l'industrie musicale devra s'adapter constamment compte tenu du contexte mondial actuel, car avec la hausse des prix de l'énergie, les tournées à grande échelle des grands artistes seront-elles viables en cas de pénurie prolongée ?
Comment la musique vous aide-t-elle pendant ces moments difficiles ?
J'aime tellement la musique que j'ai des groupes et des artistes qui me remontent le moral et m'aident à traverser les moments difficiles. L'album « An Ending in Itself » de Sleeping with Sirens est arrivé à point nommé ; c'est incroyable quand de telles coïncidences se produisent. J'aime aussi écouter des bhajans et des mantras (ou, comme je les appelle, des mantras). J'ai constaté que cela m'aide à rester calme.
Photo reproduite avec l'aimable autorisation de Thirsty Curses.
Soif d'une malédiction
On dirait quelque chose entre les deux Traitement thermique par Graham Parker et La Rumeur et Calmant De la part de l'oncle Tupelo, berceau de la radio universitaire, Raleigh, Caroline du Nord.
Interview (réponses du chanteur Wilson Getchell) :
Décrivez votre approche musicale et comment vous expliqueriez à d'autres à quoi ressemble votre travail.
La musique de Thirsty Curses couvre un large éventail de genres, mais appartient généralement au vaste genre rock 'n' roll.
Le journaliste musical Jeff Yerger a écrit un jour quelque chose comme : « Thirsty Curses a un son brut, inspiré du rock indépendant des années 80, comme si The Replacements avaient plus de piano. » J'ai toujours aimé cette description.
Thirsty Curses propose un son rock 'n' roll brut, mélangeant punk, power pop, alt-country, grunge et rock progressif. Une grande partie de leur répertoire est clairement influencée par le punk. Outre The Replacements, on a également pu écouter des compilations incluant des titres de Dresden Dolls, Elvis Costello, Marshall Crenshaw, The Old 97s, The Hold Steady, Jeff Rosenstock, Ramshackle Glory et Queen.
On me dit souvent que ma voix ressemble à celle d'Adam Duritz. (On m'a aussi comparé à Tom Petty à quelques reprises, mais j'ai toujours pensé que c'était simplement à cause de mes cheveux blonds.).
J'ai grandi en écoutant beaucoup de musique des années 60 et 70, ce qui a sans aucun doute eu une grande influence sur ma façon de composer. Même si je ne nous comparerais jamais aux Beatles ou aux Beach Boys, ces deux groupes ont incontestablement eu une influence majeure sur mon écriture et sur le son de Thirsty Curses.
Comment vous est venue l'idée du titre de votre spectacle ?
Je plaisante depuis des années à ce sujet. «"Soif de malédiction"» — c'est en gros une façon spirituelle de dire «"alcoolisme"» . Mais ce n'est pas tout.
Nom Malédictions de soif Elle reflète comment le désir, l'appétit, l'anxiété, etc., nous poussent vers ce dont nous pensons avoir besoin, mais contiennent souvent aussi les germes de notre propre destruction. Malédictions de soif — il s'agit d'une référence à ces schémas comportementaux qui nous hantent tout au long de notre vie et auxquels nous ne résistons (ou que nous acceptons ouvertement) qu'en vain.
Le titre Thirsty Curses sied parfaitement à ce projet, reflétant la philosophie qui sous-tend sa musique. Nombre de leurs chansons mêlent gaieté et désespoir, souvent traversées par une crise existentielle. Mais on y perçoit aussi une certaine indifférence face à l'adversité, teintée d'un optimisme ironique et d'humour.
Ainsi, même si nombre de chansons présentent une pointe de fatalisme pessimiste (ou de réalisme, selon les points de vue), elles regorgent également d'humour et de joie de vivre débridée.
Quels artistes et albums ont le plus influencé votre direction artistique ?
Le punk rock a aussi beaucoup influencé ma façon d'écrire des chansons au fil des ans. À mes débuts, j'écoutais surtout des groupes punk. Au lycée, j'étais fan d'Operation Ivy, Less Than Jake, Crass, The Dead Kennedys, Against All Authority, etc. Mais pour moi, il y a aussi les Beatles, Brian Wilson, et puis tous les autres.
Depuis deux ans, je suis obsédé par Brian Wilson et les Beach Boys depuis l'album Pet Sounds. J'ai toujours été fan des Beach Boys, mais jusqu'à récemment, je n'écoutais que leurs chansons. Les sons des animaux de compagnie . Albums Amis , Je t'aime , Adulte/Enfant и Sourire Les chansons de Brian Wilson sont devenues mes préférées et ont probablement eu une influence significative sur mes compositions récentes.
Mais au fil des ans, parmi mes groupes et influences préférés, on peut citer Modest Mouse, Deer Tick, The Replacements, The Silver Jews, Dresden Dolls, Ramshackle Glory, Wilco, The Old 97s, Guided by Voices, Bomb the Music Industry, Ween, Jonathan Richman, Sonic Youth, Velvet Underground, etc.
Mon album de l'année 2024 était Le passé est toujours vivant. groupe Hourra pour la racaille (la deuxième place a été remportée par Feux d'artifice Manning (de MJ Lenderman) (Je suis aussi de Caroline du Nord !).
Mon album de 2026 était Lily Allen, la fille du West End. J'ai aussi récemment découvert par hasard un groupe indie/punk peu connu mais vraiment génial : Ugly Cowboys. Ils sont incroyables. Écoutez leur chanson « Nancy ».
Quel est l'événement le plus intéressant qui se déroule actuellement dans l'industrie musicale ?
Le regain d'intérêt pour les supports physiques (vinyles, cassettes et CD) est un phénomène plutôt enthousiasmant. J'ai été surpris de voir autant d'étudiants acheter des CD ces derniers temps. Je ne m'attendais certainement pas à une telle évolution. Bien sûr, cet engouement pour les achats de musique physique semble surtout concerner les mélomanes, mais c'est néanmoins une bonne nouvelle.
Ces dernières années, j'ai constaté qu'une part importante du public aspire à une musique authentique et de qualité. C'est peut-être en partie une réaction à la piètre qualité de la musique produite par l'IA. Cependant, ce n'est qu'une supposition, sans fondement empirique.
Mais des témoignages isolés, disséminés ici et là, suscitent l'optimisme. Par exemple, j'étais déjà fasciné par l'œuvre de Brian Wilson lorsqu'il est décédé l'an dernier. J'ai été surpris par le flot de condoléances, de remerciements et autres marques de sympathie, venant de tous horizons, aussi bien de la vie réelle que de TikTok.
Si nous parvenons à inciter les jeunes à fréquenter à nouveau les bars rock 'n' roll et à boire davantage, alors nous serons vraiment sur la voie de la guérison.
Comment voyez-vous l'évolution du monde musical au cours des cinq prochaines années ?
Franchement, je n'en ai aucune idée, mais il est clair que le monde de la musique et « l'industrie musicale » (le cartel de la musique ?) seront confrontés à de nombreux problèmes et défis dans un avenir proche, et le plus évident et le plus urgent d'entre eux est le développement de l'intelligence artificielle.
J'aimerais croire que la plupart des gens ne voudraient pas écouter une musique aussi fade et sans âme, mais d'un autre côté, j'ai constaté que ces dernières années, une grande partie de la musique populaire, créée par l'homme, est devenue plutôt insipide et dénuée de sens. La plupart des consommateurs de musique se fichent désormais de savoir si leurs artistes préférés écrivent leurs propres chansons ou jouent de leurs propres instruments. Au fond, cela n'a plus d'importance. Je ne suis donc pas très optimiste quant au rejet par le public de la musique générée par ordinateur. Parallèlement, j'ai perçu une certaine résistance, comme je l'ai mentionné précédemment, mais je ne suis pas sûr qu'elle reflète une tendance générale. Il s'agit peut-être simplement d'un phénomène contre-culturel. L'avenir nous le dira.
Je sais qu'il y aura toujours des musiciens qui s'efforceront de créer, et un public avide de musique réfléchie, inspirante et authentique. Je ne sais simplement pas quel pourcentage du monde musical sera consommé par l'IA, etc. Je sais que ce ne sera pas la totalité du monde musical, et que ce pourcentage pourrait même être très faible. Je sais aussi que, de toute façon, je ne peux pas faire grand-chose à part continuer à faire ce que je fais. Alors je vais continuer à composer et espérer le meilleur (et saisir toutes les occasions de me moquer gentiment de la musique générée par l'IA).
Il y a un vers dans notre nouveau single, « Starting to Remember How Much I Forgot », qui résonne tellement juste : « On verra bien comment tout cela se termine. On verra bien où on atterrira. ».
Comment la musique vous aide-t-elle pendant ces moments difficiles ?
Pour moi, écrire des chansons a toujours été thérapeutique, un moyen d'exprimer mes difficultés personnelles et de faire face aux problèmes du monde qui m'entoure. Ces dernières années, j'ai constaté que mes chansons se concentrent de plus en plus sur ce dernier point. J'ai le sentiment, depuis un certain temps déjà, que la société se désagrège.
Quelques titres de notre prochain album Thirsty Curses’ Frank-N-Stein — ce sont essentiellement mes tentatives pour donner un sens à l'incertitude et au chaos de notre époque (par exemple, « Starting to Remember How Much I Forgot », « Fifths/Minors », « Dramatic Moments »). De notre précédent album ( « La musique est une arnaque » »Les chansons « Bombs Away », « Foot in the Door » et « Reading & Writing » abordent des thèmes similaires.
Je perçois également la musique comme quelque chose de transcendantal et d'intemporel. En ce sens, elle sert de point d'ancrage ou de soutien lorsque tout le reste semble instable.
La musique m'offre aussi un point d'ancrage positif et utile. C'est un véritable soutien. Plus je me concentre sur la musique et m'y plonge, moins je suis encline à des comportements autodestructeurs.
Groover Cette plateforme met en relation des artistes indépendants avec des professionnels de l'industrie musicale afin d'accélérer leur carrière. Son objectif est de donner aux artistes indépendants les moyens d'agir en leur fournissant un accès privilégié à des programmateurs, des stations de radio, des médias, des labels et d'autres professionnels du secteur, leur garantissant ainsi visibilité et opportunités.
Plus de 700 000 artistes utilisent Groover pour entrer en contact avec plus de 3 000 professionnels du monde entier. Grâce à Groover, ils ont reçu plus de 7 millions d'avis, plus d'un million de partages (playlists, avis, etc.) et signé plus de 1 500 contrats avec des labels !
Pour consulter notre liste constamment mise à jour des 100 plus grandes stars du rock de tous les temps, cliquez ici.