Con la posible excepción de la directora Donna Deitch, quien era excepcionalmente perseverante, ni siquiera los creadores del romance lésbico Corazones del desierto imaginaron que, cuatro décadas después de su estreno, la película se convertiría en objeto de estudios históricos y ensayos críticos. Pero en la primavera y el verano de 1986, el primer largometraje de Deitch, basado en la novela Corazones del desierto de Jane Ruhl, superó todas las expectativas, convirtiéndose en un éxito comercial y un clásico queer instantáneo, un clásico que aún resuena en el panorama cultural actual.
En honor al Mes del Orgullo y su próxima presentación en Frameline en San Francisco, repasamos la creación de esta icónica historia de amor lésbico a través de la mirada de las tres mujeres que la protagonizaron: la directora y las actrices Patricia Charbonneau y Helen Shaver, más conocidas por los fans como Kay Rivers y Vivian Bell. Desde anécdotas sobre la vida en el set en el desierto de Nevada hasta los intentos de vender la película a distribuidores en VHS, sus historias iluminan el sinuoso recorrido del filme, desde un audaz proyecto independiente hasta un éxito en Sundance que redefinió las historias de amor lésbico en la gran pantalla.
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Esta entrevista ha sido editada para mayor claridad y brevedad.
Aportar claridad a la situación
«Esta es una buena oportunidad para aclarar las cosas, si no le importa», dijo Deitch al comienzo de una de nuestras primeras conversaciones, que abarcó desde su inspiración para Los inadaptados de John Huston hasta los malentendidos que los periodistas han tenido sobre Corazones del desierto a lo largo de los años. «He leído todo tipo de disparates, como que vendí mi casa para financiar la película. No tenía ninguna casa que vender».
Con cada aniversario importante y reestreno, Deitch recuerda con cariño cómo, siendo una joven documentalista sin experiencia en largometrajes, convirtió los derechos de la discreta novela de Rule de 1964 en una película aclamada por la crítica. Sin embargo, discrepa con algunos detalles que impregnaron la narrativa, incluyendo su lucha por obtener los derechos y la casi pérdida de control sobre el proyecto porque los estudios querían reemplazarla con un hombre. De hecho, afirma que fue relativamente fácil convencer a Rule de dirigir su adaptación de la historia de un romance apasionado entre un empleado de casino y un profesor que buscaba un divorcio rápido en Reno a finales de la década de 1950. Y solo consideró brevemente aceptar el dinero del estudio antes de darse cuenta de cómo afectaría a su trabajo.
«"Estaba pensando en escribir un guion original, pero alguien me dio el libro ["Desierto del corazón"] y pensé: 'Como metáfora central, esto engloba todo lo que pienso sobre lo que necesita esta historia. El guion que voy a escribir está, en cierto modo, contenido en este libro'. Eso fue lo que me impulsó a contactar con Jane Ruhl", dijo Deitch, añadiendo que a finales de los 70, para contactar con la famosa residente de la isla Galiano, en la Columbia Británica, bastaba con enviar una carta con "Jane Ruhl, Canadá" escrito en el sobre.
Deitch, quien interpretó el tema central del libro como "si no juegas, no puedes ganar" e incorporó esta frase a la película, recordó que Ruhl recibió una o dos ofertas para adaptar "Desierto del corazón", pero decidió al principio de las negociaciones que "no les iba a dar los derechos, fueran quienes fueran". Mientras tanto, sus negociaciones con la autora sobre la dirección de la película resultaron mucho más fructíferas, aunque sus propias interacciones con los estudios no fueron tan exitosas.
«Una vez que conseguí los derechos de ella, lo cual fue muy fácil, tuve un par de reuniones para hablar sobre la financiación de la película. Nunca avanzamos más», dijo Deitch, desmintiendo otro detalle que circulaba en algunas fuentes. «Nunca se habló de reemplazarme con un director. Nunca estuve presente el tiempo suficiente en las reuniones porque querían cambiar el final».
Al no interesarle las condiciones que conllevaba la oferta de financiación, Deitch, ahora sin agente, inició una campaña de dos años para recaudar fondos para la película mediante eventos de patrocinio. La joven directora consideró que el apoyo de Gloria Steinem sería clave para atraer a posibles inversores a estas reuniones, donde vendía participaciones de la película a 15.000 dólares cada una. Tras conocerse a través de una amiga en común, Deitch convenció a Steinem —quien había proyectado el cortometraje de tesis de la graduada de la UCLA, "De mujer a mujer: Un documental sobre prostitutas, amas de casa y otras madres", en las oficinas de la revista Ms.— para que se uniera al proyecto.
Gracias a las invitaciones a fiestas en Nueva York, San Francisco y otras ciudades, en las que figuraban figuras como Steinem, Lily Tomlin y Stockard Channing, Deitch logró recaudar aproximadamente un millón de dólares para la película. Aún faltaban varios años para que comenzara el rodaje: la selección del personal, el casting y las revisiones del guion seguían en marcha. Pero en 1984, con la ayuda de la guionista Natalie Cooper, había finalizado el guion y había conseguido encontrar no solo a las protagonistas —la joven actriz neoyorquina Charbonneau y la experimentada actriz canadiense Shaver—, sino también a Audra Lindley para el importante papel secundario de Frances Parker.
Antes de que terminara el año, el director y los actores se embarcaron en un rodaje de un mes en el desierto, junto con un equipo liderado por el futuro director de fotografía Robert Elswit (Boogie Nights y There Will Be Blood) y la diseñadora de producción Jeannine Oppewall (Tender Mercies). Inspirados por un libro de fotos del Viejo Oeste titulado "Vanishing Breed" y la trágica novela de Huston de 1961 sobre Reno, este entusiasta grupo de creativos estaba listo para dar vida a la evocadora historia de amor de Deitch. Pero solo el tiempo diría si realmente podrían plasmar su visión con un presupuesto modesto y la energía de cineastas principiantes.
La vida en el Grand Motor Lodge«
Cuando el reparto y el equipo se reunieron durante unos días en su base de operaciones, el Grand Motor Lodge en Reno, para conocerse antes de que comenzara el intenso rodaje, Deitch marcó la pauta de lo que se convertiría en una de las experiencias de rodaje más memorables de sus carreras.
«"Cuando llegué a Reno, me esperaba un enorme ramo de gladiolos en mi habitación del Grand Motor Lodge y una nota de Donna que decía: 'Te necesito. Tu experiencia, tu inteligencia. No tenemos tiempo para resentimientos, así que cuando tengamos desacuerdos, debemos resolverlos ahora'. Fue un comienzo fantástico", dijo Shaver, quien apareció en varias películas y series de televisión antes y después de "Desert Hearts" y finalmente se convirtió en una directora galardonada por derecho propio.
«"Ese era el espíritu: estábamos creando algo juntos —el elenco, el equipo, todos— y todos sentían que estaban involucrados", dijo Shaver, y agregó: que ni siquiera se le ocurrió preguntarle a Deitch si no había algún indicio de síndrome del impostor oculto tras su actitud segura de sí mismo.
A lo largo de los años, incluso en los materiales adicionales de Criterion. , La colaboración de Deitch con los cineastas de Desert Hearts puso de manifiesto tanto la claridad de su visión como el extraordinario apoyo que recibió de todos los implicados. Parte de su éxito con sus colegas parece deberse a la suerte y a su buen ojo para el talento, como en el caso de los aún prometedores Elswit y Oppewall, quienes actuaron como sus productores extraoficiales durante el rodaje.
«"Recuerdo que una vez, en el set, Jeannine se me acercó y me dijo: 'Es obvio que todavía estás ensayando esta escena. Tómate tu tiempo'. Sí, ¿qué diseñador de producción le diría eso a un director?", dijo Deitch, riendo mientras describía el vínculo inusualmente estrecho entre las tres y cómo más tarde se dio cuenta de cuánto la ayudaron a desenvolverse durante el proceso de filmación.
Pero Deitch también demostró visión de futuro al organizar que todo el elenco y el equipo se alojaran en el lugar de rodaje durante cuatro semanas, de modo que cuando las cámaras no estuvieran grabando, pudieran pasar el rato en un motel en algún lugar —socializando, revisando el material grabado o simplemente relajándose— sin dejar de estar inmersos en el mundo de la película. "Era un poco como una pequeña compañía de teatro en algún lugar del campo montando una obra", dijo Deitch, describiendo el motel, al que Shaver apodó "El Motel No Tan Grande", como uno de esos "lugares en forma de U" que rodean una piscina. "Por supuesto, todas las películas son colaborativas, pero aquí había un ambiente de pequeña comunidad, una especie de ambiente familiar. Y no había agentes que vinieran a hablar con sus clientes, nada de eso".
Al igual que sus compañeros de reparto más experimentados, Charbonneau, que hasta entonces había trabajado exclusivamente en teatro, se sentía cómoda en ese ambiente íntimo. "Como vivíamos todos juntos —no estábamos en Hollywood, no estábamos en el ambiente de Los Ángeles, estábamos en un hotel a las afueras de Reno—, éramos prácticamente un pequeño microcosmos. Y nunca hubo esa sensación de 'Tenemos que darnos prisa, darnos prisa, darnos prisa. Esto no va a funcionar'", dijo la actriz, que tenía 25 años y estaba embarazada cuando empezó el rodaje. "En aquel momento no tenía con qué compararlo, pero ¡madre mía!, entonces... Bueno, todos los demás rodajes eran intensos".
Al igual que Oppewall, quien exploró las locaciones con anticipación, Charbonneau, radicada en Nueva York, llegó a Reno antes de lo previsto para prepararse para su debut cinematográfico trabajando como cambista. Pero las noches que pasó en el casino fueron solo el primer paso en el camino de Charbonneau para encarnar a Kay, una escultora de espíritu libre que inquieta a Vivian desde la primera proyección. Una vez en el set, vestida con jeans y camisas de cuello elegidas por la diseñadora de vestuario Linda M. Bass, y rodeada de los impresionantes interiores de Oppewall, la deslumbrante morena se sumergió por completo en un personaje inspirado en personajes románticos del Oeste como el problemático vaquero de Clark Gable en Los inadaptados y un joven Elvis.
«Nunca sentí ni por un segundo que estuviéramos en 1959. No había nada que me hiciera sentir que era 1985. Definitivamente era... 1959 »"," dijo Charbonneau, refiriéndose en particular al mobiliario de la pequeña casa de Kay, al rancho que Oppewall convirtió en vivienda para los divorciados Francis, y al hotel abandonado que servía como el casino ficticio Golden Circle.
«"Quiero decir, conociendo los decorados de Jeannine, el vestuario, el trabajo de Robert como director de fotografía, ya entendía bastante bien —incluso a los 25 años— que se trataba de un grupo de personas extraordinarias. Así que estaba llena de entusiasmo: '¿Qué vamos a filmar?'", dijo.
Charbonneau no era la única que esperaba con ansias el inicio del rodaje. Cuando el mundo polvoriento y onírico de la película, poblado por elementos de época pero alejado de la realidad, comenzó a cobrar vida en las tomas diarias, "todos estábamos entusiasmados", recordó Shaver. "Nos decíamos unos a otros: '¿Sabes quién va a ver esta película? Scorsese va a verla'. Estábamos enumerando a todos los que iban a verla", dijo, riendo con nostalgia.
«¿Pero quién podría haber previsto esto?», añadió. «Aquí estamos, 40 años después, y la gente está descubriendo esta película por primera vez o por decimoquinta vez y conectando con ella. Desde luego, no me lo esperaba. Creo que ninguno de nosotros lo esperaba».
Creando una escena de amor innovadora
Si bien el rodaje de Desert Hearts a menudo se siente como una escapada de un mes junto a la piscina, inevitablemente hubo momentos desafiantes para el director y los actores, incluyendo la creación de la escena de amor culminante que define la película, incluso más desafiante que el diseño de producción dramático y los paisajes impresionantes.
Deutch esperó hasta la última semana de rodaje para filmar la escena en dos partes en la que Kay y Vivian, exiliadas del rancho, finalmente tienen un momento íntimo. Pero desde que empezó a soñar con su primer largometraje, mucho antes de leer la novela bastante recatada de Rule, sabía que el sexo sería el tema central. "No quería hacer otra película que terminara en un triángulo amoroso bisexual o en un suicidio. Nada de eso me interesaba. Simplemente hice la película que quería ver, y tenía que tener una escena de amor muy apasionada", dijo Deutch, bromeando con que las películas lésbicas sin sexo parecen gustarle a mucha gente porque "todo el mundo las hace", pero ella no.
Además de ser muy atractiva, estaba decidida a que este momento fuera significativo, a diferencia de muchas de las escenas de sexo que había visto para prepararse. Esto significaba que la escena debía tener un principio, un desarrollo y un final, como cualquier otra secuencia cuidadosamente elaborada. Pero también requería química entre los dos actores para que resultara realmente convincente.
«"En la mayoría de las películas de Hollywood, si un actor es una estrella, no hace audiciones. Por lo tanto, lo que se llama 'química' surge durante el rodaje; o existe o no existe. Todos lo intentan, pero no siempre es posible lograr el resultado deseado", dijo Deitch.
«"Eso era lo que más me entusiasmaba: tenía que verlo, porque si no lo veía en la audición, podría no suceder", añadió, describiendo cómo inicialmente eligió a la relativamente inexperta Charbonneau y luego optó por Shaver basándose en la química entre las actrices en el casting de Los Ángeles. "En esa audición que ella [Charbonneau] tuvo con Helen, fue obvio, no había duda al respecto".
Tanto Charbonneau como Shaver comprendieron la importancia de este momento cautivador entre Kay y Vivian para la visión de Deitch y no tuvieron reparos en filmarlo, a pesar de las advertencias de sus agentes. ("La gente pensaba que esta película no debería tener a nadie, incluso si no tenían que desnudarse y hacer el amor con otra persona del mismo sexo", recordó Deitch). Pero cuando llegó el momento de desnudarse para el rodaje a puerta cerrada en el que participaron Deitch, Elswit, el mago [Martin J. Leighton] y las estrellas, la escena resultó ser un desafío inesperado.
«Después de filmar esa escena —después de sentirme increíblemente íntima, increíblemente vulnerable— volví a mi pequeña habitación de hotel, me preparé un baño y rompí a llorar», dijo Charbonneau, quien, aparte de estar embarazada, nunca antes había filmado una escena íntima, a diferencia de su compañero de reparto. «Fue hace mucho tiempo, por supuesto, pero recuerdo ese momento con mucha claridad. Fue simplemente un momento de alivio, una sensación de logro».
«"Fue difícil para mí. Quería que saliera bien. Estaba en muy buenas manos, así que no se trataba tanto de eso. Se trataba de encontrar esa sensualidad y sentirme cómoda con algunas personas más en la sala, ya sabes, a los 25 años", dijo, haciendo una breve pausa. "Era muy importante hacerlo bien, porque ¿para qué hacer una película si vas a arruinar su momento de amor verdadero?"»
Para Shaver, de 33 años, filmar esta escena fue quizás un poco menos estresante, en parte porque tenía experiencia estando desnuda frente a la cámara y en parte porque le costó mucho dejar de lado sus propios pensamientos y meterse en el personaje. Elswit fue especialmente útil en este último aspecto, enseñándole a pasar por alto pequeños detalles que los espectadores no notarían, como una mirada cansada en un primer plano. Y cuando llegó el momento de filmar el despertar sexual orgásmico de Vivian, ella se entregó a la dinámica de la escena, que describió como "emocionalmente agotadora" pero también "satisfactoria y excitante", y al hecho de que Vivian se dejara llevar por su deseo por Kay y adónde podría conducir.
«Para mí, la diferencia entre una actuación realmente buena, impecable, y una actuación magnífica, de la que es imposible apartar la vista, radica en si el actor está dispuesto a estar plenamente presente en el momento, aceptando las circunstancias imaginarias pero hablando desde su propia verdad. Pero, como en cualquier relación íntima, eso no sucede en la primera cita», dijo Shriver, reflexionando sobre la evolución de Vivant a lo largo de las semanas de rodaje.
Durante una escena de amor, dijo: "Estaba asimilando el hecho de que nunca había tenido un orgasmo con otra persona... Y en un momento dado [mi mano] se levanta y se ve cómo mi dedo meñique... se contrae", describiendo el gesto sutil e involuntario que ella experimentó como un momento revelador. "No sé si el público lo ve ahora, pero yo lo sentí cuando sucedió y lo dejé suceder".
Tras otra conversación sobre momentos íntimos ocurridos durante el rodaje y algunas bromas sobre pezones, Shaver cambió el rumbo de la conversación, animándola a su manera característica. "Les diré que la escena más difícil, la que más me costó rodar, curiosamente, fue la de la caminata a caballo", dijo, refiriéndose a la secuencia en la que Vivian y Kay llevan a los caballos a través de una meseta por razones logísticas. "Pensaba: '¿Por qué no montamos a caballo?' —eso fue lo primero que me molestó. Pero hubo un momento en el diálogo con el que tuve muchos problemas. Y entonces uno de los caballos me pisó el pie".
Cigarrillos y videocasetes
Tras filmar la escena de amor y las tomas finales, el elenco y el equipo de "Desert Hearts" abandonaron Reno, esperanzados pero aún inseguros sobre el destino de la película. Ahora Deitch se enfrentaba a la tarea más importante: venderla, pero primero necesitaba encontrar un editor, lo que implicaba recaudar fondos adicionales. "No tenía dinero para un editor mientras filmábamos", dijo Deitch, explicando que tuvo que trabajar en la posproducción después por necesidad. "Es muy inusual. Pero si no tienes el dinero, no lo tienes".
Deitch volvió a vender acciones de la película para recaudar fondos, incluso de Lindley, quien le entregó un cheque de 15.000 dólares en una fiesta de fin de rodaje, y sus esfuerzos se vieron recompensados con algo de suerte. El editor de Badlands, Robert Estrin, que había fundado una nueva empresa que trabajaba exclusivamente con cintas de vídeo, estaba disponible, y Deitch, a pesar de la incertidumbre, aprovechó la oportunidad de trabajar con él. "Me dijo: 'Mira, ahora edito en vídeo. Este es mi nuevo proyecto... Si quieres que trabaje contigo, está incluido'", contó Deitch, describiendo cómo logró convencer a Estrin cuando otros cineastas se sentían intimidados por el proceso, que en su caso implicaba transferir copias maestras de película de 35 mm a cinta de vídeo de 3/4 de pulgada.
«"Y me dijo: 'Y lo segundo que tengo que decirte es que yo no estuve allí, como sabes, durante el rodaje, así que tengo que hacer algo que probablemente te resulte un poco perturbador. Tengo que coger estas cintas de 3/4 de pulgada, todo tu material, y empalmar las cintas maestras. Tengo que ver la película exactamente así... porque necesito ver la continuidad de toda la escena'", dijo Deitch, bromeando con que "si de verdad quieres vivir una pesadilla", le entrega las cintas maestras de tu película y luego observa cómo se empalman en cinta de vídeo, que se degrada en el proceso.
«"Lo hizo, y empezamos. Creo que no terminé de ver el primer vídeo porque era demasiado difícil de soportar. Pero así fue como empezamos", dijo.
Finalmente, Deitch superó la conmoción de ver las imágenes en vídeo y se resignó a la idea de que todo estaría bien una vez que viera la versión final en película. A medida que la película se acercaba a su finalización, tanto ella como Estrin —cuyas transiciones de época añaden aún más romanticismo a los paisajes de gran angular y los primeros planos íntimos de Elswit— estaban satisfechas con el progreso, por lo que la directora debutante decidió proyectarla para un grupo selecto de distribuidores antes de los próximos festivales de cine. Resultó un debut público desafiante para Desert Hearts, pero al menos le confirmó a Deitch que había realizado la película lésbica apasionada que tanto anhelaba.
«Fue aterrador porque nunca habían visto nada igual», dijo Deitch, refiriéndose a la reacción del público ante la edición del vídeo, que la convenció de esperar a que la película se reestrenara en 35 mm para ofrecerla en cines. «Pero lo más gracioso fue que estábamos en ese cine, y cuando empezó la escena de amor, algunas personas empezaron a encender cigarrillos».
Recordando los tiempos en que la gente todavía fumaba en los cines, añadió: "Era gracioso. Pero más allá de eso, era aterrador. Porque, ya sabes, estás sentado en el cine, viendo tu película, y sientes lo que está pasando".
Sin embargo, cuando la versión final de Desert Hearts llegó a los estudios, todo cambió. Tras su proyección en el Festival de Cine de Telluride en Toronto en otoño de 1985 y su posterior triunfo en Sundance unos meses después, la película desató una guerra de ofertas por los derechos de distribución, además de, según el director, cumplir el sueño de los actores de ser vistos por las figuras más importantes de la industria. Finalmente, la Samuel Goldwyn Company se aseguró los derechos de distribución de la película por 20 años, y en la primavera de 1986, recaudó mucho más de lo esperado. Para el verano, la película fue aclamada como un hito tanto por el público como por la crítica dentro de la comunidad LGBT por su calidad cinematográfica, su conmovedora escena de amor y su final esperanzador.
Por supuesto, un romance lésbico explícito protagonizado por dos mujeres heterosexuales no estuvo exento de críticas. Charbonneau, quien regresó a Reno con Shaver y Deitch apenas unas semanas después de dar a luz para fotografiar un póster, fue duramente criticada por llevar a su bebé a las ruedas de prensa. (Charbonneau recordó que un entrevistador, posiblemente del Village Voice, escribió algo así como: "¿Es esta su señal de heterosexualidad?", refiriéndose a la presencia de su bebé). Pero a diferencia de muchas películas clásicas de temática queer, incluso la reacción inicial a Desert Hearts fue abrumadoramente positiva. La directora y las actrices comenzaron a darse cuenta de que habían creado algo verdaderamente significativo culturalmente, algo que definiría en gran medida las siguientes cuatro décadas de sus vidas.
«"En cierto modo, fue el comienzo de todo para mí: la realización de un sueño, la oportunidad de hacer una película, el comienzo de la maternidad", dijo Charbonneau, quien ahora ve la película con gran emoción, imaginándose a sí misma a los 25 años y pensando en personas como Lindley que ya no están con nosotros.
«"¿Qué puedo decir? Este es uno de los momentos más maravillosos de mi vida y, sin duda, uno de los momentos culminantes de mi carrera", dijo.
Al igual que su coprotagonista, Shaver describió la creación de la película como un momento transformador, que tuvo un efecto dominó tanto en su carrera como en su vida personal: la ayudó a adentrarse en el mundo del cine y la presentó a su segundo esposo, con quien tiene un hijo. "Ninguno de nosotros lo hizo por dinero. Ninguno lo hizo porque pensáramos: 'Vale, esta va a ser una película que va a durar 40 años, va a tener potencial'. No fue así. Fue algo mucho más puro y sencillo: 'Tengo que hacer esto. Quiero hacer esto. Esta película tiene que hacerse'", dijo Shaver, añadiendo que la experiencia "cambió su vida en todos los sentidos".
«Cuando abrí el guion y leí el segundo párrafo —que decía algo así como: "El tren llega a la estación y una mujer, Vivian Bell, baja", y había una descripción de ella— supe que iba a estar en esta película. Fue increíblemente obvio„, dijo. “Así que, cuando recuerdo ese momento, pienso: "Bueno, esa fue la señal". Pero no pensé que 40 años después estaría aquí, la abuela de un niño de 14 meses, hablando con ustedes».
Deitch, que suele hablar con desconocidos sobre la película y los invita a proyecciones, quizás no se sorprenda tanto por el gran éxito de su primer largometraje. Desde el principio, la directora, que más tarde dirigió Las mujeres de Brewster Place, se apegó al principio de "si no juegas, no ganas", como si siempre hubiera sabido que la apuesta daría sus frutos. Y su convicción de que esta era la película que debía ver la luz no ha hecho más que reforzarse con los años.
«"Creo que soy la guardiana de esta película. No soy la productora ni la directora, pero soy la guardiana porque esta película nos sobrevivirá a todos", dijo Deitch, resumiendo la situación en la que se encuentran ella y Desert Hearts cuatro décadas después.
La proyección conmemorativa del 40 aniversario de Desert Hearts tendrá lugar en el cine Frameline el jueves 18 de junio.