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Photo : Dan McMedan/WireImage
Ryan Ross ne s'est vraiment passionné pour les Beatles que lorsqu'il était déjà membre de Panic! At The Disco. Bien sûr, il les connaissait. Impossible de ne pas les connaître, n'est-ce pas ? Mais ce n'est que lorsqu'il travaillait sur le premier album du groupe, Une fièvre qu'on ne peut pas faire disparaître par la transpiration , Il s'est alors vraiment plongé dans leur discographie. Soudain, un tout nouveau monde s'est ouvert à lui, un monde qui lui paraissait parfaitement logique. « Je cherchais quelque chose en ligne, un nouveau groupe, quelque chose qui m'intéresse, mais je ne trouvais rien de bon en termes de nouveautés musicales », a-t-il confié à Rolling Stone. « Alors j'ai écouté les Beatles, et là, j'ai été bluffé. J'ai été impressionné par le nombre de chansons différentes qu'ils ont écrites, par l'ampleur de leur travail, et par le fait qu'ils ne se limitaient à aucun style particulier. Ils faisaient simplement ce qu'ils voulaient. „.
Ryan souhaitait analyser leur travail sous cet angle, car, comparé à tout ce qui se faisait sur la scène alternative, Panic! At The Disco avait un son unique. Entre le pop-punk poétique de Fall Out Boy, les mélodies puissantes de Paramore et l'univers extravagant de My Chemical Romance, ils restaient une exception intrigante, malgré leur étiquette souvent collée au même groupe emo que leurs pairs susmentionnés. Ce n'était pas cela qui les dérangeait, mais plutôt que cela créait certaines attentes quant à ce qu'ils devaient être. Après une analyse approfondie, il s'est avéré que… Album Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band , Sorti initialement en 2007, cet album, qui mêle des éléments des Beach Boys et des Who, a suscité chez Ryan une émotion qui, il le savait, allait changer sa vision de Panic! At The Disco. « Ces groupes nous ont beaucoup aidés en nous donnant un coup de pouce : ils nous ont appris à lâcher prise et à simplement écrire les chansons qui nous venaient à l’esprit, plutôt que de nous dire : „Bon, on est ce groupe-là, donc on ne peut chanter que ce genre de chansons.“ ».
D'une certaine manière, ce sentiment avait déjà commencé à imprégner la pensée du groupe au début de la tournée de promotion de l'album. Fièvre La fin de leur collaboration touchait à sa fin. De plus en plus lassés de jouer les mêmes chansons tous les soirs et en quête de quelque chose de totalement nouveau, ils créèrent un album qui ne vit jamais le jour. Il s'appelait Cricket et trèfle, L'album a été écrit et enregistré dans le cadre pittoresque du mont Charleston, à quarante minutes de route de leur domicile à Las Vegas. Décrite comme une histoire d'amour tragique, sa musique évoquait davantage une bande originale de film, avec une absence quasi totale de guitares et de batterie, s'éloignant finalement beaucoup trop de l'intention initiale du groupe. Il semblerait que l'isolement du lieu n'ait pas été la seule raison de cette étrangeté. « Oh, on était sous champignons hallucinogènes tout le temps », a confié le chanteur Brendon Urie à Paper en 2018. « On a tout essayé, mais ça n'a pas marché. Spencer et Ryan n'avaient jamais bu ni pris de drogue, alors c'était comme une première pour eux. Je pense qu'on l'a aussi fait pour se soutenir mutuellement, parce qu'on vivait ensemble quasiment tous les jours depuis trois ans. On était juste épuisés, alors on s'est dit : allons vivre ensemble dans une cabane et prenons des psychédéliques, ça pourrait nous aider. » On travaillait sur un projet qui semblait prometteur en théorie, mais au moment de l'écriture, on s'est surestimés «, a confié Ryan à FaceCulture peu après. Le projet a finalement été abandonné et est tombé dans l'oubli. Et une nouvelle session a commencé, qui a fini par se transformer en… Joli. Étrange. , mais l'album est davantage en phase avec des motifs intemporels qu'avec des contes de fées, même si, à première vue, il marque un tournant important dans la direction artistique du groupe par rapport à leurs œuvres précédentes. Cependant, les impressions de Grillon et trèfle exercent encore une forte influence sur eux.
Brendon Urie, du groupe Panic! At The Disco, en concert à Los Angeles en 2008 | Photo : Chris Polk/FilmMagic
Alors que Ryan s'occupait auparavant de la majeure partie du travail sur les paroles du groupe, «Neuf heures de l'après-midi, la première chanson écrite , Ce fut un moment où les quatre membres ont uni leurs forces. Le résultat fut une composition reflétant leurs sentiments des dernières années, mais plutôt que de se concentrer sur les frustrations, elle mettait l'accent sur les aspects positifs de leur tournée mondiale et du partage de leur créativité. « Je pense que l'objectif principal était de créer quelque chose de plus positif et entraînant que le précédent album », a confié le bassiste John Walker à The Aquarian. « Après la tournée, nous nous sentions tous bien et nous ne voulions pas écrire d'autres chansons sur l'infidélité de nos copines. » Si le morceau dégage une certaine légèreté et une joie communicative, il possède aussi une dimension hallucinatoire. Même le titre, trouvé après avoir demandé l'heure dans leur studio sans fenêtre et reçu une réponse aussi intrigante qu'absurde après huit heures de travail, est empreint d'un sentiment de délire. Ceci est dû en grande partie au fait que la composition a eu lieu pendant l'un des mois les plus chauds de l'année. Entre les nuits blanches et les effets persistants d'une dégustation de truffes, l'atmosphère était tout simplement sublime et hédoniste. « On a passé beaucoup de temps à contempler les étoiles, à profiter du beau temps, et je pense que ça nous a vraiment influencés », a confié Brandon au Boston Globe. « Si le temps avait été vraiment exécrable, [le nouvel album] aurait sans doute sonné différemment. On avait absolument besoin de ces conditions météo pour composer ces chansons. ».
Quand album Neuf dans l'après-midi a été présenté au monde comme le premier exemple Joli. Étrange. , Avec un clip vidéo débordant de masques d'animaux, de fanfares et d'incarnations physiques de vos fantasmes les plus extravagants, la réaction fut plus perplexe que curieuse. Ce qui dérangeait le plus, c'était qu'un groupe ayant joué un rôle majeur, volontairement ou non, dans le développement d'une branche particulièrement florissante de la scène emo et alternative, ait si brutalement tourné le dos au milieu même qui l'avait vu prospérer. Pour Ryan, c'était comme si ce milieu auquel ils étaient associés était déjà en train de disparaître. « Je pense que toute cette scène est sur le point de mourir », a-t-il déclaré à l'Illinois Entertainer. « Je pense que les jeunes vont se tourner à nouveau vers du vrai rock 'n' roll, parce que tout est tellement saturé d'absurdités que j'espère que les gens commenceront à s'en rendre compte. » Il se sentait même étiqueté « emo », ce qui « nous a toujours paru bizarre », et que c'était simplement parce qu'ils étaient considérés comme « coupables par association » à cause de leur label, Decaydance, le label de Pete Wentz au sein de Fueled By Ramen. « On ne se sentait vraiment à notre place nulle part », poursuit-il. « On n'était ni ceci, ni cela, alors c'était à la fois un avantage et un inconvénient. Car ce sentiment nous permettait de continuer à faire ce qu'on voulait sans chercher à nous conformer à un milieu particulier. ».
Panic! At The Disco avec la bannière de leur tournée Pretty. Odd. | Photo : Rick Friedman/Corbis
Cette période fut la dernière où le groupe joua en quatuor. Album Vices & Virtues En 2011, le groupe ne comptait que Brandon et le batteur Spencer Smith. Depuis 2013, Brandon en est resté membre et sa notoriété ne cessait de croître. Et, comme souvent avec les projets ambitieux que les groupes décident de présenter au monde, l'opinion publique a été partagée. Joli. Bizarre. Les choses ont évolué au fil des ans ; on comprend et apprécie davantage ce qu’ils essayaient de faire. Globalement, l’album et Neuf heures de l'après-midi Ils démontrent notamment ce que signifie se faire passer en premier, même si le reste du monde ne comprend pas pourquoi. Le sens de la vie est de trouver le bonheur et de le préserver, et en 2008, c'est exactement ce que Panic! At The Disco essayait de faire. « Je pense que les gens s'attendaient à ce qu'après le succès du premier album, il y ait une sorte de pression ou quelque chose comme ça », a déclaré Brandon à PopMatters. « On a tout simplement laissé tomber et on s'est concentrés sur ce qui nous rend heureux. Ça a toujours été l'objectif de notre groupe. On veut faire ce qu'on aime, et tant qu'on y arrive, on est heureux. ».