Qu’elle soit motivée par la recherche de notoriété ou un intérêt personnel, la performance artistique peut rapidement dégénérer. Des actes sexuels explicites aux violences mettant des vies en danger, les exemples les plus extrêmes passent souvent inaperçus dans le monde de l’art et horrifient le grand public. Voici dix des plus notoires.
10. 100. Action de Herman Keach (1998)
Partie Actionniste viennois Les mises en scène d'Hermann Nitsch sont souvent sanglantes et délibérément choquantes. Sous l'égide de son Théâtre des Mystères Orgiaques, il a mis en scène des sacrifices d'animaux et des tortures humaines, parmi d'autres plaisirs terrestres. Mais son œuvre majeure reste sa pièce de six jours créée en 1998. Toutes ses créations antérieures n'étaient que des prémices.
» 100. Aktion » (remarque : la vidéo ci-dessus n'est pas liée à cette œuvre, mais devrait vous donner une bonne idée de son travail) a eu lieu dans son dans mon propre château privé Avec son vaste domaine, ses vignobles à perte de vue et ses tunnels souterrains, la pièce mettait en scène 100 acteurs, mais les événements étaient joués par le public (500 à 1 000 spectateurs). Outre les acteurs, 180 musiciens, dont un orchestre, des fanfares et des orchestres de taverne, interprétaient une partition spécialement composée de 1 595 pages. Un clocher abritant cinq cloches d'église fut également construit pour l'occasion.
Les provisions comprenaient 13 000 litres de vin (« pour produire l’ivresse et la joie débridée exigées par la majorité »), 10 000 roses, 1 000 litres de sang, ainsi que des porcs et des moutons morts, 60 brancards, plus de 10 000 mètres de toile (pour les « actions picturales » du deuxième jour) et 5 000 torches pour les défilés nocturnes. Deux chars de combat furent également acheminés le cinquième jour.
Mais la force de choc de l'œuvre ne résidait pas uniquement dans son excès. La performance impliquait également l'abattage de trois taureaux vivants – un le premier, un le troisième et un le cinquième jour. L'idée était de révéler ce qui était caché. Abattus, ils auraient de toute façon été tués. Comme le disait Nitsch : « C'est la société qui a tué les animaux… pas moi. » En effet, tel était le but de cette pièce de six jours : mettre à nu les réalités de l'existence, « des sentiments les plus sublimes de bonheur et d'extase… aux abîmes les plus profonds, au dégoût, à la rage bestiale et destructrice des pulsions les plus sombres. » . (Les six jours font allusion à la création chrétienne.)
Cependant, le symbolisme ne s'arrêtait pas là. Lorsqu'on lui a demandé pourquoi les participants étaient parfois ligotés et avaient les yeux bandés, Nitsch a simplement répondu : Il aime ça .
9. Solo Christos par Sebastian Horsley (2000)
Sébastien Horsley C'était un artiste confronté à un dilemme : il ne pouvait peindre que ce qu'il avait vécu personnellement. Du moins, c'est ainsi qu'il expliquait sa décision de se rendre au pied de la croix aux Philippines ; il voulait peindre la Crucifixion.
Pour acquérir de l'expérience, il se rendit au village de San Pedro Cutud, où chaque année, durant la Semaine sainte, de jeunes hommes sont crucifiés, les mains et les pieds transpercés de clous. Ils ne sont ni punis ni mis à mort ; c'est pour eux une manière de se sentir plus proches de Dieu.
Horsley n'était pas le premier étranger à vouloir se faire crucifier. En réalité, les habitants avaient déjà interdit aux étrangers d'y participer après qu'un Japonais eut vendu les images de sa propre crucifixion comme pornographie sadomasochiste. Cependant, après de longues négociations et un pot-de-vin, Horsley fut autorisé à une séance relativement modeste, documentée par un ami photographe.
Ça s'est mal terminé. Perdu connaissance sous l'effet de la douleur, il s'est effondré, déchirant les sangles qui lui retenaient les poignets et les bras, censées le soutenir et limiter les dégâts causés par les clous. La plateforme sur laquelle reposaient ses pieds a également cédé. Horsley s'est effondré au sol , Et les villageois s'enfuirent en hurlant. C'était, comme il le déclara plus tard, l'œuvre de Dieu, en qui il ne croyait pas.
Pour couronner le tout, la réaction au Royaume-Uni fut particulièrement cruelle. Non seulement la presse britannique se montra, comme à son habitude, impitoyable, avec des titres tels que « Un artiste se crucifie », mais le monde de l'art se montra également indifférent.
8. « Le dîner, c’est manger des gens » par Zhu Yu (2000)
L'artiste chinois Zhu Yu, à l'instar de Feng Boyi et Ai Weiwei, a cherché à choquer par son message politique. « Dîner : Manger des gens » est une série de photographies où on le voit cueillir, cuisiner et manger. fœtus humain de six mois avec un air indifférent.
Les photos sont horribles, quel que soit l'angle sous lequel on les regarde. Le fruit est bien réel, mais il est loin d'être frais. On voit qu'il a trempé dans du formol. Même après cuisson, il a seulement fait semblant d'y croquer.
Cependant, une fois en ligne, les photos ont perdu tout leur contexte. Elles ont été perçues comme la preuve d'une tendance à manger des bébés., provoquant la pandémie de coronavirus ; souterrain Cuisine taïwanaise à base d'embryons ; légalisé la consommation de fœtus avortés en Chine ; et ainsi de suite. Apparemment satisfait des résultats de son « expérience », Zhu filme, deux ans plus tard, ses négociations avec une prostituée pour obtenir l'autorisation de la mettre enceinte puis de la faire avorter afin de donner le fœtus à manger à un chien, ce qu'il semble faire plus tard dans le film.
7. « Le Lit » de Vito Acconci (1972)
Chaque mercredi et samedi pendant trois semaines, les visiteurs de la galerie Sonnabend à SoHo auraient pu croire, à tort, qu'il ne se passait rien. La salle A était complètement vide. Mais dès qu'ils descendaient la rampe, l'installation « Seedling Bed » de Vito Acconci commençait.
« Tu appuies… sur ma bouche », dit sa voix dans les haut-parleurs. « Je vais enfouir mes yeux dans tes cheveux. ».
Caché sous leurs pieds, à l'intérieur de la rampe, l'artiste se masturbait à plusieurs reprises. Il utilisait le bruit de leurs mouvements pour alimenter ses fantasmes sexuels, qu'il racontait au micro. De plus en plus essoufflé (au sens propre comme au figuré), il atteignit l'orgasme en prononçant des mots comme « Je l'ai fait pour toi, je l'ai fait avec toi, je l'ai fait avec toi... » Puis il recommençait avec la personne suivante.
Le Metropolitan Museum of Art l'a appelé «"œuvre originale". L'objectif, disaient-ils, était de « créer un lien étroit entre l'artiste et le public, même s'ils restaient invisibles l'un à l'autre ». De plus, c'était les années 70.
6. « Résonner/Obliterate » de Ron Oni (2011)
La célébration du 50e anniversaire de Ron Athey devait être sanglante. Cet artiste queer est connu pour ses automutilations et ses pratiques sanglantes. Puisant son inspiration dans son éducation pentecôtiste et sa séropositivité, son œuvre inclut la scarification, le marquage au fer rouge, les sutures, la pénétration et le greffage. Selon ses propres termes, dans ses œuvres il joue toujours« soit avec de la chair, soit avec du liquide, soit avec du sang » .
Et son cinquantième anniversaire n'a pas fait exception. Dans l'article sous le nom «Résonner/Anéantir» On le voit pratiquer le yoga dans une boîte en verre, nu mais coiffé d'une longue perruque blonde fixée par des épingles. Au rythme d'une musique futuriste, il peigne vigoureusement ses extensions. Puis, les repliant en un tas pour dévoiler son visage, il retire les épingles, le sang coulant « comme le Christ couronné d'épines ».
Finalement, Athey s'est enduit le corps de lubrifiant teinté de sang, « s'est enfoncé le poing dans le rectum et… a ri triomphalement ». Après le spectacle, il a rétabli son taux de glycémie avec un gâteau d'anniversaire.
5. « Sans titre » d'Aliza Schwartz (2008)
En 2008, Aliza Schwartz, étudiante en art à Yale, acquit une notoriété soudaine lorsque son projet de thèse, resté sans titre, fut divulgué à la presse. Utilisant du sperme de donneurs (ou, comme elle les appelait, des « fabricants »), elle s'inséminait artificiellement à plusieurs reprises entre le neuvième et le quinzième jour de son cycle menstruel, et ce pendant un an. Puis, le vingt-huitième jour de chaque cycle, elle prenait des plantes médicinales pour provoquer un avortement. Bien qu'elle n'ait jamais été certaine d'être réellement enceinte, elle souffrait de crampes et de saignements abondants.
Après avoir collecté ce sang, elle avait prévu une installation sculpturale dans le cadre de son travail ; mais une fois que le Washington Post a eu vent de l'histoire, L'université de Yale entreprend des rénovations . L'université a interdit la sculpture et a menti à la presse, affirmant que Schwartz avait tout inventé. Elle, disaient-ils, elle ne s'est jamais inséminée elle-même Pour cet article, Schwartz a nié leurs démentis, et l'histoire est devenue virale en ligne.
Avec le recul, elle a remarqué qu'en l'absence de tout élément matériel (sculpture, vidéo, photographies, etc.) « Une œuvre n'existe que sous forme de récit. ». Quant à la signification de ses œuvres, elles étaient destinées à « soulever des questions de reproduction matérielle et discursive ». Ce qui, bien sûr, s'est produit.
4. « Sans titre » Lai Thi Dieu Ha (2011)
L'artiste Lai Thi Dieu Ha, basée à Hanoï, a acquis une reconnaissance pour ses performances qui explorent Sexualité et tabous au Vietnam . Selon elle, son travail « À propos du contrôle gouvernemental et de la censure culturelle. ». C’est ce qui provoque le choc dans la presse vietnamienne ( société gay ).
Dans "Fly Up" ( Baie Len Elle s'est déshabillée entièrement et s'est enduite de colle et de plumes bleues avant d'exécuter des mouvements imitant ceux d'un oiseau. Cette performance a culminé avec le lâcher d'un oiseau vivant de sa bouche.
Mais c'est son œuvre suivante qui a attiré le plus l'attention. cette œuvre sans titre Elle appliqua des fers chauffés à blanc sur les ampoules de porc, puis les passa sur ses bras, ses jambes et son visage. Elle pressa ensuite les fers contre ses mains, scellant les ampoules et brûlant la peau, avant d'enlever les parties brûlées.
3. « Shoot » de Chris Burden (1971)
Chris Burden était farouchement opposé à la guerre, en particulier au Vietnam. Artiste de performance, il exprimait sa solidarité avec les victimes par des actes de violence choquants dirigés contre lui-même. On peut citer, par exemple, sa crucifixion sur une Volkswagen Beetle, sa chute du haut de deux étages, et… confinement dans un casier scolaire Il avait une bouteille en haut pour boire et une autre en bas pour uriner. Un public lui plantait aussi des épingles dans le corps.
Dans l'œuvre qui l'a rendu célèbre, « Shoot », un ami lui a tiré dessus à bout portant avec une carabine. Bien que la galerie n'ait accueilli que quelques invités – tous des amis de l'artiste –, la scène a été filmée en Super 8. Sur la vidéo, on voit et on entend les coups de feu, la victime chancelle et la douille touche le sol.
Le tir était imprécis. La balle aurait dû seulement effleurer son bras, mais elle l'a traversé de part en part, obligeant Burden et ses hommes à se précipiter à l'hôpital. laisser le personnel perplexe quant à la cause . Même s'il n'en avait peut-être pas conscience à l'époque, c'était en réalité préférable pour le sujet, car cela lui causait de véritables blessures. Après tout, l'objectif était de dénoncer l'indifférence des Américains face à la violence.
2. « Ham Cybele - Le Banquet du Siècle » par Ham Cybele (2012)
Pendant une courte période, le 8 avril 2012, le bruit a traversé un tweet :
«"[Merci de retweeter] Je propose mes organes génitaux masculins (pénis entier, testicules, scrotum) comme nourriture pour 100 000 yens... Je cuisinerai et préparerai le repas à la demande de l'acheteur, à l'endroit de son choix.".
Il a ensuite assuré ses lecteurs de la qualité de la viande : âgée de 22 ans, exempte de maladie, de dysfonctionnement ou de traitement hormonal. Il ne s’agissait pas d’un robot. L’auteur du tweet était l’artiste tokyoïte Ham Cybele (HC), et la proposition était tout à fait sérieuse. La personne avait déjà subi une ablation des mamelons. L’idée derrière ce « festin de testicules » était de sensibiliser le public aux droits des personnes asexuelles (non binaires). Et bien que certains aient tenté d’annuler ce repas horrible, il n’était pas illégal. Le cannibalisme est légal au Japon, comme dans d’autres pays. tous les États américains sauf l'Idaho .
Cinq jours après le tweet, cinq convives ont partagé l'addition et, tout en écoutant un concert de piano, ont regardé HC faire frire son pénis, ses testicules et son scrotum avec des champignons et du persil. Après avoir signé une décharge de responsabilité en cas d'effets indésirables, les convives se sont installés. Le verdict ? Caoutchouteux et sans goût . Mais là n'était pas la question.
1. "Rythme 0" de Marina Abramović (1974)
« Rhythm 0 » de Marina Abramović arrive en tête de cette liste non pas parce que l'artiste a dépassé les bornes, mais, de façon unique, parce que le public a lui-même franchi les limites. En réalité, elle était la plus choquée de tous.
On ne pouvait pas en dire autant de ses œuvres précédentes de la série Rhythm. Dans Rhythm 10, par exemple, elle exécutait un vieux truc de gangster en enfonçant rapidement un couteau entre ses doigts dans une table, sans s'arrêter avant de s'être coupée vingt fois. «Rythme 5» Elle a sauté sur une plateforme en forme d'étoile enflammée, a perdu connaissance par manque d'oxygène et a dû être secourue par le public. Puis, aux deuxième et quatrième temps, elle a de nouveau perdu connaissance, cette fois intentionnellement. d'abord à cause des médicaments, puis à cause de l'hyperventilation .
«Rythme 0» C'était une toute autre affaire. En entrant dans la pièce, les spectateurs découvraient Abramović, immobile devant une longue table sur laquelle elle avait disposé 72 objets. Certains étaient destinés au plaisir (parfum, raisins, vin), d'autres à la douleur (un fouet, une aiguille, des lames de rasoir), et d'autres encore étaient ambigus ou neutres (un journal, de la peinture, du rouge à lèvres). Certains objets, comme un bandage, évoquaient subtilement la blessure. Mais les objets les plus choquants étaient une balle et un pistolet. instructions Les instructions étaient simples : « Il y a 72 objets sur la table que vous pouvez utiliser sur moi à votre guise. Je suis l’objet. Pendant cette période, j’en assume l’entière responsabilité. ».
L'œuvre d'Abramović consistait tout à tester ses limites, mais ici, elle testait son public. Elle voulait voir jusqu'où il irait. Au début, ils étaient enjoués. Mais ils sont devenus plus agressifs. « Ce furent six heures de pure terreur », se souvient-elle. « Quelqu'un a déchiré ses vêtements. Quelqu'un lui a enfoncé des pointes dans le ventre. ».
Un autre prit un couteau et la taillada près du cou, buvant son sang avant de lui appliquer un bandage. Quelqu'un la souleva, à moitié nue, et la transporta à travers la pièce. La jetant sur une table, ils lui enfoncèrent un couteau dans le bois entre les jambes. Enfin, quelqu'un chargea un pistolet et le pointa sur sa tête. « Ils ont mis leur main dans la mienne », se souvient-elle, « pour voir si je résisterais, si je serrerais sa main contre la mienne. ».
Comme pour certaines de ses autres œuvres, il a fallu l'intervention d'une tierce personne pour interrompre le processus. Lorsque le galeriste est entré et a annoncé que l'œuvre était prête, Abramović s'est réveillée comme en transe. Nue et ensanglantée, les larmes aux yeux, elle a traversé le public, et tous se sont dispersés ; « littéralement, ils se sont enfuis en courant ». De retour dans sa chambre d'hôtel ce soir-là, en se regardant dans le miroir, elle a vu… «"une très grosse mèche de cheveux gris.".